Iconoctlán

Lo mejor del 2011, según yo

2012-01-03T10:40:00.000-08:00

El 2011 vino, saludó y se fue. Yo todavía como que no me encuentro en el 2011, y ya se ha ido… De esa misma forma me pasó con los cómics: tengo la sensación de que se crearon y publicaron muchas cosas buenas, pero me ha costado trabajo recordar las que líneas más abajo enumero, y tengo la sensación de que aun así hay varias que olvido… no se sí sea la edad o el hecho de que en el 2012 se acaba el mundo… dicen.

En fin, que hubo cosas nuevas muy buenas, títulos que ya fueron mencionados en la lista del año pasado y que siguieron sobresaliendo durante el 2011, así como las infaltables recopilaciones. Empezaré con los títulos que repiten este año, para dejar al final las novedades sobresalientes durante los pasados doce meses. Espero les resulte interesante y que despierte su interés.

Neonomicon (A. Moore y J. Burrows, Avatar), Scarlet (B. M. Bendis y A. Maleev, Icon), SHIELD (J. Hickman y D. Weave, Marvel), Scalped (J. Aaron y R. Guera, Vertigo), Punisher MAX (J. Aaron y S. Dillon, Marvel MAX) y Love and Rockets: New Stories (G. y X. Hernández, Fantagraphics), Black Jack (O. Tezuka, Vertical Inc.): Todas estas series formaron parte de lo mejor del 2010, y continuaron con un nivel bárbaro durante el 2011. Moore y Burrows concluyeron su cruento relato lovecraftiano; Hickman y Weaver siguieron alucinando con las posibilidades protohistóricas del Universo Marvel; Aaron y Guera siguieron construyendo el mejor thriller en cómic desde hace varios años, y junto a Dillon Aaron llevó a niveles de violencia inesperados al Castigador; mientras los Hernández nos estregaron otra joya impoluta con el volumen 4 de Love and Rockets New Stories, y el Black Jack de Tezuka continuó impactando con su riqueza anecdótica.

Y ya en desorden total, lo siguiente:

The Eyes of the Cat (A. Jodorowsky y Moebius, Humanoids): Aunque poco conocida, ésta se trata de una de las grandes obras de la historieta, realizada en 1977 por estos maestros. Una historieta sin diálogo y con elocuencia narrativa, que hace cosa de un mes fue reeditada en edición de lujo, limitada (tan sólo 750 copias) y en gran formato. Increíble.

The Metabarons (Alexandro jodorowsky y Juan Giménez, Humanoids): La saga de esta Space Opera no es extraña a los lectores del mundo; sin embargo, en EU no se había tenido una publicación en su formato original de dimensiones de álbum francés y sin censura. Ahora Humanoids publicó una recopilación completa en una edición Omnibus de 1000 ejemplares, y el resultado es bellísimo.

Swamp Thing, Animal Man, Justice League Dark, Batman, Action Comics, I, Vampire (DC Comics) El suceso de 2011 en términos comerciales fue el New 52, el relanzamiento del Universo DC como estrategia para encontrar nuevos públicos. No todos los títulos han sido rescatables; pero sí nacieron varios que han sido muy interesantes como los que se mencionan en esta entrada: Scott Snyder creó grandes momentos en ST y Batman; Jeff Lemire parece estar rememorando la gran etapa de Jamie Delano en Anima Man; Peter Milligan ha logrado balancear notablemente un superequipo de personajes fatalistas en Justice League Dark; Morrison rescata una vez más la esencia del Hombre de Acero; e I, Vampire ha sido un cómic de vampiros inesperado.

Witch Doctor (Brando Seifert y Lukas Ketner, Image/Skybound): Últimamente, los autores de cómic de horror se toman muy en serio sus series, y se encuentran en un problema cuando no les quedan muy bien… Seifert y Ketner, nóveles autores, se lo toman hasta con buen humor, y el resultado es una serie extraordinaria. Ya queremos ver su miniserie del 2012.

Crossed 3D y Crossed Psychopath (Avatar): David Lapham, sin duda, se reveló como uno de los guionistas más peligroso del cómic estadounidense con su versión al Crossed, creado por Garth Ennis y Jacen Burrows. Acompañado por los dibujantes Raulo Caceres y Gianluca Pagliaraini presentó dos de las historias más violentas que se hayan visto en cómic, ya sea por actos no consumados en este medio hasta entonces o por reproducir otros en 3D. Como en Primer Impacto: hay que verlo para creerlo.

The Ultimates (J. Hickman y E. Ribic, Marvel)) Aquí vemos qué sucede cuando se alían uno de los guionistas más propositivos de cómics de superhéroes al momento y uno de los dibujantes más perfectamente estilizados. El resultado es un cómic de superhéroes de proporciones épicas perfectas.

Hellraiser (Clive Barker, Chistopher Monffete; Leonardo Manco y otros, Boom Comics)) Tras dos décadas de la primera y única serie basada en los personajes de Barker, Boom regresó con esta serie que continúa con estos mitos y con el mismo Barker como capitán. Muy buen en general, y con algunos momentos realmente inolvidables.

Lychee Light Club (Usamaru Furuya, Vertical Inc.): Esta obra de marcado tono nihilista, es un sobresaliente trabajo de Furuya, mangka que ha brillado en la escena independiente nipona y que afortunadamente está llegando a Occidente a través de las traducciones al inglés del sello Vertical. Su adaptación al clásico de la literatura japonesa: No Longer Human, también ha comenzado su publicación.

Xombi (John Rozum y Frazer Irving, DC Comics): Una de las grandes pérdidas del antiguo orden en DC, tras la llegada de New 52. Las coloridas imágenes de Irving le dieron dimensión a las surrealistas historias que Rozum retomó de una serie que escribió una página importante hace cerca de quince años.

Loose Ends (Jason Latour y Chris Brunner, 12-Gauge): Una historia de hampones y crímenes en Miami, con el dramatismo necesario y una realización gráfica extraordinaria y espectacular, definida por la importancia en el diseño que han respaldado los esfuerzos editoriales de Brian Stelfreeze , Doug Wagner, Jason Pearson y Cully Hamner.

Y aquí un par de links, para checar las listas de los colaboradores de Revista Comikaze , y la del sitio Índice realizada por Luis Reséndiz, Pablo Alva y William Saints.

No Longer Human y Holy Terror

2011-12-28T11:28:00.000-08:00

No Longer Human, de Usamaru Furuya (a partir de la novela de Osamu Dazai), 1

Vertical Inc.

11 dólares

En Japón, la novela No Longer Human es un clásico de la literatura del siglo XX y es considerado el 2º bestseller en la historia de la literatura de dicha nación. Escrita por Osamu Dazai en 1948, se trata de su tercera novela y última, pues la terminó poco antes de suicidarse.

El de Dazai es el caso del autor genial cuyos demonios terminaron por devorarlo, aunque en el proceso se convirtieron en su propia musa decadentista.

Usamaru Furuya, autor de culto en el manga, escogió No Longer Human para uno más de sus acercamientos a la oscura mente humana (ahí está el precedente en Occidente de Lychee Light Club, reseñada ya en Iconoctlán, en la que se presenta un peculiarísimo grupo de jóvenes apocalípticos), y el resultado es una obra que no deja indiferente al lector.

Ahora, gracias a Vertical Inc. (sello que también se encargó de traducir al inglés Lychee Light Club), podemos leer esta obra que se construye sobre el vacío existencial del ser humano durante el siglo XX (no creo que durante el XXI cambie mucho la cosa).

Esta ríspida historia surge a partir del diario de Yozo Oba, encontrado por un guionista sin ideas. El diario se titula No Longer Human, y retrata a un joven que desde que recuerda ha estado insatisfecho con su condición como humano y aterrorizado por sus congéneres. Para hacer la vida más llevadera ha empleado una impostada actitud de buena onda, que lo ha convertido en su historial escolar en poco menos que un payaso, y ganándole la simpatía de todo mundo. Sin embargo, Oba parece que sólo estaba esperando el momento preciso para caer en el abismo. Lo que sigue es la perdición entre vicios, hasta llegar a un intento de suicidio medianamente malogrado… y ésta apenas es la primera de dos partes.

Para más o menos comprender la intensidad de esta obra, sólo digamos que buena parte de lo que sucede en esta historia refleja parte de la vida de Dazai, quien finalmente murió en un suicidio compartido.

Furuya, por su parte, muestra un talento notable al montar este drama, poniendo los énfasis donde se necesitan, y cambiando de técnicas para los flashbacks o las interpretaciones. Además, en la solapa de este manga, se explica que por primera vez esta autor trabajó simultáneamente una versión para Oriente y otra para Occidente, pues no se invirtió el sentido de las páginas para su publicación en EU (recordemos que en Oriente se lee de derecha a izquierda). ¿Acaso habrá dibujado totalmente dos versiones de manera simultánea, así como Werner Herzog filmó simultáneamente sus dos versiones de Nosferatu, una en alemán y otra inglés? Pensarlo tan sólo me parece de locos, pero sin duda se trata del estado correcto para lograr esta sobresaliente obra.

Holy Terror, por Frank Miller

Legendary

30 dólares

No soy politólogo ni creo ser un opinólogo versado en el tema como para defender una posición o desacreditar otra. Como cualquier ciudadano tengo mi opinión y perspectiva de las cosas. Y entiendo que recientes declaraciones, e inclusive su más reciente trabajo, de Frank Miller han sido un tanto reaccionarias y viscerales, por decir lo menos.

Como se sabe, Holy Terror, la más reciente novela gráfica de Miller, originalmente fue concebida como una historia de Batman contra Bin Laden… efectivamente, se anunciaba como una historia muy esquemática a la usanza de las de hace más de medio siglo, cuando el Capi madreaba a Hitler, por ejemplo, y como el mismo Miller lo subrayó.

Sin embargo, conforme Miller fue trabajando en ésta, el discurso aparentemente se fue volviendo un poco más virulento, provocando que Miller decidiera dejar a un lado a Batman, para crear al personaje Fixer, y haciendo a un lado a DC para dejarse arropar por el naciente sello Legendary (según el propio Miller, no tuvo ninguna desavenencia con DC que lo llevara a salir de esta editorial).

El resultado final, como no pocos lo han visto y dicho ya, es una obra cuyo discurso en contra del mundo musulmán ha caído muy pesado, por ser directo y panfletario (sobre el sentido de esta obra, Grant Morrison le dijo a Miller que si quería pronunciarse en contra de Al Qaeda y combatirlo, que mejor se sumara al ejército para hacerlo de forma más efectiva, y dejara de enfrentar a un personaje de ficción como Batman, contra una amenaza real). Será lo mejor, entonces, que cada lector tome su posición ante el discurso de la obra.

Dirigiéndonos ya, entonces, a la cuestión gráfica y formal Holy Terror es un gran espectáculo digno de un gran maestro del medio. Antes de que se explotara el tan promovido estilo widescreen en Planetary por Bryan Hitch, Miller ya había explorado de forma objetiva los alcances de la página apaisada con 300. El resultado fue algo sorprendente, y lo obtenido en Holy Terror no lo es menos.

Si ya desde Ronin se notaba la fuerte influencia de maestros de la historieta europea (como Hugo Pratt, José Muñoz y Alberto Breccia) en el trazo y narrativa de Miller, en el siglo XXI creo que vemos a un Miller inmerso totalmente en una escena que no es la estadounidense, rompiendo totalmente con la forma del relato heroico estadounidense.

Toda la secuencia inicial del encuentro entre Fixer y Natalie Stack, una suerte de Catwoman, es un portento de montaje, en el que todo se construye en base a los espacios de luz que estratégicamente Miller permite que se escapen entre las manchas de tinta. Ya hacia la tercera parte del libro, hay algunos momentos gráficos menos logrados; pero, en general, la obra no carece de movimiento y fuerza.

Discutibles pueden ser entonces el tema y los protagonistas de Holy Terror, pero el resultado es un gran espectáculo de persecución y venganza, razón principal por la que los lectores de Miller hemos adquirido esta obra... aunque igualmente nos recuerda lo trascendente que pueden ser los 'monitos' en la vida pública.

Las aventuras de Tintín

2011-12-24T16:48:00.000-08:00

Si desean checar un comentario sobre Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio, vayan a Ojos más que abiertos.

Black Jack Volume 15

2011-11-22T15:59:00.001-08:00

Black Jack Volume 15

Publica: Vertical Inc.

17 dólares

Para los primeros años de los años 80, Black Jack parecía comenzar a perder un poco de fuerza (recordemos que la serie finalizó en 1983): Los casos médicos comenzaban a ser demasiado rebuscados y las resoluciones médicas perdían fuerza y los desenlaces, por ende, parecían quedar incompletos.

Esto, por supuesto, lo digo con dificultad y de manera un tanto insensible, pues el nivel de esta obra de Osamu Tezuka seguía siendo impresionante en términos generales y como parte de su mismo corpus autoral. Finalmente, mantener esta saga durante diez años, a tan buen nivel, y a la par de la realización de otras obras, nos demuestra claramente el gran nivel autoral de Tezuka.

Tal vez lo extraordinario de forma integral ya no era tan fácil lograrlo en las entregas mensuales de esta obra, sin embargo, seguía sucediendo de vez en cuando, y la espera mensual para nada que era mal correspondida.

Así, tal vez, tras la lectura de quince volúmenes el lector de BJ esté un poco insensible e incapacitado para opinar cabalmente sobre un volumen en específico de la saga (y a la cual le restan tan sólo dos más para finalizar); sin embargo, haciendo un esfuerzo y comparando, la trascendencia de la obra logrará salir a flote.

El Volumen 15 de Black Jack se compone de 14 historias repartidas en cerca de 300 páginas. Cada una de poco menos de 20 páginas y autoconclusivas. De tal forma, que podemos inferir el talento que debe tenerse para entregar mensualmente historias que tengan un desarrollo, nudo y desenlace, y con elementos tan intrincados como los de BJ, en ese corto número de páginas.

Tezuka elabora un melodrama de amores imposibles y culpas a partir de las cirugías plásticas y el éxito en los espectáculos (A Star is Born); a partir de un padecimiento que de sus víctimas prácticamente hace vampiros, crea un relato gótico (Dedicated to Dracula); de una niebla perniciosa y una mujer obstinada hace un relato de desesperación dilatada (Fog); salvar de un cáncer a un enfermo no es cualquier cosa cuando éste se trata de un ganador del Premio Nóbel por un supuesto medicamento que evita dicho padecimiento, BJ debe de resolver el dilema(The Next Chance); y, entre otros sucesos, vemos los berrinches de antología que realiza Pinoko, cuando BJ no regresa a su casa debido a un posible contagio de cólera, y dejando a una enferma esperando (A Cholera Scare).

De especial atención están un par de historias: A Happening at Dawn, la cual posiblemente es una de las historias más gráficas de BJ al ilustrar en buena medida una cirugía cerebral en un niño que calló en una zanja; y que seguramente habría sido imposible ver publicada en alguna otra parte del mundo en su momento, pues aunque no hay excesos de sangre ni viscosidades (obviamente, estamos hablando de un manga en blanco y negro), la trepanación no resulta cualquier cosa.

Y la otra historia es A Surgeon Lives for Music, en la que un notable cirujano admirado por el mismo BJ, sorprende no sólo por sus grandes dotes en la mesa de disección, sino igualmente porque su desempeño siempre lo hace acompañado de música, sin perder concentración alguna. La historia de por qué ese amor casi obsesivo con la música es una que le llegará a los coleccionistas de discos u otros objetos, y que provocará un mayor odio en los Estados totalitarios. Sin embargo, parte importante de la peculiaridad de esta historia es que en su acto inaugural este cirujano escoge el tema Let It Be, de The Beatles, para su operación. Parte de la letra de dicha composición se reproduce entre las viñetas e, inclusive, a pie de página se dan los respectivos copyrights. Como se sabe, los temas de The Beatles son algunos de los más socorridos en diversos medios, aunque pocas obras son las que logran obtener el permiso para ser reproducidas, haciendo así de esta historia de Tezuka una absoluta curiosidad.

Max y Bardín en México

2011-11-01T13:57:00.000-07:00

Esté jueves, sí, este jueves 3 de noviembre, se inaugurá en el Centro Cultural de España una exposición retrospectiva de la obra de Max, historietista español de trascendencia internacional y multipremiado. Sí, sé que tal vez varios lectores de historieta no hayan escuchado hablar de Max, pero sólo les diré que Max lleva casi cuatro décadas construyendo historietas, referentes de varias generaciones y en todos los géneros y subgéneros habidos y por haber. Se trata del primer autor en ganar el Premio Nacional del Cómic, en España, en 2007. Y, simplemente, digámoslo clara y sencillamente, es uno de los autores de cómics más importantes e interesante a nivel mundial en la actualidad.

Como muestra está Bardín, el superrealista (Ediciones La Cúpula) fue la razón por la cual Max (Francesc Capdevila) obtuvo el Premio nacional del Cómic.

Bardín es un individuo que viste traje y corbata, seguramente vive en los años 30 del Siglo XX, apogeo del Surrealismo, pues un buen día el Perro Andaluz (heredero y depositario universal de los poderes superrealistas desde 1929, según él mismo cuenta), en un esfuerzo por continuar con lo que Dalí y Buñuel le quitaron, decide brindarle los poderes necesarios para acceder al Mundo Superreal y, de esa forma, descubrir los misterios del inconsciente como solución a la realidad.

Y es así que Max nos entrega entonces diversas historias bañadas en referentes culturales, proésas gráficas e ideas suculentas.

“Dibujar es un acto de amor gratuito, anónimo y automático. ¡¡¡Es un acto desinteresado y puro!!!”, dice Max en voz de Bardín como principio de vida. Y es así que como una suerte de superhéroe metafísico Bardín se enfrenta, por igual, al atemorizante e inefectivo poder de los dioses y al desesperante, críptico y encabronante ejercicio de los sueños.

El éxito de esta obra ha logrado que se edite una edición en catalán, y que igualmente Max lleve ya otros premios bajo el brazo.

Conocí la obra de Max por la lectura de un libro de su personaje de culto Peter Pank, y por la lectura de Nosotros somos los muertos, encomiable esfuerzo editorial en el que reunió durante la pasada década algunos de los mejores ejemplos del cómic independiente internacional.

Estos proyectos, junto con Bardín (muy cercano a la construcción visual implementada por Chris Ware), manifiestan claramente la obra de un autor poliforme en el buen sentido: no se ha casado con un estilo o con personaje alguno; por el contrario, ha experimentado a partir de sus necesidades artísticas y eso lo ha llevado hasta el sitio del editor, como vocero de una escena alternativa en un medio que comúnmente se casa con una idea.

Así, vemos que Max es un autor para todas las estaciones. Desde 1973 en que comenzó a trabajar de manera constante en el cómic underground español, su voz ha trazado diversos caminos y acompañado diversas generaciones de lectores.

Bardín, igualmente, ha sido editada ya en el mercado estadounidense por Fantagraphics, y una monografía muy interesante sobre MAX ha sido editada por Dolmen Editorial. Por supuesto, no es sencillo encontrar este material, pero hay que esforzarse.

Si les interesa el cómic como medio, entretenimiento y arte en general, no falten este jueves a las 19 horas al Centro Cultural de España (Guatemala 18, Centro Histórico), para la inauguración a la muestra de Max, donde él mismo estará presente. E igualmente, el martes 8, a las 19 horas, a la conferencia “La ilustración y el cómic: relaciones y diferencias”, en el mismo lugar. Todo esto ya como arranque de las actividades de Festo, 1er festival de Autores de Cómic, que va a estar trepidante.

The Brides of Mr. X and other stories

2011-10-03T13:17:00.000-07:00

The Brides of Mister X and Other Stories, por Jeffrey Morgan, e ilustrada por Shane Oakley y D’Israeli.
Dark Horse
50 dólares

Los años 80, sin duda fueron una época especial. En el ámbito del cómic, fue cuando surgieron voces importantísimas y trascendentales del cómic de autor e independiente, que afectaron inclusive hasta el mainstream. Alan Moore, Frank Miller, Howard Chaykin, los hermanos Hernández, cambiaron la forma de leer y hacer cómics. Otro autor importante en este ámbito, aunque por alguna razón su trascendencia no ha sido tan publicitada, es Dean Motter, quien con Mister X creó otro parangón de aquella década y el cual, sobre todo, quedó enclavado en las influencias de muchos autores.

Mister X es el arquitecto de Radiant City, literal y figurativamente. A partir de una escuela de arquitectura que bautiza como Psychetecture, Mister X diseña una ciudad cuyos edificios afectan psicológicamente a sus habitantes llevándolos a crear y protagonizar caos en formas caprichosas. El Infierno en el que Radiant City poco a poco se va transformando no era el objetivo de su creador quien, entonces, ingiera la droga insomnalin que lo mantiene despierto las 24 horas del día, en un enloquecido intento por rescatar la ciudad que él construyó y condenó a la vez.

Esta magnífica obra fue construida en su primer movimiento (de cuatro números) por Motter, con diseños de Paul Rivoche y con dibujos e historias de Xaime, Gilbert y Mario Hernández. La historia principal, ilustrada por Xaime, es de una belleza estética tan sobresaliente, que resulta un crimen sea tan poco conocida. Durante la década de los 80, entre estos números y unos subsecuentes ilustrados por Seth (el mismo de Palookaville), la historia de Mister X llegó a los 15 números. Tras la salida de Motter de Vortex, el sello canadiense que publicaba el título, se llevó a cabo una segunda etapa escrita por Jeffrey Morgan, e ilustrada por Shane Oakley y D’Israeli.

Bajo el nombre de The Brides of Mister X, Dark Horse recientemente publicó una recopilación con toda esa segunda etapa (hace poco más de un año publicó el Mister X: The Archives, que recoge los clásicos escritos por Motter) en poco más de 300 páginas.

De importancia radical en la trascendencia de Mister X fue la calidad en los dibujos y sus colores; a través de estos elementos se proponía una ciudad un tanto laberíntica en medio del Art Deco y el Bauhaus, en medio del pasado y el futuro. La locura que componía una ciudad en llamas mentales y literales subraya el vértigo en la segunda etapa, pues ahí el arte se reprodujo únicamente en blanco y negro, y los trazos esquizoides de Oakley y D’Israeli, entonces, sugirieron mayor insanidad.

El desconocido Morgan, ahora me entero gracias a un texto incluído en The Brides of Mister X, en los años 70 fue colega de Motter, con quien inclusive grabó un disco de ambient electronico, y poco después fue editor de la revista Cream, una trascendente publicación de rock durante los 70 y 80. Es así que la escritura de los 12 números que componen la segunda etapa de Mister X resultan en una anomalía en la carrera de Morgan, aunque una anomalía muy lograda.

Prácticamente los tres arcos narrativos escritos por Morgan: The Brides of Mister X (dibujado por Oakley), Limbo y Dedicated User (ambos ilustrados por D’Israeli) son un acercamiento al abismo: Primero, Mister X es contratado en un supuesto intento por rescatar a Radiant City, siendo tan sólo presa de un plan que deja peor parada a la ciudad junto a su arquitecto; segundo: Mister X es protagonista de un viaje por el subconsciente que le permite entender el trago amargo conocido por vida que vive; y tres: Mister X reaparece tan sólo para caer en un estado de sueño perpetuo, provocando que más de una de sus novias lo busque y, dejando claro, que casi nadie sabe quién es en realidad Mister X.

Mister X fue algo peculiar en su momento, y actualmente lo sigue siendo. Fue un proyecto que mostró el debate artístico y existencial que Motter constantemente protagonizaba en su mente, y a partir de su profesión como diseñador gráfico, ilustrador y narrador. El cómic, como un todo que en su centro guarda una idea motora de diseño en varios aspectos, permitió así que Mister X se convirtiera en una obra que abriera debate sobre los alcances del mismo medio, y que hoy día esta obra continúe siendo recordada en gran medida por profesionales del medio.

El mismo Mark Waid (en la introducción que abre The Brides of Mister X) se aventura a decir que Motter logró más en la idea de diseño dentro de un cómic, que lo que Eisner o Steranko hicieron en su obra… me parece que Waid exagera un poco; pero aunque consideró que lo logrado por los dos maestros mencionado es más fundacional que lo logrado por Motter, sí creo que es igual de trascendente.

Finalmente, Mister X permanece como una narrativa que continúa despertando interés e ideas, como la misma Somnópolis continúa develando misterios para su creador.

El fin de los tiempos: Comikaze 14, personajes extraños de cómic y John Carpenter, Los Mundos Manga y Masacre en Xoco 2011 ya se acerca.

2011-09-28T10:11:00.000-07:00

Bueno, pues creo que con la imagen basta, pero se les recuerda de cualquier forma que este sábado 1º de noviembre se presenta el número 14 de la revista Comikaze (lugar y fecha chequen imagen), número cuyos contenidos están dedicados en gran parte al nigromante de Northampton, al bardo del Universo, al Dios de las Tierras infinitas: ¡Mr. Alan Moore! Textos sobre el horror y el sexo en la obra de este maestro, además de una bibliografía comentada conforman el plato fuerte de este número. Igualmente contiene una entrevista con Cecilia Pego, creadora de Terrora y Exilia. Allá nos vemos.

Y pues en puestos ya anda orbitando el número especial de Mundo Insólito de la revista Conozca Más que, obviamente, presenta artículos y reportajes sobre nuestro peculiar terruño. Así fue que se me encargó realizar un listado de 20 personajes extraños, grotescos, insólitos del cómic; échenle un ojo, a ver cómo lo ven (como pueden ver en los comments al post anterior, ya hay algunas voces disonantes que se han encargado –con justa razón- de subrayar los errores en las imágenes… pero pues esas son cosas que suceden). Igualmente si tienen chance échenle un ojo al número de octubre de la revista Cinemanía que, además de traer una buena cantidad de textos sobre la cuarentona A Clockwork Orange, contiene un texto y filmografía comentada del maestro John Carpenter, salido de mi inspiración. Ah, y este mes no hay carta o foto mía en cómic o revista de cine de horror alguna.

En el Gandhi antiguo del Miguel Ángel de Quevedo al fabuloso precio de 99 pesos se encuentra el libro Los mundos Manga, de Jérôme Schmidt y Hervé Martin Delpierre, editado por Océano. Éste se trata de un libro de lujo con una buena cantidad de imágenes muy interesantes sobre autores, obras, situaciones y lugares básicos en este ámbito del manga. Desde Tezuka hasta los magankisa es por donde va el camino de esta interesante investigación de sus autores franceses, quienes complementaron esta investigación con un revelador documental que alguna vez transmitió Canal 22. Este libro hace unos meses costaba casi 500 pesos (y, de hecho, continúa a ese precio en la Gandhi ‘nueva de Quevedo), así que allá ustedes si lo dejan pasar por 99 pesos.

Váyanse preparando, porque del 30 de octubre al 2 de noviembre próximos se realizara Masacre en Xoco 2011: 2ª Jornada de Cine de Horror en 35 mm en Cineteca Nacional. Cuatro días de horror en cine, para cerrar con un maratón que nos dejará con caras de zombies. Argento, Hooper, Peckinpah, López Moctezuma, Cohen… son algunos de los apellidos de los maestros que crearon los filmes que podremos ver esos días. Ya pronto comentaré qué filmes podrán verse.

Velveteen & Mandala

2011-09-08T14:14:00.001-07:00

Velveteen & Mandala, por Jiro Matsumoto
Vertical Inc.
17 dólares

Tras veinte años, más o menos, de un constante bombardeo de cultura japonesa pop en la forma de anime, manga y cine fantástico, como lector occidental podría esperar impresionarme cada vez menos con la oferta venida de dicho territorio.

Como muchos de ustedes deben de experimentarlo, eso no sucede. Por el contrario, tanto la oferta de obras recientes como los rescates antiguos nos avasallan sensorialmente, demostrándonos ese desconocido mundo que sigue siendo el arte oriental, vía Japón.

Velveteen & Mandala, la más reciente novela gráfica publicada por Vertical Inc., es un ejemplo contundente de las extrañas historias que se cuecen en los cerebros de los mangakas, resultado de una educación y cultura muy distante a la nuestra, así como de la exposición inmisericorde a cantidades ingentes del mencionado arte pop japonés.

Descrita en muchos lados a partir de referencias a la obra del maestro Hayao Miyazaki, Evangelion y la ‘cultura’ zombie, me parece que la originalidad y trascendencia de Velveteen & Mandala sobrepasa las referencias que utiliza, permitiendo entonces hablar de ella misma sin tanto calificativo o referencia, aunque sin que esto sea algo sencillo, obviamente.

Esta obra de Jiro Matsumoto es la primera en ser traducida al inglés y, por ende, el primer acercamiento de muchos lectores a su trabajo, y el cual ha sido ganador de varios premios importantes en la industria del manga. Velveteen & Mandala fue serializada entre 2007 y 2009, en la revista Manga Erotics f.

La historia, distopia, entendemos que se desarrolla en un futuro suponemos no muy lejano, en el que las ciudades apenas y se sostienen como resultado de constantes guerras intestinas. La gente busca refugios en los lugares alejados de las ciudades. Así, un par de colegialas escapan de su entorno y se internan en un a estepa que las lleva hacia un río, y del cual harán su fuerte refugiándose dentro de un tanque de guerra que parece resguardarlo. Sin embargo, así como veremos desintegrarse la relación de estas dos chicas que creíamos íntimas, observaremos la destrucción de la lógica de la historia, en la que grupos de zombies las atacan en una especie de juego entre fantasía y realidad dentro de la misma ficción, y como reto a la atención y capacidad del lector.

En realidad, Matsumoto maneja de forma sobresaliente una compleja acumulación de líneas narrativas que, conforme avanza la historia, nos descubre la intensa y trágica historia de este par de conocidas o desconocidas, lúcidas o dementes, sobrevivientes o muertos vivientes, en una forma que remite –ni modo- a la fórmula del maga para chicas –shojo- aunque retorcido y explotando sus mismos elementos para arrojar una sátira divertida y triste a la vez, en la que un terreno encharcado reflejando las nubes y lleno de muebles derruidos puede resultar tan inolvidable como una violación tumultuaria entre zombies.

La temblorosa línea de Matsumoto logra, extrañamente, un verismo que le da lógica a la historia y es lo que logra, finalmente, que aplaudamos de pie una obra en la que la mención de Totoro o la vista de una pila de cadáveres consumiéndose coincidan entre las páginas de una misma obra. Las líneas entre géneros, entre lo políticamente correcto e incorrecto, entre lo dócil y lo salvaje, entre lo inocente y lo agreste van desapareciendo.

Renee Freak

2011-08-29T15:51:00.000-07:00

Algo que vuelve aún más disfrutable la lectura de la obra de Renee French -al menos en lo personal-, es que continúa siendo infranqueable, auténtica y misteriosa.

Conocí el trabajo de esta autora gracias a la recopilación que Dark Horse hizo en 1997 de su novela gráfica The Ninth Gland (serializada meses antes en la antología Dark Horse Presents). En ésta, a través de unos trazos que en principio harían pensar que fueron pensados para ilustrar un cuento infantil, French cuenta la historia de una niña que encuentra un extraño animal, semejante a un caballo o burro con una herida. Este ser, no obstante, revela una naturaleza aún más extraña cuando se descubre que debajo de su herida habita otro ente más; y esta experiencia narrativa se vuelve aún más inaudita y alucinante cuando a la pequeña se le ocurre llevar al animaloide ése con un extraño doctor que trabaja en el sótano de un hospital.

Y es que esa es más o menos la historia. Con French nos encontramos siempre frente a una serie de sucesos bizarros, que arrancan de manera podríamos decir coherente, y terminan en un alucine bendito.

Me gustaría decir que French nació en una villa en la punta de una montaña que se encuentra escondida por nubarrones, y perteneciente a un país que sigue sin localizarse en mapa alguno… pero la realidad es que nació en Estados Unidos, y le gustó la adaptación fílmica de Punisher protagonizada por Thomas Jane. Es decir, French es una verdadera freak que, creo, nunca terminaré de comprender.

Y eso pasa igual con Corny’s Fetish (también de Dark Horse) y más recientemente con The Soap Lady (un cuento para niños azotados), Micrographica (galería compuesta por dibujos microscópicos) y The Ticking, su trabajo más reciente (ambos para Top Shelf Productions).

En The Ticking, vemos la historia de Edison Steelhead, un niño que sufre más por la reclusión que vive junto a su padre en una isla, que por la deforme cabeza que también heredó de él. Las vidas de ambos se consumen en la lejanía hasta que llega la nueva ‘hermana’ de Edison, quien no sólo parece un chimpancé, sino que se trata auténticamente de un chimpancé.

Se trata de una novela gráfica de 216 páginas, que presenta dos viñetas por página y con los diálogos o prosa al calce de cada cuadro.

Cómo podemos ver, las historias de French son crueles, y ese es su atractivo, pues todos sus personajes presentan las mismas inquietudes y pulsiones que vemos a diario en nuestra vida.

Y hasta ahora, French continúa haciendo el mismo tipo de historias, y sin dar una gran explicación… por lo cual, agradezco enormemente ese misterio que ha hecho de su obra.

Creo que a estas alturas, el mismo David Lynch (quien realmente ha decepcionado con su onanismo exacerbado en Inland Empire) quisiera tener la fuerza de French.

Aún recuerdo a Jenifer...

2011-08-11T14:36:00.000-07:00

*NOTA: Debido a la carga de trabajo, me veo en la necesidad de hacer rescates electrónicos de la primera etapa de Iconoctlán, cuando era parte de Toquedequeda. De cualquier forma, creo que vale la pena darle un segundo aire a algunos textos renovados.

En 1974, el género del Horror pasaba por un muy buen momento: The Exorcist (William Friedkin, 1973) y The Texas Chainsaw Massacre (Tobe Hooper, 1974), entre otras películas, transformaban el género con un realismo acorde a los tiempos. Esto igualmente podía verse en la nueva tendencia del cómic de horror, caracterizada por una serie de publicaciones que, en formato magazine, accedían a un nivel mayor de libertad discursiva, y la cual era maximizada por el blanco y negro con que se publicaban.

De esta etapa se recuerdan títulos como Dracula Lives!, Vampire Tales y Tales of the Zombie publicados por Marvel; así como Creepy, Eerie y Vampirella, publicados por Warren.

De aquel año se recuerda especialmente una historia publicada en Creepy 63 (julio de 1974), titulada Jenifer.

Dibujada por Bernie Wrightson y escrita por Bruce Jones, no sólo fue el acto que catapultó a ambos autores, sino que igualmente se convirtió en una de las historias breves de Horror más célebres de cualquier medio. En ésta, un individuo de caza en un bosque se encuentra con un cuadro digno de Goya: una mujer a punto de ser decapitada con un hacha por un hombre enloquecido. El extraño en la escena decide entonces ayudar a la mujer, y en el acto el casi homicida muere a manos del extraño: ya no podrá conocer la razón detrás de dicha escena. Cuando el extraño ve el rostro de esta mujer, encuentra una deformidad que le produce un horror y una atracción a la vez. El extraño decide llevarse a la mujer llamada Jenifer a su casa, pues muestra signos de discapacidad mental y, finalmente, no sabe con quién llevarla. El caso es que, como Otilia Rauda, la mujer de rostro espantoso muestra un esculpido cuerpo dispuesto a enloquecer al sexo opuesto y eso es lo que no sabía el extraño.

Como enigmas permanecen la horrorosa y atractiva, a la vez, fisonomía y psicología de Jenifer, que de esta historia han hecho ya un clásico. Hace un par de años el maestro del giallo italiano Dario Argento, realizó una adaptación de esta historia para la serie Masters of Horror, y comentó que a su juicio Jenifer se trata de un ser extraterrestre… lo cual ofrece un giro muy interesante a la percepción que se tiene del personaje. Si quieres leer las diez páginas de esta historia dale un clic.

Jones quien, al igual que Wrightson, creció viendo y leyendo las historias clásicas de horror de los 40, 50 y 60, se manifestó como un autor entusiasta del género y a través de los títulos mencionados comenzó a realizar su leyenda. En 1980, en los sellos independientes Pacific y Eclipse Comics, realizó las antologías Twisted Tales y Alien Worlds, que en tan sólo 10 y 9 números, respectivamente, logró un conjunto de historias terroríficas y bellas que, con la ayuda de una gama de dibujantes extraordinarios (como Corben, Wrightson, Liberatore, Bolton, entre otros) permanecen como otro de los momentos importantes en la carrera de Jones.

Desde que inició en los años 70, este guionista y dibujante invariablemente guionizó diversas series, y durante gran parte de los 80 y 90 se dedicó a escribir cuento y novela de horror, así como a escribir diversas series de televisión (tal vez recuerden El caminante). Pero fue a principios del siglo XXI cuando Jones regresó al cómic de la mano de Marvel para escribir alrededor de tres docenas de la serie de Hulk, que lo colocaron nuevamente en el panorama de la historieta.

Por alguna extraña razón -tal vez porque convirtió al título en un intenso estudio de personajes en formato de thriller, que dejó en segundo término a Hulk, y en primero a Bruce Banner-, el Hulk de Jones no recibió la atención pertinente y parece perderse entre los cientos de títulos en las estanterías de comic… una verdadera lástima, pues esta etapa de Hulk fue algo de lo más trascendente de aquellos años.

A diferencia de Jones, Wrightson es un autor bien identificado en la industria, y precisamente por su ejercicio dentro del género. Sus diversas historias realizadas tanto para la Warren, como para DC y Marvel, lo convirtieron prácticamente desde los 70 en un maestro: su versión a Frankenstein (publicado por Marvel en 1980, y rescatado hace un par de años por Dark Horse) es un momento cumbre de la ilustración moderna y el cual, en 2012, será revisitado con una serie ilustrada por el mismo Wrightson, y escrita por Steve Niles, y en la que se cronicarán las desventuras del moderno Prometeo al cierre del clásico de Mary Shelley.

Redescubramos a Jones y a Wrightson.

El fin de los tiempos: Algunos anuncios en la Comic Con.

2011-07-22T12:23:00.000-07:00

Y bien, la San Diego Comic Con 2011 ha arrancado y es momento, entonces, para volvernos locos con información y divagar en proyectos que podremos ver en un futuro cercano y otros que nunca serán y sólo se quedarán en los anuncios que se hayan hecho.

-El editor Scott Dunbier ha comenzado en IDW una colección extraordinaria llamada Artist Edition, a través de la cual se publicarán obras clave de autores clave (el primer lanzamiento es una recopilación del Thor de Walt Simonson que, en lo personal, no me resulta muy atractivo, a pesar de reconocer la trascendencia y calidad de la obra de Simonson) en gran formato y muy cercano al tamaño del arte original. Dunbier, quien concibió el formato Absolute para DC, tras la recopilación de Simonson, seguirá con una dedicada a Wally Wood y sus historias para EC, otra dedicada a John Romita y sus historias para Spider Man y la última anunciada (al menos hasta el momento) es una dedicada a The Spirit del maestro Will Eisner… no me cabe tanta felicidad. El problema será guardar los 100 dólares que costará cada ejemplar de 144 páginas.

-De Avatar, se anunció que Crossed, uno de los cómics más interesantes y salvajes de la actualidad creado por Garth Ennis, durante 2012 se convertirá en una serie quincenal. Además de que Stitched, la nueva serie de horror también creada por Ennis (y que es parte de un proyecto fílmico, que ya se ha presentado como un corto durante esta Comic Con) comenzará a publicarse mensualmente a partir de noviembre.

-A partir de diciembre de este año, Dark Horse comics comenzará la publicación de la adaptación en cómic de la saga The Strain (conocida en México como Nocturna), escrita por Guillermo del Toro y Chuck Hogan. La adaptación constará de 24 número, 8 por libro (y de los cuales el tercero aparecerá en octubre en el mercado), y será guionizada por David Lapham y dibujada por Mike Huddleston

- Abrams publicará en 2012: The Art of Daniel Clowes: Modern Cartoonist.

-Robert Rodríguez llegó con la espada desenvainada aventando proyectos al por mayor: Machete Kills, la secuela a la fabulosa Machete, comenzará a filmarse este año, acompañada del tráiler para Machete Kills Again; si la secuela resulta un hit como su predecesora, entonces la producción de la tercera de la serie será una realidad. En nuestras manos está que esta extraordinaria obra del cine Serie B sea una realidad.
Este año también comenzará la producción de Sin City 2, para la cual Frank Miller está escribiendo un episodio original para el filme, además de que se realizará en 3D, con ideas que nunca se habían ejecutado en 3D, según asegura Rodríguez, y a quien yo le creo lo que diga.
Los derechos para la nueva película de Heavy Metal (la publicación gringa de culto que abrevó de la seminal francesa Metal Hurlant) han recaído afortunadamente en manos de Rodríguez (el proyecto en el que también participarían David Fincher, James Cameron y, creo, Ridley Scott, ha fenecido entonces) y planea hacer un largometraje compuesto por diversos episodios inspirados en los temas de la publicación, para lo que invita a los mismos lectores a enviar sus ideas y propuestas, vayan aquí.
Rodríguez, continuando con su extraordinaria tarea que lo está convirtiendo en redentor del fandom, apoyará económicamente al museo del maestro Frank Frazzeta para que permanezca, además de que anunció que se encargará de la producción de Fire & Ice y Deathdealer, obviamente, basados en los conceptos del pintor e historietista.
¿Algo más?

-Y ésta no es de la Comic Con, pero es de importancia para nosotros: Marvel México ha puesto a la venta (en teoría desde ayer ya lo está) el primer ejemplar de la colección Marvel Deluxe, que se trata de ediciones en pasta dura. Esta primera entrega se trata de la recopilación de los números 39 al 50 de Tales of Suspense, es decir, las primeras aventuras de Iron Man. Su costo es de 300 pesos y, sin duda, se trata de todo un suceso en la escena editorial nacional de historietas.

Harvey Pekar y American Splendor

2011-07-14T12:06:00.000-07:00

Hace un año, el lunes 12 de julio de 2010 murió a los 70 años Harvey Pekar, protagonista del cómic American Splendor. A Harvey no lo mató la kriptonita ni un supervillano con armamento alienígena, simplemente se lo llevaron durante el sueño las secuelas de dos linfomas y toda la carga del mundo que dejó ver a través de sus historias. A Pekar no lo podrán revivir ningún proceso fantástico ni estrategia editorial y publicitaria alguna. Las páginas de American Splendor, su cómic autobiográfico, se han cerrado para siempre. No hay vuelta de hoja.

Harvey Pekar, no fue tan conocido como Superman, Spider Man o, incluso Fritz, el gato, aunque su número telefónico podía localizarse en la sección amarilla. Aunque se desarrolló en el mismo ambiente del cómic estadounidense y compartió puntos de venta y de discusión. Harvey Pekar no tenía superpoderes, pero sus esfuerzos para sobrevivir día a día eran notables y en ocasiones estrujantes.

American Splendor fue un cómic neorrealista (de hecho, así lo etiquetó para su venta el sello Dark Horse, cuando se encargó de su publicación durante los años 90), tal vez el primero en la historia de la historieta, al menos en la de la escena anglosajona: Will Eisner realizó importantes ejercicios autobiográficos, pero eran estilizados y cortados por el melodrama; Eddie Campbell, igualmente, posee un trascendente acercamiento, pero en éste se inmiscuye en muchas ocasiones la fantasía y la interpretación; Rick Veitch, durante los últimos tres lustros, ha realizado un intenso diario de sueños, pero entonces aquí estamos hablando de cómic surrealista.

American Splendor fue único precisamente por todo eso: se trataba de una crónica sincera, ausente de cualquier tipo de estilización, aunque variada en la interpretación gráfica, pues Pekar escribía y una multitud de artistas ilustraron sus memorias a través de poco más de treinta años. El recuento de la vida diaria, con American Splendor, logró un registro testimonial desconocido en su momento en el cómic y un hallazgo literario en la riqueza ofrecida por la sencillez de la palabra.

Harvey Pekar nació y murió en Cleveland, y aseguró que desde que tuvo uso de razón fue un coleccionista: inició con cómics y ya en la adolescencia comenzó con su pasión por los vinilos de música jazz. Estudió literatura en la Universidad Case Western, pero se desesperó al año de iniciado el curso y renunció. En los años 60, en una venta de discos, conoció a Robert Crumb (el célebre patrón del cómic underground, y creador de personajes como Mr. Natural y el mencionado Fritz, el gato), momento en el que nació entre ambos una amistad producto de su pasión por el jazz y la búsqueda de nuevos caminos en el cómic. Grandes conocimientos sobre literatura y música lo acompañaban en su vida diaria. Sin posibilidades de sobrevivir a partir de lo que le gustaba, en 1975 decidió tomar un trabajo como archivista en el Hospital de Veteranos en Cleveland, y del cual se jubiló en 2001 (en 1983, David Letterman le preguntaba por qué no dejaba ese trabajo, y vivía simplemente de escribir sus cómics. Harvey le contestó diciendo que no sabía dónde estaba la gente que pudiera hacer de sus cómics el éxito necesario para vivir de eso, además de asegurarle que necesitaba la rutina y el contacto humano que implicaba su trabajo).

En 1976, desesperado por hacer algo que valiera la pena, que dejara huella, y tras sopesarlo durante cerca de diez años, decidió comenzar a transcribir sus vivencias diarias en forma de guión de historieta, con la idea de que alguien más lo ilustrará, y para demostrar que la historieta podía ir mucho más allá de los superhéroes. Le mostró sus guiones a su amigo Crumb para conocer su opinión, y el dibujante se ofreció a ilustrarlos. Así, editándolo con su propio dinero, Harvey lanzó American Splendor como un cómic totalmente independiente y el cual se publicó de esa forma hasta su número 17, aparecido en 1993, tirando 10 mil ejemplares por número. En los años siguientes se publicaron 24 números más de la serie, bajo los sellos de Dark Horse y Vertigo /DC Comics, apareciendo el último en 2008.

American Splendor entonces pronto brilló, por la capacidad de Pekar para hacer interesante lo más arbitrario de la vida y por su misma naturaleza neurótica que, finalmente, parecía imán de personalidades peculiares conformando, en conjunto, un elenco siempre rico en tonalidades. En American Splendor, la batalla diaria de Pekar para conseguir el dinero necesario para subsistir, sus logros y desesperaciones en torno al coleccionismo, su oscura visión de la vida, su complicada forma de relacionarse con el resto de la humanidad y, a pesar de todo, su deseo por vivir, lo convirtieron en un personaje entrañable para miles de lectores.

De esa forma fue que en varias ocasiones se le invitó al programa televisivo Late Night with David Letterman, y provocó tanto una obra de teatro, como un exitoso filme basado en su vida y en su cómic –o viceversa-, llamado también American Splendor (dirigido en 2003 por Robert Pulcini y Shari Springer Berman, y ganando el premio de la crítica en Cannes y el premio del jurado en Sundance), y el cual le permitió salir por primera vez al extranjero.

Su novela gráfica Our Cancer Year (1994), en coautoría con su esposa Joyce Brabner y el dibujante Frack Stack, una detallada y vívida crónica de su tratamiento contra el cáncer, obtuvo dos National Book Awards en Estados Unidos.

La tragicomedia de American Splendor llegó a su fin. Inesperada como -y con- la muerte, e inolvidable como la vida misma. No habrá secuelas ni refritos, pero en los libreros y en las cajas de cómics queda para la posteridad.

*Texto publicado originalmente el 18 de julio de 2010, en el suplemento El Ángel, del diario Reforma.

Black Jack Volume 14

2011-07-04T11:41:00.000-07:00

Black Jack Volume 14, por Osamu Tezuka
Publica: Vertical Inc.
17 dólares

Finales fríos y tajantes… una gran cantidad de estos han podido verse en las historias de Black Jack, el cirujano más fenomenal que hemos podido ver en la historieta mundial, ejecutante prácticamente de milagros insospechados y, por ende, catalizador de cambios drásticos en vidas y destinos.

Eso, por supuesto, en muchas ocasiones puede provocar el caos o las diferencias con familiares o allegados de pacientes e, inclusive, con los pacientes mismos. La pericia de BJ es resultado de su carrera en contra de la adversidad biológica humana; es decir, BJ es un agente del caos para con el destino: su máximo objetivo es salvar la vida de sus pacientes, sin importar la dificultad de cada caso (aunque para que proceda, antes de cada operación se le debe pagar una cantidad estratosférica). Esa parece ser una decisión profesional (aunque BJ trabaje sin licencia) y una posición ante la vida y de espaldas, obviamente, a la muerte.

No han sido pocos los finales tajantes en los episodios de Black Jack. Los finales en los que sólo vemos la sombra de BJ alejarse mientras los rostros boquiabiertos de los otros personajes lo miran. Pero sobre todo, los finales en los que el mismo BJ termina con el rostro estupefacto, como preámbulo al del mismo lector, ante las vueltas que da el destino… estos finales son los que más impactan al lector de la serie.

En Black Jack Volume 14 son varios los finales fríos, tajantes, impactantes. Desde luego no se los voy a contar, tan sólo les diré que en A Transient Love, además de curar a una paciente con cáncer, BJ se casa con ella como parte de un acuerdo del cual fue víctima del destino; en Full-Moon Disease, BJ cura a una joven de un padecimiento que la convierte en una rolliza mujer, y con la cual tiene un lazo que ella desconoce; en Captain Satan, BJ no puede impedir operar a un General conocido por las carnicerías humanas que llevó a cabo en Vietnam –pues su compromiso es operar a cualquier tipo de enfermo, sin importar su calidad humana-, aunque la visita de un grupo de niños cambie todo; en Urashima, BJ busca salvar a toda costa a un paciente que durante medio siglo ha estado en coma, pues si no lo hace su némesis, el doctor Kiriko, practicante de la eutanasia, entrará en acción; y, entre otras historias, se encuentran la de un cineasta japonés que busca trascender con un documental sobre Black Jack, en There Were Two Films; y en Black Jack Disease, ¡BJ debe de encontrar la cura a la enfermedad que lleva su nombre!

Conforme la serie de Black Jack se acerca a su fin (tan sólo tres tomos restan en el futuro de esta colección de Vertical Inc.), los finales parecen ser un tanto más onerosos; sus soluciones médicas, aunque efectivas en primera instancia, en muchas ocasiones terminan causando más problemas a los antes enfermos; y, en este volumen al menos, no son pocos los intentos de asesinato (de parte de parientes inconformes con sus destino o con la suerte provocada por BJ) a los que sobrevive BJ. En ocasiones, el drama, la sangre y la muerte es lo que hace interesantes las vidas; al menos en la ficción. Black Jack Volume 14 es prueba de ello.

Gene Colan R.I.P.

2011-06-24T10:28:00.000-07:00

Cuando alguien se ausenta, sólo queda extrañarlo y poco que decir. Gene Colan, falleció ayer a los 84 años, tras algunos años de problemas serios de salud y familiares, y no se puede evitar decir algo. Extraordinario dibujante, se mantuvo activo desde los años 40 del pasado siglo en la industria del cómic estadounidense. Tal vez no contó con la popularidad de colegas como John Buscema o John Romita –porque su trazo no era lineal, sino brumoso y sugerente: era una invitación a pensar en cosas que no estaban plasmadas en el papel-, pero para muchos lectores y degustadores de historieta su trabajo fue mucho más trascendente que el de aquellos, sin demeritarlos, obviamente.

Aunque Colan trabajó con personajes tan populares como Namor, Iron Man o Daredevil, sus imágenes más indelebles las compuso con personajes como Doctor Strange, Dracula, Howard, the Duck e, inclusive, en una inolvidable etapa en Detective Comics (y que en agosto comenzará a ser recopilada en libro). Fuera en color o en blanco y negro (como mucho de su trabajo durante los años 60 y 70 en algunas series de Dracula, otras revistas para Marvel y algunas colaboraciones para Creepy y Eerie, de Warren Publishing) su trabajo salía de las viñetas y se expandía en la mente.

Con Colan, las sombras y las manchas encontraron un lenguaje poco transmitido en la historieta, un realismo entre tinieblas que, aunque en principio podría parecer complejo y oscuro, era seductor, absorbente y hermoso.

Ahora, la oscuridad ha perdido un poco de sentido.

El fin de los tiempos: Sups y Morrison, Miller Strikes Back, Comikaze 13, Jodocharla...

2011-06-21T08:45:00.000-07:00

-Pues ya comentábamos la semana pasada sobre la muerte de una época con el paso -de afuera hacia dentro- de los calzones de Superman; pues no sólo se trata de una cuestión estética, sino de un cambio de retórica y un esfuerzo por renovar el canon de la figura superheroica.

Esto puede sonar exagerado, pero cuando se ha visto la primera imagen de este Superman (levantando una roca enorme, semejando la portada del número uno original de Action Comics, sólo que ahora vistiendo pantalón de mezclilla, playera y algo que más que capa parece un paliacate: algo muy cercano a las imágenes de la propaganda del socialismo soviético de los años 20 del pasado siglo) y, después, nos enteramos que quien se encargará de escribir la nueva historia es, ni más ni menos, que Grant Morrison (acompañado por Rags Morales en las ilustraciones), podemos esperar indudablemente un cambio de enfoque, energías y discurso.

Sobre este proyecto, Morrison ya lo ha marcado de manera categórica al declarar que Superman es “la idea más grande que hemos tenido como especie humana”… claro que se trata de algo exagerado y, finalmente, es parte de la publicidad. Pero también es cierto que el concepto de Superman es uno que ha estado en un constante movimiento y construcción desde hace más de 70 años, y gracias a una cantidad ingente de escritores y dibujantes. En ese aspecto, este concepto es una suma de tanta energía e ideas que, a decir de Alvin Schwartz (guionistas de cómics de la Edad De Oro y creador, entre otros conceptos para Superman, de Bizarro), se ha convertido en un Tulpa, una idea viviente. Para más información al respecto, googleen a Schwartz o consíganse mi libro de Alan Moore.

De esta forma, Morrison buscará renovar a Superman a partir de sus características primigenias, y como explica a continuación: “cambiando algunos de los conceptos básicos, para reintroducir algunos rostros familiares en formas poco familiares, y para utilizar y refrescar algunas ideas que tal vez se han convertido en algo tan conocido que la gente cree ya conocerlo de memoria. Queremos presentar un acercamiento a Superman tan diferente, que nadie sabrá qué podrá seguir”.
Con Morrison, se vislumbra algo trascendente para este proyecto del cual, podemos esperar, un Superman redescubierto y dialogando, prácticamente, con sus lectores.

-Tras varios años de anunciarse, y otros más tras pensar que ya no se llevaría a cabo, hace unos días se dio la noticia de que Holy Terror, la novela gráfica que inicialmente Frank Miller estaba concibiendo con Batman como protagonista, será publicada en septiembre por Legendary Comics, subsidiaria de la productora de cine. Este cómic ya ha sido salivado por varios de nosotros ante la promesa de que presentaría una historia de venganza en manos de Batman en contra de quienes resulten responsables de la caída y muerte de las Dos Torres neoyorquinas; y aunque ya no veremos a Batman, sino a un tipo llamado Fixer, sin duda se tratará de un banquete de violencia firmado por el maestro Miller. Esta obra, en apariencia, fue víctima de la salida del editor Bob Schreck, quien editó el polémico All Star Batman and Robin The Boy Wonder para DC Comics, título en el que además de que el realizador Sin City se burló de varios personajes de DC, permitió que se publicaran palabrotas que en teoría serían censuradas. Como suele suceder, en DC ya han de estar dándose de topes.

-Y la semana pasada, ante tanto chisme de DC se me pasó comentar que entre tanto cambio editorial en dicho sello, con el paso de Greg Capullo de Image a DC -como dibujante de Detective Comics-, el lugar que dejó vacante como ilustrador de la serie Haunt ahora será ocupado por el extraordinario Nathan Fox, un dibujante poco conocido pero con una fuerza envidiable en su trazo y pincelazo. Además, no sólo entra a esta serie Fox, sino que los guiones ahora correrán a cargo de Joe Casey, un guionista que siempre ha buscado la manera de innovar en sus guiones de superhéroes. Por primera vez, Haunt resultará interesante, y gracias a que sus creadores originales lo han dejado… y aunque creo que lo mejor habría sido que Image les diera carta blanca a Fox y Casey para crear lo que quisieran, de todos modos checaré su Haunt, porque en ocasiones crear con ciertas restricciones arroja buenos resultados.

-En uno de esos actos extraños, el gran dibujante Steve Rude ha comenzado una campaña para pedirle trabajo a DC Comics. Tras varios años de alejarse de la historieta, e intentar levantar de manera independiente su cómic Nexus (cocreado con Mike Baron), Rude desea regresar a la industria por dos motivos: a) porque necesita pagar la renta y b) porque ve que el nivel de ilustración en el medio ha caído. Yo estoy de acuerdo en ambos casos con Rude, quien ha manifestado su deseo por colaborar con DC en proyectos que tengan que ver con Supergirl, Superman, Big Barda y OMAC. Creo que cualquier editor respetable en la industria gringa estaría dispuesto a aceptar cualquier capricho por parte de Rude.

-UPDATE: El sábado 25 de junio, a las 18:30 horas en Fantástico (Félix Cuevas 835, Planta Alta), IBA A LLEVARSE A CABO LA PRESENTACIÓN DEL número 13 de Comikaze. Número cabalístico y de 3er Aniversario, que podrán encontrar en dos portadas distintas: una de Tony Sandoval y otra de Jesús Antonio Hernández y Renato Guerra. Aún no estoy bien enterado de los contenidos, pero puedo adelantarles que en dicho número podrán leer sobre Tom Strong, una de las magníficas reelaboraciones del mito del superhombre a cargo de Alan Moore; y un texto sobre el maestro Alex Toth, de quien se han cumplido 5 años de su fallecimiento, y ese firmado por quien esto escribe. SIN EMBARGO, POR PROBLEMAS DE IMPRENTA, LO QUE ESE DÍA SE OFRECERÁ SERÁ UN PREVIEW/EDICIÓN, EN LA QUE VENDRÁN 16 PÁGINAS DE CONTENIDO (Si ese día adquieres tu edición especila, con tu ticket podrás recoger posteriormente tu número 13 de Comikaze). ADEMÁS, ESE DÍA SE OFRECERÁ UNA SESIÓN DE AUTOGRAFOS CON LOS HISTORIETISTAS: LUIS FERNANDO, JESÚS ANTONIO HERNÁNDEZ, RAÚL VALDÉS, FRIK Y MARIO GUEVARA.

-Alguno de ustedes ha caído en cuenta de que en este año se cumple ya una década de la primera adaptación cinematográfica a una obra de don Alan Moore... no, pues bueno, yo sí me he acordado y en el sitio de la Revista Cinefagia pueden checar un texto al respecto.

- Algunos de ustedes supongo recordarán (y algunos tal vez hasta fueron a) la muestra Gabinete -Gráfico Jodorowsky, que entre septiembre y noviembre de 2010 se presentó en el Museo de Arte Carrillo Gil. Se trató de un interesante mapa creativo de Jodorowsky, a partir de peculiares y no tan conocidos elementos gráficos de su obra: historietas y cine. Ahí pudieron verse una buena cantidad de sus historietas, arte original tanto de Jodorowsky como de otras artistas para su obra y, en general, una reunión de parafernalia pánica que no se había visto reunido ni exhibido en México. Corrí con la suerte de colaborar con material para esta muestra, además de ser parte de una mesa que sobre este artista se ofreció en octubre dentro del marco de esta exposición de objetos. Hace unas semanas me encontré en Youtube con la grabación de dicha mesa, y en el acto onanista de este post les dejó los links por si no asistieron a ésta, y desean checarlas. Aquí está la 1a parte, la 2a parte, la 3a parte, la 4a parte, la 5a parte, y la 6a parte. Gracias a SinArteNoHayVida por subirlo.

El fin de los tiempos: Comic Con México, DC Reboot y Dios Nuestro Señor

2011-06-10T14:06:00.000-07:00

El fin de semana se llevó a cabo la Comic Con México. Ya desde el nombre se sugería algo muy espectacular y que, prácticamente estábamos seguros, sería imposible presenciar. Efectivamente, la primera edición de la Comic Con México se quedó muy muy corta… aunque arroja cierta esperanza en el futuro de estos eventos en el país.

Veamos, la Comic Con México no fue aquello en lo que se han convertido La Mole y la TNT: centros de reunión de cosplayers y otakus. No tiene nada de malo ser uno de estos (cada quien su perversión); pero lo que sí es malo es que una ‘convención’ de cómic degenere en un carnaval para el sólo disfrute de estas ‘tribus urbanas’, y se olvide olímpicamente de la historieta y sus diversos frentes.

Que no haya nacido convertida en lo mencionado en el párrafo previo, se le agradece a la llamada Comic Con México. Pero no se agradece que se anuncie como algo espectacular, cuando hicieron falta la presencia de editoriales y una mayor cantidad de oferta de cómics e invitados (hubo varios invitados de talento indudable, pero se necesita variedad para refrescar o rescatar esto). Tal vez si la Comic Con México no se hubiese anunciado de manera tan rimbombante, o hubiese tenido otro nombre, no habríamos sentido tanto las faltas.

(Aquí, hay que acotar que, igualmente, si no me equivoco, hay mucho menos tiendas de cómics que las que había hace diez años, cuando aún se hacía la Conque, por ejemplo; por tanto, también se entiende que la oferta de cómics ahora no sea tan grande y variada)

Además, la organización fue mala, y creo que fuera de la atención dedicada a Temuera Morrison (actor neozelandés a quien recordamos como el ojete paterfamilias en la extraordinaria Once Were Warriors, y ahora uno de varios Green Lanterns en el filme a estrenarse) por parte de los organizadores, al resto de invitados se les dejó a la deriva.

Por otro lado (aunque se supo de autores a quienes no les respetaron un espacio prometido, como sucedió con Luis Fernando), se agradece el espacio destinado a los artistas independientes, algo que con la muerte de la Conque se había perdido, y que es necesario y vital en cualquier sociedad con historietistas y, sobre todo, en una tan golpeada como la mexicana.

Una lástima que un autor como Omar Ladronn (ganador de premios Eisner, respetadísimo en la escena gringa y europea, ilustrador del último ciclo del Incal de Jodorowsky) o los artistas de Anima Estudios (encargados de la popular serie de El chavo del 8, y trabajando ya en el próximo filme de Don Gato y en el debut cinematográfico, ni más ni menos, que del Santos y la Tetona Mendoza) hayan pasado casi desapercibidos para un público al que no se le entregó un programa ni vio información alguna dentro del lugar, ignorando los nombres y carreras de los invitados, horarios y temas de conferencias, presentaciones, así como del improvisado salón de conferencias, en uno de los costados de la misma nave donde se llevó a cabo la Comic Con México.

En fin, en lo personal, puedo agradecerle a la Comic Con México que me permitió conocer a Omar Ladronn, que haya podido ver (y ser parte) de la presentación de la antología de Terrora y Taboo, de Cecilia Pego, y respirar algo de mundo nerd. Pero la tarea vemos aún que es muy grande, y seguiremos atentos…

Y esta semana que está por terminar, sin duda, desde las oficinas de DC Comics se generó la mayor cantidad de comentarios dentro del mundillo del cómic, a partir del anuncio de los nuevos títulos que en septiembre comenzarán a ser publicados por parte de dicho sello, y tras la cancelación de todas las series actuales con que se dará a la conclusión del crossover Flashpoint. Y a estas alturas, creo que no me preocupan la mayoría de las series que cancelarán, sino las que las reemplazarán y los cambios dramáticos que implican en el Universo DC.

El simple hecho de saber que serán 52 títulos los que comenzarán desde el número 1, nos habla de una restructuración muy seria. Si vemos que el relanzamiento de Superman muestra a un Hombre de Acero con unas especie de mayas metálicas en lugar de un calzón rojo, podemos comenzar a pensar en una posible renovación. Dentro de esta transformación, se encuentra una línea que se ha dado a conocer como Dark Side, en las que las cosas pintan muy bien y extrañas: Swamp Thing (que será escrito por el creador de American Vampire, Scott Snyder, e ilustrada por Yanick Pacquette, quien finalmente ha recibido reconocimiento con su trabajo en Batman Incorporated); Justice League Dark (esta extraña versión de la JLI –aunque no se trata de némesis, uno no puede evitar pensar en los Dark Avengers- está conformada por John Constantine, Shade, Zatana, Madame Xanadu y Deadmen; y está escrita por el maestro Peter Milligan); Demon Knight (protagonizada por Etrigan y escrita por Paul Cornell, un autor inglés que aún no me captura, pero que le ha ido muy bien); Frankenstein, Agent of S.H.A.D.E. y Animal Man (escritos por Jeff Lemire, autor estrella indy, que ha crecido considerablemente con su trabajo para Vertigo), además del rescate de I, Vampire, una serie que en los años 80 se publicó durante la última etapa del clásico House of Mistery.

Y otros títulos que parece no entran en la línea Dark Side, pero que suenan bien: Stormwatch (escrito por Cornell, donde se reunirán Jack Hawksmoor, Midnightre, Apollo y el Martian Manhunter), OMAC (por Dan Didio y Keith Giffen) y All-Star Western (con Jonah Hex como protagonista, escrito por Jimmy Palmiotti y dibujado por Moritat).

Como preámbulo a esto, están ya las diversas series alternas al Flashpoint, siendo una de ellas Secret Seven, escrita por Milligan y protagonizada por Shade. He de decir que es muy rutinaria y, por tanto, una tristeza tomando en cuenta lo que Milligan y Shade significan para el medio en su etapa de hace varios años en Vertigo. Espero que esto sólo sea el trabajo de transición para acomodar al personaje en el Universo DC, y que lo que venga valga la pena. También seguiremos atentos.

Ya no’más por placer onanista pongo este impresionante retrato de Dios Nuestro Señor, obra de Frank Quitely, y que desde Bleedingcool.com compartieron, aunque la foto fue tomada por C. B. Cebulsky (editor de Marvel) en el Centro Cultural Bernardino, en Argentina, y donde supongo se lleva a cabo algún evento relacionado con la historieta. Hurguen entre la barba de la deidad para encontrar mensajes cifrados.

Terrora y Taboo, de Cecilia Pego

2011-06-01T09:39:00.000-07:00

Hoy día, el respeto por los medios, por su enfoque y por las capacidades de quienes firman en ellos es algo que se ha ido perdiendo. Realmente parece que estamos llegando al punto absoluto de la entropía, y quién sabe qué vaya a suceder en unos años o meses. Pero hubo un día (léase como si lo dijera sin dientes y silbando) en el que se percibía una intensidad en la información, y daba pie para más muestras de energía y originalidad.

De esa forma, durante el cierre de los años 80 y buena parte de los 90, el diario La Jornada permitió la publicación entre sus páginas de un suplemento dominical estrambótico, mágico y genial llamado Histerietas. Éste, abrevando de otros experimentos anteriores del entonces respetable diario unomásuno, cuajó como una tribuna sin precedente en el diarismo donde coincidieron una buena cantidad de historietistas y caricaturistas que celebraron la libertad para divertirse de la mejor manera que su musa particular les permitiera.

Recordamos con mucho cariño, respeto y admiración tiras de autores brillantes, de generaciones distintas, pero coincidentes en necesidades expresivas. Entre esas obras están, en primer lugar, El Santos (de Jis y Trino), siguiendo otras como Mike Goodness y el cabo Chocorrol (de El Fisgón), La vida en el Limbo (de Ahumada), Buba (de José Quintero), las varias series de Luis Fernando, así como Terrora y Taboo, de Cecilia Pego.

Y aunque pareciera que apenas fue el pasado domingo que vimos por última vez el suplemento Histerietas, se le extraña, y mucho. Por eso es que las recopilaciones que se han ido dando poco a poco de las distintas obras que lo conformaron son guardadas prácticamente como tesoros. A éstas, felizmente, ahora podremos sumar una de Terrora y Taboo, selección de esta obra de culto por Cecilia Pego, y publicada por Samsara Editorial.

En el mencionado suplemento de historietas malsanas y felices, sobresalió un humor caustico e inteligente. En el caso de Terrora y Taboo las triquiñuelas del humor negro se armaban en base a la presencia protagónica de la terrorista freelance y amante de sociópatas, Terrora, y su sidekick Taboo, un gato cruzado con piraña de unas patas minúsculas y cuerpo de piñata. Terrora, de figura cercana al espigado perfil de Cesare (Das cabinet des Dr. Caligari) o a la Irma Vip de Les vampires, vivía en el tramafat constante ante sus frustrados intentos por crear el caos en un mundo cada vez más cínico y peligroso.

Se trata de historias autoconclusivas de una o dos páginas; una especie de catálogo de psicopatologías y frustraciones a fin de siglo que, en lo personal, me recuerdan un poco a las Fábulas Pánicas que Alexandro Jodorowsky presentó durante los años 70 en el fenecido diario El Heraldo de México. Si bien, el genio pánico buscaba legar enseñanzas zen en base a historias absurdas y ridículas, en Terrora y Taboo se ridiculizan y confrontan las paranoias del momento histórico a través de la opinión de su autora. Cecilia Pego legaba así un valioso comentario sobre la sociedad a través de una visión de género muy autocrítica.

Aunque los intentos –por ejemplo- de Terrora por volar una estética (y, en lugar de ello, lograr un nuevo corte de cabello) o interactuar eróticamente con un multihomicida multimedia (cuyos rostro, cuerpo y hasta mente, son prestados por otros individuos) resultan infructuosos en una sociedad organizada a partir de las apariencias, la individualidad y el vigor de Terrora resultan en una individualidad heroica y loable en medio de un mundo mediatizado, idiotizado y manipulado.

Terrora y Taboo, la recopilación con lo mejor de estos personajes, obra de Cecilia Pego, en una edición limitada publicada por Samsara Editorial, se presentará este sábado 4 de junio, a las 14:00 horas en el Salón Palenque del World Trade Center (Filadelfia, s/n, col. Nápoles), en el marco de la Comic Con México. La presentación estará a cargo de la autora, el editor Sergio Santiago Madariaga y quien esto escribe.

A continuación les dejó una entrevista con la autora, a propósito de esta recopilación.

Creo que a pesar de la apertura que se ha dado en la historieta, este medio continúa siendo una especie de Club de Toby. Ante esto, en tu caso, ¿qué es lo que lleva a una mujer a realizar historieta?
Para mí fue inevitable hacer historieta. Creo que si no hay más mujeres en el cómic, no ha sido por culpa del machismo dentro de la industria editorial, sino del macho interior que algunas mujeres llevan dentro. Y ese macho interior, que es la autocrítica y la autocensura, es lo que realmente puede limitar a una mujer artista.

¿Qué es lo que te lleva a hacer una historieta como Terrora y Taboo, una que precisamente es muy crítica de los estereotipos femeninos y masculinos?
Mi intención con Terrora era crear un personaje femenino sin límites, adicta a la adrenalina que explorara la locura hasta sus últimas consecuencias. Fue una manera de explorar mi propia oscuridad a través de un personaje de ficción.

¿Fue acaso más complicado publicar en un diario siendo mujer?
Nunca sentí que ser mujer dentro del medio me hiciera las cosas más complicadas o más fáciles. Creo que me he tenido que enfrentar a los mismos retos que mis colegas hombres.

Se sabe que en Histerietas se llegó a censurar alguna historia de El Santos, desconozco si se dieron otros casos. ¿Tú tuviste algún problema de esta índole?
En general no había problemas de censura en Histerietas. Como editor de la sección, Magú promovía la experimentación, tanto ideológica como estética. No había demasiados problemas de censura porque no se tocaban temas políticos en ese suplemento. Sin embargo, cuando yo hacía caricatura política en el Diario de Juárez en los noventas, tenía que aplicar la autocensura antes de que me censuraran. Los cartones tenían que ser crípticos para poder publicarse. En aquella época no había tanta libertad de expresión. Ahora se puede crítica a través de la caricatura, pero siento que ya no tiene ningún efecto sobre la política. El cinismo ha provocado que todos esos cartones sean parte de la egoteca de los políticos, un adorno dentro de sus descaradas campañas de relaciones públicas.

¿Qué pasó con TyT, por qué no seguiste haciéndola tras Histerietas?
Cuando el suplemento de Histerietas desapareció de La Jornada, decidí dejar de hacer historieta y dejar los medios impresos para dedicarme a la pintura. Todo eso provocó que cambiara mi estilo, mis temas y que descubriera a Exilia, mi nuevo personaje...

Mucho de lo que ironizabas en TyT es ahora más evidente que hace 15 años. ¿Si continuaras ahora la historia tendrías que cambiarla en algo?
Terrora continuaría haciendo sus experimentos de terrorismo sicológico, pero ahora estaría mucho mejor equipada. Su principal arma sería su iPhone con sus Apps mortales. Las frustraciones amorosas con sus amantes sociópatas serían mucho más complejas. Pero ahora ya no se sentiría atraída hacia terroristas y asesinos seriales, sino que tendría relaciones románticas virtuales con hackers chinos y piratas somalíes. Tendría una gran actividad en las redes sociales como Twitter y Facebook, pero ahora buscaría tener fans en lugar de víctimas...

¿Cómo ves el estado actual de la historieta mexicana?
Las casas editoriales están comenzando a interesarse en el género. Se han publicado varios libros en el 2011, creado concursos de novela gráfica y se han comenzado a distribuir en librerías no especializadas. Cada autor tiene un estilo gráfico muy particular, pero creo temáticamente todos estamos explorando la fantasía y el mundo interior. Será fascinante ver qué pasa en los próximos años...

¿Eres lectora asidua de cómics en general, qué autores te gustan, o prefieres el cine, la literatura, teatro, etc?
Mis autores favoritos de historieta son Alan Moore y Crepax. Pero prefiero leer novelas: Conrad, Dostoyevsky, Orwell, Lovecraft y Palahniuk, son mis escritores predilectos. Pero sin duda, lo que más consumo es cine: Tarkovski, Bergman, Herzog, Lars von Trier y Kubrick son mi principal fuente de inspiración...

¿Cuándo podremos ver Exilia, tu primera novela gráfica, y de qué va?
Saldrá antes del Apocalípsis del 21 de octubre de 2011. Se publicará primero como ebook y el lanzamiento será desde mi estudio a través de Livestream por internet.
Exilia es una fantasía futurista post-apocalíptica. Son los diarios visuales de una ex novicia sobre sus exóticas expediciones a mundos que habían permanecido invisibles hasta ese momento y en donde debe resolver un misterio, arriesgando perder su cordura.

¿En esta recopilación de Terrora y Taboo aparece todo su material o hacen falta, hubo modificaciones en algunas planchas?
La recopilación contiene lo mejor de Terrora. Algunas historietas están modificadas, pero sólo para ampliarlas, escenas extras que hubiera querido que salieran publicadas en Histerietas de La Jornada pero que por falta de espacio nunca pude incluir. El libro se editó como siempre quise presentar el mundo de Terrora y Taboo.

*Las imágenes fueron tomadas flagrantemente del blog de Cecilia Pego, correspondiendo las dos primeras a Terrora y Taboo, mientras que la última es una imagen de Exilia.

Black Jack Volume 13

2011-05-25T11:34:00.000-07:00

Black Jack Volume 13, por Osamu Tezuka
Publica: Vertical Inc.
17 dólares

Durante los 12 volúmenes de Black Jack que Vertical Inc. había publicado hasta el momento, la tónica de la serie se había mantenido en un nivel prácticamente realista, a pesar de las formidables resoluciones médicas del cirujano fenómeno Black Jack y a pesar de los casos más extraordinarios que hemos podido ver. Fuera de una historia con cierto sesgo fantasmagórico, las más de 3500 páginas publicadas de la serie se habían mantenido apegadas a la lógica kantiana.

Esto se ha terminado en Black Jack Volume 13, con el cual se suman casi 300 páginas nuevas a la saga y entre las cuales se encuentran un par de historias marcados por elementos fantásticos… bueno, al menos mientras no existan pruebas fehacientes que apoyen estos sucesos.

En The Cursed Operation, antes de perecer o quedar malheridos, un grupo de exploradores socaban el último recinto de una momia, aparentemente, encabronada tras haberla sacado de su morada eterna, comenzando así lo que aparenta ser una maldición para todo aquel que se le intente acercar. Ante la incapacidad de un grupo de médicos para atender a quienes lograron sobrevivir –aunque malheridos– a la accidentada caravana, pues accidentes extraños les suceden, BJ atiende al llamado de auxilio médico (previo acuerdo monetario millonario, obviamente) y a pesar de que no son pocos los intentos de accidente que se le cruzan. Lo interesante del caso es que, a pesar de que todo pareciera indicar que una maldición milenaria está dispuesta a acechar a todo aquel que se le acerque al momificado cadáver, BJ decide atender a los médicos así como a la misma momia con fractura en pierna y cabeza, pues él no está dispuesto a desatender a un paciente injuriado tenga 50 o 1000 años de edad.

La otra historia es aún más truculenta pues, como el mismo título permite desentrañar (A Challenge of the Third Kind), se trata de un encuentro extraterrestre. BJ es llamado a un templo para atender a un paciente, ahí se encuentra entonces con el caso que tal vez le ha causado más inseguridad, pues se trata de una paciente alienígena que fue herida en la nave que piloteaba, atacada por un avión de combate terrestre. BJ no está dispuesto a aceptar este reto, pues dice que no le gusta involucrarse en trabajaos que no puede resolver; sin embargo, el marido de la hembra de otro planeta le suplica y acepta pagar una suma millonaria. El cirujano, entonces, se enfrenta a un mundo nuevo al inmiscuirse en las entrañas de organismo nuevos de sistemas y vísceras.

Si tomamos en cuenta que Tezuka realizó Black Jack entre 1973 y 1983, las historias de este volumen y las que restan ya comenzarán a formar parte de los años 80, creo que una época en la que Tezuka estaba dejando un poco atrás la mirada hipercombativa para con el sistema artístico y cultural japonés, aunque sin dejarlo del todo de lado. Tal vez por eso se dio la libertad de agregarle esos elementos de fantasía a una saga que durante años mantuvo como un vivo reflejo muy crítico del estado de las cosas. Por supuesto, tan sólo se trata de una pequeña libertad dada, pues lo combativo y crítico no lo perdió: En Move, Solomon!, Tezuka nos presenta la historia de un creador de Anime, en combate con la compañía productora para la que trabaja pues él trata de hacer un trabajo detallado y de calidad, cuando la empresa tan sólo quiere animación limitada (cuyo movimientos es más lento y esquemático, ante la utilización de menos cuadros); el esfuerzo del joven animador, es vivo reflejo de las batallas que en diversos momentos protagonizó el mangaka con las productoras.

Y así, el resto de las 14 historias que conforman este volumen se tratan –como siempre en la obra de Tezuka– de sucesos inolvidables, como bien puede constatarse en la sensible historia de amor incondicional en The Pirate’s Arm, o en Teratoid Cystom, Part 2, un regreso de BJ al fenómeno médico que permitió la creación de Pinoko, su sidekick, aunque en esta ocasión el ser no desarrollado no tendrá tan buena suerte.

Miedo, asco, amor, vida y muerte en Black Jack Volume 13, publicado por Vertical, Inc.

El fin de los tiempos: Carlos Trillo, Hielo negro, Mortadelo y Filemón, Tin Tin y Swamp Thing en DCU

2011-05-17T14:17:00.000-07:00

Carlos Trillo, versátil y talentoso guionista argentino, falleció el 8 de mayo a los 68 años de edad, mientras vacacionaba en Londres. Creador de historias que iban desde la crónica diaria de un reportero (El Loco Chávez, con Horacio Altuna) hasta el relato de ciencia ficción (Cibersix, con el también finado Carlos Meglia; o Borderline, con Eduardo Risso), Trillo fue un constructor de realidades que realizaba tan condenadamente bien su labor, que lo hacía parecer como algo sencillo. Sus historias eran fluidas y rara vez se detenían en cosas innecesarias: presentaban las transiciones necesarias e iban al grano. Con el gran Jordi Bernet trabajó en su historieta erótica style:italic;">Clara de Noche; y para el maestro Alberto Breccia escribió Un tal Daneri. Su obra fue publicada en una gran cantidad de países. En México algunas historias de él pudieron leerse en Gallito Cómics; y en Estados Unidos en años recientes pudo leerse tanto Borderline como Chicanos (IDW), ilustradas por Eduardo Risso.

Bef (Bernardo Fernández) ganó el Premio de Novela Grijalbo (brindado a autores mexicanos o residentes en México) con su obra Hielo Negro, una historia centrada en los cárteles de la droga y con elementos de ciencia ficción. Sin duda se trata de un premio importante; y el hecho de que éste caiga en manos de un historietista es un aliciente y reconocimiento para el mismo medio. Enhorabuena por Bef.

En España, Signo Editores, ha preparado una colección de lujazo del clásico de la historieta humorística de habla hispana: Mortadela y Filemón, la colección que consta de 10 tomos reúne en orden cronológico todas las primeras aventuras de estos personajes, creados por Francisco Ibáñez en 1959, y que se trata de breves historias, además de una recopilación de los 50 mejores álbumes de los personajes. Además de todo este material, los tomos presentarán textos y ensayos sobre el autor y su obra, anotaciones a cada historia, así como selecciones de portadas e ilustraciones de Ibáñez con estos ridículos agentes de la T.I.A. para diversas publicaciones. Esto, sin duda, es de no creerse, y habría que hacerse de esta colección a como diera lugar, pero seguramente al cambio en pesos será una millonada.

Ya han sido revelados un par de posters de lo que promete ser un gran acontecimiento: la primera entrega de una aparente trilogía fílmica basada en Tin Tin, el clásico de Hergé, producida y realizada por Steven Spielberg y Peter Jackson… creo que tendré que comprarme desde ahora una bolsita para la baba. Este es uno de los posters, e igualmente ya anda orbitando un primer trailer.

Hace un par de semanas, Swamp Thing, reapareció en el Universo DC, en medio de un aburrido conflicto como parte del crossover Brightest Day, en su número 24. La profundidad que durante años se le respetó a este personaje y sus desencantos existenciales bajo las líneas del subsello Vertigo parece que se echarán a la basura si tomamos como ejemplo el mentado cómic en el que ST pelea, pelea y pelea durante páginas y páginas, y ahora está involucrado con todo el desmadre que se traen de los Green Lanterns , y reviviendo de nueva cuenta la osamenta de Alec Holland para que forme parte nuevamente de Swamp Thing (o sea, todo el desmadre que armó hace 30 años Alan Moore para hacer de esta criatura un ser sin alma ha valido madres). Y lo peor es que en este conflicto se ha metido al mismísimo John Constantine, pues yo creo que nomás para jorobarla existencia de los lectores de estos personajes. Y, aparentemente, todo el conflicto tendrá que ver con una supuesta oscuridad (The Dark), que suena a la misma que la cosa del pantano, Constantine y los demás personajes oscuros conocidos como la Trenchcoate Brigade combatieron a mediados de los años 80, de la mano de Moore y compañía… Pero hay un Satanás que todo lo ve y sabe.

Lychee Light Club, de Usamaru Furuya

2011-05-03T09:33:00.000-07:00

Lyche Light Club
Por Usamaru Furuya
Vertical Inc.
17 dólares

Boom boom boom boom suena dentro de viñetas grises cuya forma la dictan escenarios fabriles decadentes; vestimenta nocturna de una metrópoli equis japonesa que más allá de sus fumarolas y sus cochambrosos muros guardan las secretas e inesperadas actividades de un grupo de adolescentes que parecen vivir en base a un lógica torcida.

Se trata del Lychee Light Club, un grupo de estudiantes que por las noches se entregan a la pasión febril de crear un autómata cuya energía será dada por la ingesta de lichis, y entre quienes parece permear una tensión homoerótica (cómo me cae gorda esta palabra) que combinada con una especie de principios del Nacional Socialismo entre los involucrados, creará una sobresaliente tensión dramática.

Esta historia se encuentra dentro de un manga/novela gráfica que lleva por título el mismo Lychee Light Club, construido por el mangaka Usamaru Furuya y recién publicado por Vertical Inc. Furuya, un tanto conocido en Occidente por la publicación (de parte de Viz) del manga Short Cuts pero, sobre todo, por una serie de gags grotescos recopilados en la antología Secret Comics Japan, en el último decenio se ha convertido en una figura de culto en la escena del manga digamos un tanto alternativo.

Graduado en pintura en la Universidad Tama de Arte, en Tokio, Furuya explotó igualmente su interés en la escultura y la danza Butoh; sin embargo y precisamente, tras asistir al montaje teatral del Lychee Light Club, por la compañía Tokyo Grand Guignol, supo que algún día tenía que hacer algo con dicha obra, así como que lo suyo era el drama.

Dicha obra, llena de una intensidad sexual enrarecida, uniformes escolares que recuerdan a la Gestapo, una juventud concentrada en hacer lo que su peculiar deseo y obsesiones les requería en lugar de lo que las instituciones dictan y, en general, un estado de las cosas en aparente balance durante el día y en completa anarquía durante la noche formuló desde entonces la fuerza creativa de este autor.

Al ver Lychee Light Club, la resonancia de detalles e imágenes a la obra de Suehiro Maruo es inmediata; ya después uno se entera que el propio Maruo fue miembro y diseñador de la Tokyo Grand Guignol, y entonces todo encuentra un balance aún mayor.

Maruo, arquitecto de un universo sadomasoquista en manga, cuyos códigos son la posguerra y el cine anómalo (freaks, vampiros, asesinos, violadores, etece), se ha convertido en un autor de trascendencia gráfica y discursiva y cuya obra –a pesar de su crudeza, violencia y misoginia– brinca claramente como referencia e influencia en el discurso de no pocos mangakas.

Y tal es el caso de Lychee Light Club, una obra que de manera contundente logra concretar sus propias reglas: un grupo de 8 inadaptados adolescentes, al frente del cual se encuentra el aparentemente insensible Zera, se empeña en lograr la juventud eterna. Para ello recurren a la ingesta de lichis como supuesto fuente de la eterna juventud, y tomando al emperador romano Elagabal como guía espiritual, quien murió a los 18 años e, inclusive comenta el mismo Zera, intentó cambiar de sexo para permanecer bello y joven. Para estos fines, igualmente crean un monstruoso autómata con el cual esperan exterminar a los adultos para reinar así sobre una tierra en la que esperan la juventud sea el único camino.

En esa búsqueda se dan traiciones y mentiras entre los 8 integrantes, así como la carnicería de no pocas víctimas e, inclusive, el encuentro con una cautiva que desarrolla el Síndrome de Estocolmo y quien está plenamente segura de que vivirá feliz con el monstruoso autómata alimentado de lichis.

Lyche Light Club, efectivamente, carece de una lógica como tal, porque cuenta con sus propias reglas construidas en base al absurdo y a los mismos elementos del Gran Guiñol. El resultado es una obra extraña e intensa, en la que el detalle de la línea clara de temas retorcidos instaurada por Maruo puebla contrastes de luces y sombras importadas del expresionismo, y reflejando así de forma extraordinaria las telarañas que cruzan las mentes de los protagonistas y concretando, entonces, una novela gráfica que a nada parece semejarse.

Con estos temas, no extraña entonces saber que este mangaka se encargó de una adaptación en manga del impresionante filme Suicide Club, del cineasta Sion Sono (y de quien curiosamente actualmente se exhibe su filme Cold Fish, como parte del Foro Internacional de la Cineteca Nacional), una historia que versa sobre juventudes confundidas a partir de los mass medias y que coincide con Lychee Light Club en búsqueda y clímax trágico.

Aquí, pueden ver un extracto de esta obra, primero de otros proyectos que Vertical tiene planeado publicar de Furuya, pues en unos meses presentará No Longer Human, una obra que promete mucho al tratarse de una nueva versión a un manga de Osamu Tezuka.

El fin de los tiempos: Comikaze #12, Cage y Superman y varias más

2011-04-14T15:44:00.000-07:00

-Este sábado 16 de abril, se presentará el número 12 de Comikaze, cuyo tema central y de portada (realizada por el gran Rafael Gallur) es la saga historietística de los payasitos del rockanroll: KISS, sin duda, una historia estrambótica y sangrienta, desde la sangre de sus músicos vertida entre la tinta para la publicación de la primera colaboración de estos con Marvel Comics, y hasta la realización de los cómics piratas mexicanos: Chizz y Los Superkisses. Firmado por don Everardo Ferrer, este texto estará acompañado por, entre otros, artículos dedicados a: Barry Windsor-Smith (por Santiago Fernández), Entrevista con Trino (por Eduardo Arredondo), El arte de Simon Bisley (por Jorge Cervantes), ¿Cómic erótico o cómic pornográfico? (por Rodrigo Vidal Tamayo), El Eternauta (por Jorge Tovalín) y Little Nemo, por me mesmo. Curiosamente, el rescate de este texto de la obra maestra de Winsor McCay coincide en este mes, cuando se cumplen 100 años del estreno del cortometraje animado de Little Nemo, realizado por su mismo creador y el cual, básicamente –nada más-, presenta los fundamentos de la animación.

Además de que podrán adquirir este nuevo número y otros anteriores de la revista durante la presentación, también se rifará un ejemplar de la reciente y magnífica edición por RM Ediciones, de El Eternauta, la obra maestra de Héctor G. Oesterhedl y Francisco Solano López, y se contará con la presencia de Rafael Gallur.

La cita es este 16 de abril, a las 17 horas, en Fantástico/Comicastle (Félix Cuevas 853, col. Del Valle).

Deben saber ustedes que, como nosotros, Nicolas Cage es un lector y coleccionista obsesivo de cómics, la diferencia es que él es un tipo multimillonario… bueno, ahora ya no tanto como lo fue hace diez años, y por ese motivo hace unos meses tuvo que vender una de sus mansiones en Los Ángeles que, según la persona de la inmobiliaria que se encargó de venderla, parecía un burdel mezclado con una casa decorada por un adolescente. Ya podemos imaginarnos la cantidad de madres que Cage debe comprar, pues su despilfarro ha sido tal que lo llevó casi a la quiebra (por eso la venta de su colorida mansión).

Pero no todo ha sido despilfarro, no señor; pues en cierto momento de su vida (no sé si aún siga manteniendo esa fama), se le llegó a conocer como uno de los coleccionistas más importantes de cómics de la era Oro y de Plata, entre sus tesoros se encontraba un número 1 de Action Cómics, imagínense. Pues ahora sepan que este ejemplar le fue robado en el año 2000 (cinco después de que lo adquirió), junto a ejemplares del Detective Comics 1 y el Detectives Comics 27, otras cositas un poco raras, nada más.

Pero por sucesos mágicos de Hollywood o arrepentimientos humanos, vaya usté a saber, hace unos cuantos días ese ejemplar con la primera aparición del hombre de acero reapareció entre las cosas guardadas en un locker que adquirió un tipo que se ha dado a conocer como Silvestre. A este hombre, cuya identidad no ha querido que se conozca, se le está investigando por razones obvias.

Por lo pronto, y ahora que la copia del mencionado cómic le sea devuelta al protagonista de Wild at Heart, tal vez si lo desea podría salir de algunos problemas económicas, pues su copia está valuada en millón y medio de dólares.

Muchas breves: Feliz cumpleaños para tres maestros este 14 de abril: Dave Gibbons (62 años), Katsuhiro Otomo (57 años) y Gerhard (52 años) [vía comicsreporter.com] / El probable reboot de The Crow, basada en la obra de James O'Barr, que en apariencia será dirigido por Juan Carlos Fresnadillo (28 Weeks Later…), probablemente será protagonizada por Bradley Cooper, como el Cuervo (obviamente) [en un día como hoy de soleado en Los Ángeles, pero de hace un par años, durante una entrevista no olvidaré cómo el calor hizo que de las botas de este actor saliera el olor de sus patas]: Qué güeva. / Paracuellos, una de las extraordinarias obras del maestro español Carlos Giménez (Guillermo del Toro la tomó como referencia central para el diseño del orfanato y los niños en El Espinazo del Diablo) será llevada al cine por el director Daniel Sánchez Arévalo, según informó el propio historietista en una rueda de prensa en España / La revista inglesa sobre cómics Tripwire, un loable esfuerzo que durante años sostuvo de manera independiente Joel Meadows, regresa en versión digital y de forma gratuita, píquenle aquí.

Reseñas: Peepo Choo 3, Hellraiser y Let Me in: Crossroads

2011-04-08T12:58:00.000-07:00

Peepo Choo Vol. 3
Por Felipe Smith
Edita: Vertical Inc.
13 dólares

¿Qué podemos esperar de una historia con unos personajes a punto de reventar, entre los que se encuentran un otaku-cosplayero afroamericano engañado, un adolescente estadounidense en celo impedido para responder a su deseo pues lo confunden con un amanerado personaje televisivo, una adolescente japonesa que se cae de buena y que no se halla en medio de clichés orientales y un carnicero en serie estadounidense en tierra de Takashi Miike?

Pues sí, creo que restaría entonces el caos total, y algunas dirán que sólo podría caber el balance como alternativa. Para el caso del volumen 3 de Peepo Choo, y cierre de la misma obra, se trata de ambas circunstancias. Tal vez algunos lectores habríamos esperado la imposibilidad absoluta de la felicidad para todos sus actores, y que el caos reinara ante la suma de tanta rabia, confusión y violencia reunidas; pero Felipe Smith, autor de Peepo Choo, decidió darle un poco de redención a su obra con algunos de sus personajes.

Y aunque a ratos pueda parecer un poco moralista el balance de prácticamente todas las fuerzas en esta narrativa, el rebelde mensaje de la obra –me parece– continúa presente en sus páginas, al proponer como una falacia sopesar como un hecho fáctico que Oriente sea solamente una especie de Universo de colores, texturas e ideas estrambóticas; que se considere una confusión lo que en Oriente ven de Occidente como algo cool y renovador; y dentro de todo esto la intensa mofa que se hace del geek occidental, del otaku oriental, de los gangstas, de los yakuzas… en general, Peepo Choo es una visión refrescante de la colisión de dos mundos distintos que, finalmente, son muy parecidos en sus necesidades y características.

Una lectura divertida y en ocasiones incisiva que, sin duda, resulta interesante dentro del panorama del manga, y hasta del cómic en general. (Chequen mis reseñas de los volúmenes 1 y 2 de esta serie).

Y por cierto, 7 Billion Needles, de Nobuaki Tadano, y también publicado por Vertical Inc., cuya reseña pueden checar un par de posts abajo, ha sido considerada para los premios Eisner, en la categoría de Best Adaptation from Another Work.

Hellraiser 1
Por Clive Barker, Christopher Monfette y Fernando Manco
Boom! Studios
4 dólares

Hace prácticamente un par de décadas terminó de publicarse la primera serie de Hellblazer, que bajo el subsello Epic (de Marvel Comics) formó parte de varios interesantes títulos construidos alrededor de las historias de Barker (algunos otros fueron Nightbreed, Pinhead y Weaveworld). No fue la primera vez ni la última en que este artista inglés del horror se inmiscuyó en el medio (antes lo hizo con varias publicaciones del sello Eclipse, y después lo hizo creando una serie estrambóticos superhéroes para Marvel, en su línea Razorline; y recientemente en IDW se han adaptado varias de su obras, así como él mismo se encargó de coescribir una historia en 3D), pero sin duda, el regreso de una serie de Hellraiser es motivo de celebración.

Los cenobitas y su universo, sin duda, fueron una de esas construcciones dramáticas que provocan un antes un después: se trató prácticamente de una reelaboración del horror gore y del horror existencialista, una especie de mezcla entre los postulados de H. P. Lovecraft, David Cronenberg y Tom Savini. Las historias de Barker –con The Hellbound Heart, de donde surge el Universo Hellraiser como avanzada de toda su obra– se convirtieron en una avasallante avalancha de conceptos e ideas que trastocaron el género de formas tan diversas y absolutas, que hoy prácticamente se toman como naturales, llegando a pasar desapercibidas.

Así, una nueva serie de Hellraiser implica, me parece, tanto una oportunidad para nuevos lectores para identificar una corriente y características ya importantes dentro del género, como una oportunidad para continuar la elaboración de estos conceptos.

La duda ante este tipo de proyectos siempre surge con la espera del equipó creativo, y con su capacidad para reproducir, respetar y contribuir a un canon; si tomamos en cuenta que esta serie inicia con una historia coescrita por el mismo Barker, con Pinhead como protagonista (el cenobita principal) e ilustrada por Leonardo Manco (tal vez el autor contemporáneo más capacitado para capturar con tinta el Infierno y sus encantos) sabemos, entonces, que el camino ha sido reencontrado.

Los de Boom! se han lucido ofreciendo un preludio de energía absoluta de forma gratuita, el cual pueden descargar desde aquí (vía bleedingcool.com), y ya después consíganse el número 1 para seguir con la sangre entre páginas.

Let Me In: Crossroads (miniserie de 4 números)
Por Mark Andreyko y Patrick Reynolds
Dark Horse
4 dólares (por número)

Y hablando de conceptos de otros medios llevados al cómic: un cómic a partir de la perfecta película sueca Låt den rätte komma in (Déjame entrar) no resulta nada atractivo; y menos sí, específicamente, se basa en el remake gringo al original… prácticamente podríamos desear su perdición entre leña verde achicharrada.

Y en un suceso raro, todo resulta lo contrario. Si quieren saber mi opinión sobre la trascendencia del remake gringo a Déjame entrar, los conmino a que vayan a mi blog de cine: Ojos bien abiertos, para una breve explicación. Teniendo ya en cuenta que, a mi juicio, dicho remake tiene su valía, resulta aún más extraordinario que el cómic mencionado -y que funciona como precuela– sea una muy afortunada historia.

A pesar de que prácticamente la construcción de la historia y los personajes que la visten repiten la fórmula de las dos películas y de la novela en que se basan (por si hacía falta otra fuente), Andreyko elabora una historia con mucho sentido, con los detalles justos para producir el misterio y la tensión de una historia que sobresalga más allá de la media, y que afortunadamente es reproducida por un artista (Reynolds) que a partir de grandes manchas de tinta crea un impresionante universo de terror incrustado en el profundo american way of life.

Ahora establecidos en un escenario rural, la pareja compuesta por la aparente indefensa niña y por el aparente indefenso hombre maduro encuentran un centro de operaciones aparentemente perfecto para su cacería humana en el aparente abandono del lugar; no obstante, el interés de una inmobiliaria por dicho lugar chocará con los intereses de la peculiar pareja, creando el conflicto de intereses y apariencias necesario.

Let Me In: Crossroads es un ejemplo muy sobresaliente de lo que debe ser una historia de horror urbano con pleno uso de los mecanismo de la historieta (historia, diálogos, montaje de viñetas, encuadres).

El fin de los tiempos: Historieta mexicana de estreno, Monster Edition Thor y más Batman

2011-03-30T13:19:00.000-07:00

Este mes de marzo ha sucedido algo inaudito: se han sumado en la oferta editorial nacional siete títulos de historieta nacional (recopilaciones, novela gráfica e ilustración): por el lado de Ediciones Resistencia se presentan: Moquito. El secreto del convento mutante, de Juanele; Monociclo, por Adriano; y Visiones y evasiones, por Cecilia Pego. Por el lado de Editorial Jus: El Maizo, de Augusto Mora; y Mundo invisible, de Patricio Betteo (ambas obras son la consumación del 1er Premio Nacional de Novela Gráfica, de dicha editorial). Y por el lado de Editorial Caligrama: Nocturno, de Tony Sandoval; Ruptura, de R. G. Llarena y Axel Medellín.

Todos estos título se presentaron durante la pasada Feria Internacional del Libro en el Palacio de Minería, y dentro del marco de la 2ª Jornada de Cómic, que desde el año pasado organiza Bef. De entrada, he de comentar que hasta el momento no he adquirido alguno de estos trabajos (espero adquirirlos durante los siguientes meses), por tanto no tengo ninguna opinión al respecto. Lo siento. Pero que existan me alegra, pues se trata de esfuerzos a contracorriente y que demuestran que hay empeño y preocupación por editores y autores de historieta en México. Que se esforzaran por tenerlos a tiempo para presentarlos o lanzarlos en el marco de dicho evento habla ya, me parece, de lo que puede comenzar a considerarse como el surgimiento de una industria de historieta de autor. Hay que seguirle dando, tanto autores como lectores.

No sé ustedes qué opinen, pero me parece maravilloso que el próximo 12 de abril Marvel México publique un Monster Edition que reunirá la serie Journey Into Mistery, del número 83 al 100. Es decir, las primeras historias de Thor, escritas por Stan Lee y dibujadas por Jack Kirby, allá en los cada vez más lejanos años 60 del pasado siglo.

Con esta compilación no sólo se está recuperando una memoria Pop para el lector mexicano de historietas, sino que igualmente parece demostrarse que estos lectores finalmente han comenzado a responder un poco más. Pues fácilmente podría creerse que es igual de seguro publicar una historia de superhéroes de hace unos meses que una de medio siglo atrás; pero lo cierto es que muchos lectores no responden a las historias de hace más de dos décadas y más, por lo que no es tan fácil (no es bueno económicamente hablando) hacer un compilatorio de esta índole.

Con este volumen hablamos de una narrativa muy distinta a la de hoy día: la cantidad de diálogos era mayor a la que vemos hoy día en los cómics, e igualmente la cantidad de viñetas era mucho mayor frente a lo que hoy logra la sofisticación de la elipsis en la plancha. En resumen, el lector no iniciado en estas lecturas antropológicas puede llegar a fastidiarse fácilmente, pero si logra resolver ese vericueto mental que le impide dar el siguiente paso, se transformará en un encantado degustador de antigüedades que valen oro.

Hablar de Lee y Kirby es hablar de piezas fundamentales y de la evolución misma de una construcción, a la vez; dinamismo, energía y potencia conjugadas al servicio de la inteligencia creativa. Este tomo es obligado en el librero de las ediciones mexicanas de cómics. Enhorabuena por Marvel México, y ya esperamos más ediciones como ésta.

Creo que todavía ni comienzan a filmar siquiera Dark Knight Rises, la cuarta entrega de la saga de Batman por Christopher Nolan y compañía, y la Warner Brothers ya se está preocupando por comenzar a armar el reboot con un nuevo equipo. En esos estudios ya están bien preocupados porque Nolan les dijo que llegara hasta la tercera de Batman y les dirá adiós, por lo que estos ya pusieron el grito en el cielo y ya están viendo a qué árbol se arriman. Digo, si Marvel no respetó ni al mismísimo Sam Raimi, ya no resulta extraño que les valga madre Nolan. Que asco pueden llegar a ser las competencias.

Reseñas: 7 Billion Needles y Xombi

2011-03-22T16:41:00.000-07:00

7 Billion Needles Volume 1 y 2, por Nobuaki Tadano
Vertical Inc.
11 dólares

7 Billion Needles es uno de los recientes lanzamientos de Vertical, un proyecto interesante realizado por el mangaka Nobuaki Tadano, e inspirado en Needle, una novela de ciencia ficción escrita por Hal Clement, poco conocida, aunque relevante por tratarse de la primera en este género en presentar una forma de vida alienígena capaz de apoderarse del cuerpo de otra especie, como el ser humano. Si leemos esto, tal vez no nos resulte tan novedoso; no obstante, si tomamos en cuenta que tal novela fue escrita en 1950, la cosa cambia (de hecho, el diseño de la cubierta para 7 Billion Needles rememora de cierta forma los diseños básicos de la novel de CF de hace más de medio siglo).

7 Billion Needles, por su parte, se desarrolla en la época actual y es protagonizada por Hikaru Takabe, una estudiante adolescente, sumida en el mundo electrosonoro que le brinda su iPod. Hikaru es uno de esos autómatas de carne y hueso que prácticamente no se comunican con nadie por encontrarse concentrados en mundos sensoriales. Una noche, mientras se moja los pies a la orilla del mar –con sus audífonos puestos, por supuesto– lo que parece ser un meteorito se estrella con ella, y vemos un esqueleto descarnándose como resultado. No obstante, al día siguiente Hikaru va a la escuela, y comienza a escuchar una voz que le asegura tratarse de un ente de otro planeta que, aposentándose dentro de su cuerpo, espera poder salvar al mundo de una amenaza alienígena que, como él, se ha apoderado de otro cuerpo y que necesita del apoyo de Hikaru para contrarrestarla. Desde luego que la adolescente no cree nada de esto, pero cuando comienza a ver el extraño e increíble comportamiento de su cuerpo ante sucesos tajantes, entiende que debe comenzar a ayudar a su amigo del espacio, aunque no sin cierto recelo.

Creo que este manga no va a decirle nada nuevo al lector curtido de este medio; sin embargo, se trata de una obra muy bien balanceada, con momentos de violencia y grotesquedad que desestabilizan (en buena forma) del resto de la lectura y recordándonos, entonces, la intensidad de lo que está en juego dentro de la historia.

Xombi #1, por John Rozum y Frazer Irving
DC Comics
3 dólares

DC Comics relanza esta serie que se publicó por primera vez hace cerca de 20 años, en el fenecido subsello Milestone. En aquella época un subsello cuya oferta y temas estaban creados y protagonizados por afroamericanos me dio güeva por considerarlo demasiado sectario; poco a poco se fue ‘democratizando’ un poco más el rollo, pues se fueron presentando tanto personajes como creadores que pertenecían a otras ‘minorías’ como la latina (me parece que ahí Humberto Ramos realizó una de sus primeras colaboraciones para el mercado gringo) o la oriental. Ya dejando a un lado la güeva y, sobre todo, tomando en cuenta la recomendación del mismísimo Alan Moore en un anuncio, me aventuré a leer Xombi, y me encontré con un viaje inesperado.

El Xombi del título es un científico coreano-americano que, tras ser asesinado por un malandrín, es reconstruido nuevamente por un virus de su propia creación que permite la regeneración del tejido humano a partir de nanotecnología. El caso es que, además de esta elaborada propuesta superpoderosa por parte de Rozum, dicho cómic se construyó en base a una estrambótica combinación de personajes y situaciones que, sin duda, hicieron pensar en la Doom Patrol de Grant Morrison o en varias de las psicodélicas manchas de aceite en cómic de Peter Milligan.

Ahora, David Kim alias Xombi, regresa ya como parte del Universo DC y con un primer número que nos ha dejado salivando, pues lo extraño, surrealista y novedoso de la serie original (dibujada por Denis Cowan) es reforzado por las espectaculares ilustraciones de Irving.

Un primer número en el que los detalles de una pintura se han unido a los de otra en un museo, el Conde Orlok se ha perdido de una copia proyectada de Nosferatu dejando una estela de sangre entre el butaquerío, un puñado de monedas hablan para advertir del futuro, y vemos la aparición de Nun of the Above, Nun of the Down, Nun of your Business (¡Juar!) y Catholic Girl (ecos de Frank Zappa), sin duda, no puede ser mejor.

Tenía un buen rato desde que no me leía un primer número tan bueno.

Códice AQ

2011-03-14T16:23:00.000-07:00

Y pues sucedió que finalmente, tras regaños de Paola y Jorge Flores-Oliver, me digné a presentarme ante la obra del maestro Abel Quezada. Por si ustedes no lo saben, desde el pasado diciembre se exhibe la muestra Códice AQ Abel Quezada, organizada por la Asociación Civil Abel Quezada y la Secretaria de Cultura del DF, en el Museo de la Ciudad de México (Pino Suárez 30, Centro Histórico). Compuesta por más de 350 piezas, entre cartones originales, bocetos, pinturas, cuadros, acuarelas, en esta magna muestra también se presenta, inclusive, el mural Petróleos Mexicanos, Una historia en dos Murales, que desde 1990 se exhibía en la Torre Ejecutiva de PEMEX, y que por primera vez se presenta al público.

Por alguna razón que aún no alcanzo a comprender bien, tras su muerte (en 1991), a Quezada ya no se le nombra mucho y las generaciones jóvenes de lectores de caricatura e historieta parecen no conocerlo. Esto, por supuesto, es una lástima, pues Quezada no sólo fue un dotado crítico de nuestra nación con un humor bendito; sino igualmente un narrador sobresaliente (además de que Quezada fue historietista, su caricatura se componía de un avanzado discurso que en muchas ocasiones implicaba más de una viñeta y una transición del mensaje) y un ilustrador muy efectivo y espectacular (con una economía envidiable en la línea, el trazo de Quezada podía ser tanto mínimo como muy detallado, y siempre para beneplácito del ojo que disfrutaba con lo propuesto por el artista). La muestra Códice AQ Abel Quezada da muestra clara y profunda de esto.

Una buena cantidad de originales se presentan, y esto siempre es motivo de festejo, porque podemos ver en directo el arte de un artista y porque en contadas ocasiones al marginado lector mexicano de historietas se le ofrece la oportunidad de enfrentarse a esto. Además, esto se apoya con bocetos y cartas que muestran el proceso creativo de Quezada (la secuencia de hechos a través de originales, cartones impresos y cartas de los lectores a Quezada para que a través de sus cartones solicitara que lloviera en tierras de cultivo, es sorprendente). Los pinturas presentadas resultan interesantes, aunque desde luego que no tienen la fuerza y trascendencia de su obra a tinta china.

Pocas veces, muy pocas veces ha podido verse en México una exposición con tan buena oferta de caricatura e historieta. Espero que en lo que resta de Marzo vayan quienes tengan que ir y hasta lo que no sepan nada de Quezada. Es necesario conocer la obra de Quezada.

El fin de los tiempos: Cómics, libros y cartas

2011-03-02T15:03:00.001-08:00

-El fin de semana próximo se realizarán las II Jornadas de Cómic en el Palacio de Minería, organizadas por Bef, y como parte de la Feria del Libro en este recinto. Las diversas mesas y presentaciones que se llevarán a cabo, tanto el sábado como el domingo, de 11 de la mañana a 21 horas, en esta ocasión se centrarán en la discusión de la Novela Gráfica. Algunos de los ponentes serán Edgar Clément, Tony Sandoval, Ricardo Peláez, Cecilia Pego, y el propio Bef, entre otros.
Sin duda, se trata de un suceso importante para el medio que continúen por segundo año consecutivo estas Jornadas e, igualmente, que un evento con tanta arraigo y convocatoria como la Feria del Libro del Palacio de Minería lo arrope. Enhorabuena.
Para checar el programa a detalle, vayan al blog de Bef.

-Y bueno, el mismo sábado 5, a las 11 horas, en el mismo Palacio de Minería tendrán que decidir si ir a la plática inaugural de las Jornadas de Cómics, o asistir a la presentación del libro Gabriel Vargas, cronista gráfico, de Maira Benítez, y que se trata de una investigación muy buena acerca del maestro creador de La familia Burrón, además de tratarse de un libro profusamente ilustrado y de muy buena calidad.

-Pues, la verdad, no sé si este espacio haya tenido que ver, pero en los últimos meses las copias que han sido importadas por Comicastle, tanto de Hellblazer como de Scalped, para sus diversas tiendas se han agotado. Desde que existe Iconoctlán no he perdido oportunidad para resaltar la calidad de las aventuras de John Constantine y el gran nivel del cómic creado por Jason Aaron (y a pesar de su reciente demostración de ego inflado), invitando a los lectores a que constaten por sí mismos la trascendencia de estos títulos. Y pues bueno, el caso es que aparentemente los lectores finalmente han surgido (obviamente, no se trata de títulos de los cuales traigan las docenas de copias como sucede con The Amazing Spider Man), pues ya sean 15 o 10 las copias que traigan, todas se han acabado. Eso es bueno, porque demuestra que una mayor cantidad de lectores ya comienzan a interesarse por otra clase y propuestas de lectura historietística permitiendo, entonces, que se vaya dando un proceso para que la oferta de importación de cómics sea más amplia. Pero eso es malo (para mí), porque ya van dos meses que me quedo sin Hellblazer, ni modo.

-En los últimos meses se han dado algunos cambios en los cómics publicados por DC, entre ellos que ya prácticamente todos sus cómics cuestan 3 dólares (los de Marvel dijeron que harían algo parecido, pero hasta ahora muchos de sus títulos continúan costando 4 dólares), además de que parece que en todos sus títulos han comenzado ya a abrir secciones de cartas. Eso es muy bueno, y supongo que habrá muchos lectores que externarán sus comentarios a través de dicha vía. En mi caso, sin embargo, tras años de añorar dichos espacios, el interés (en términos generales) por los títulos de DC Comics no me impulsa a escribirle a título alguno. Así que para mí tal vez sea demasiado tarde.

El Eternauta

2011-02-21T14:39:00.000-08:00

La editorial RM de manera sorpresiva ha editado en México el clásico de la historieta El Eternauta, obra de los argentinos Héctor Germán Oesterheld y Francisco Solano López. La edición es realmente buena y puede encontrarse ya en librerías. El siguiente texto lo escribí para el suplemento El Ángel, del diario Reforma, donde se publicó en octubre de 2007, para conmemorar el medio siglo de esta valiosa historia.

Hace nueve años en la colección “La Biblioteca Argentina, serie Clásicos”, este proyecto del diario Clarín llegó a su fin con la publicación de El Eternauta, historieta escrita por Germán Héctor Oesterheld y dibujada por Francisco Solano López. Sin duda, menudo honor para una historieta en medio de clásicos de la literatura de aquel país.

En el prólogo que acompaña dicha edición, el periodista y escritor Juan Sasturain, junto a El Eternauta menciona a Martín Fierro como un par de ejemplos de clásicos que rompen con la rigidez del resto de obras valoradas en dicha colección: no se trata de novelas, tan sólo de narraciones en formatos menos obvios. Y así, Sasturain descarga sin pena al respecto de éstas dos: “Si algo jamás tuvieron de clásicos, fue la pretensión”.

En ese sentido, se sabe que Oesterheld al momento de idear El Eternauta sólo buscaba crear una historia más, dentro de su oficio de guionista de historietas, aunque instalada en la ciencia ficción y buscando renovar y acoplar el género al tiempo y al espacio.

Para 1957, el gobierno de Juan Perón había caído ya bajo el golpe militar, la inestabilidad política se instalaba de forma tan cotidiana, como lo hacían en todo el mundo –incluyendo Latinoamérica, por supuesto- la ciencia ficción hollywoodense (que hablaba de la Guerra Fría, la ‘amenaza comunista’ y la Era Atómica encarnadas en metáforas que tomaban la forma de amenazas de látex y gore en blanco y negro) y la de Superman y Batman desde la tribuna de los cómics.

Oesterheld escribía todos los guiones de las varias historietas que se serializaban en Frontera, su esfuerzo editorial; en México, José Guadalupe Cruz hacía lo propio guionizando una docena de historietas para sus Ediciones J. G. Cruz, aunque ninguna con metáforas tan politizadas como El Eternauta… tal vez la aparente estabilidad y el desarrollo brindado por el gobierno de Adolfo Ruiz Cortines imposibilitó la necesidad de una queja en forma de metáfora fantástica.

Para detener la avanzada imperialista cultural Oesterheld pensó entonces en situar un relato de ciencia ficción en la Argentina del momento, haciendo de los sitios y referencias cotidianas parte importante del mismo relato. Buscaba que el espectáculo importado del mundo anglosajón no fuera la única referencia cultural que el espectador pudiera absorber; se trataba de un esfuerzo por darle referencias al público argentino.

Así, el 4 de septiembre de 1957, y durante las siguientes 116 semanas, Oesterheld y Solano López en el recién inaugurado Suplemento Semanal Hora Cero, iniciaban la crónica de El Eternauta, un relato apocalíptico de vocación visionaria.

La historia inicia en una de las soledades más grandes, aunque igualmente más prolíficas: la del escritor sentado frente a su mesa de trabajo y su máquina de escribir. Ahí, en un juego de espejos delicioso -y apenas el comienza de una sucesión sorprendente-, la epifanía se materializa frente a él en forma de un hombre. El narrador, por supuesto el mismo escritor, de historietas por cierto, tras la sorpresa y terror de una materialización atina a describir a un ser cansado y angustiado. Como el extraño explica poco después, se trata del Eternauta, mote que según sus propias palabras le obsequió un filósofo del siglo XXI, por su condición “de navegante del tiempo, de viajero de la eternidad. Mi triste y desolada condición de peregrino de los siglos”.

Y a continuación, el escritor, transformado ya en cronista, cuenta la historia transmitida por el Eternauta, iniciada en 1963 (cinco años en el futuro, entonces) cuando todavía era conocido como Juan Salvo, aquélla noche en que una extraña y repentina nevada marcó el primer día de la muerte de la civilización.

La nevada no sólo se sintió como un mal augurio, sino que se trató del primer paso de una civilización extraterrestre para acabar con la humanidad. Los sobrevivientes comprenden entonces que, a pesar de la ley de la jungla que seguramente reina entonces en las calles, la conjunción de esfuerzos es la única posible solución contra el enemigo extranjero. Así, las células de sobrevivientes poco a poco se van adentrando en la desolación resultante y conocen al enemigo... bueno, tan sólo a una de sus partes.

Oesterheld y Solano López entonces realizan una apreciación, en forma de aventura fantacientífica, acerca del hombre común, la familia y sociedad, y sus posibilidades ante el totalitarismo interno y ajeno a Argentina, y de ahí a Latinoamérica y el mundo.

Los ‘cascarudos’ y los ‘gurbos’, monstruosidades alienígenas que funcionan como fuerza de choque, no son más carne de cañón extraterrestre que los propios ‘manos’, aquellos seres cercanos a la forma humana con grandes cabezas y un juego de 14 dedos en cada extremidad y quienes, a pesar de ordenar las acciones de las criaturas mencionadas y las de humanos programados, son igualmente utilizados por los ‘ellos’, las entidades diseñadoras de esta invasión, y que por supuesto nadie conoce.

El cierre circular de El Eternauta, que deja al escritor-narrador del suceso con una tarea bien clara (contarnos la historia que hemos leído ya), aunque con muchas dudas y temores ante la aparente inminencia de la catástrofe futura, parece mostrar tanto el sentir de Oesterheld como, igualmente, revelarle o gradarle una intención que ya venía marcada en su destino; después de todo, en el título completo de la obra parece leerse claramente una revelación: “Una cita con el futuro: El Eternauta, memoria de un navegante del porvenir”.

Durante los años siguientes, aunque todo parece parte de una misma trama, se trata de dos posibilidades distintas, la realidad y la ficción, que finalmente llevan el mismo cauce: Oesterheld simpatiza fuertemente con los movimientos políticos juveniles, se suma a la militancia para construir un Gobierno Popular, y ya iniciados los 70 se une a la organización guerrillera Montoneros. La renovada conciencia social y política del escritor ya se perfilaba desde aquella línea puesta en voz de un ‘mano’ en El Eternauta, como advertencia a los lectores, a la sociedad: “empezar a sentir miedo, es empezar a morir”.

En 1969 realiza junto con Alberto Breccia (auténtico genio que logró momentos sin precedente en la plástica de la historieta) una nueva versión de El Eternauta cuyo expresionismo gráfico subraya el carácter ya abiertamente militante de esta nueva apreciación: ahora, sólo se trata de Latinoamérica contra los extraterrestres, pues los países ricos son quienes los han vendido. Esta versión, por supuesto, es censurada y terminada abruptamente.
La militancia se concentra y la represión crece aterradoramente: Oesterheld es secuestrado, y sus cuatro hijas y dos yernos, como miles más, son asesinados entre 1976 y 1977.

Precisamente en abril de 1978, cuando se considera que fue asesinado en una prisión clandestina, finaliza la publicación de El Eternauta 2, secuela también dibujada por Solano López, y en la que el escritor-cronista de la primera, ya ahora identificado como Héctor, entiende ya su condición como viajero del tiempo, como conciencia inacabable.

Allí, en el éter, entre conciencias, realidades y posibilidades, Juan Salvo y Héctor Oesterheld seguramente continúan observando y cuidando de la libertad desde el camino que hace medio siglo iniciaron.

Un poco de Infierno con Hideshi Hino

2011-02-10T12:25:00.000-08:00

Acceder al imaginario de Hideshi Hino, de entrada, sólo debe hacerlo aquel lector y espectador que, además de las ideas y propuestas comunes y corrientes, busque y guste de apreciaciones peculiares, viscerales y violentas en el arte. Y aún con este background, quien corra con la suerte de tener en sus manos algunos de los mangas de Hino, sin duda, se llevará una gran impresión.

La tónica de la obra de Hino en manga (porque recordemos que también está su colaboración en la ultraviolenta serie de Guinea Pig) resulta una aberración al establishment artístico, pues su obra compone un enigmático estilo, que combina ciertos elementos relacionados con la ilustración para niños con una estética cuasi repulsiva y depurada además de, y sobre todo, abordar una serie de temas verdaderamente rudos y surrealistas. Es decir, no es lo que el pensamiento políticamente correcto espera. Que se trate de una aberración dentro del establishment artístico no lo digo en detrimento de dicha obra, por el contrario, la aplaudo como una de las visiones más auténticas y arriesgadas que nuestros ojos puedan ver en el arte contemporáneo.

Panorama of Hell y Hell Baby, durante años, fueron las dos únicas obras editadas en EU de este autor, un compendio de locura y alienación que pocas veces ha sido visto en la historieta: la historia de un bebe arrojado al basurero por sus padres y que cobra venganza, sí como el relato del artista con auténticas visiones del Infierno, no tienen par. Sin embargo, a mediados de la década pasada el sello DH Publications comenzó Hino Horror, biblioteca del autor en la que se esperaban publicar 100 mangas.

La realidad no pasó de 14 tomos, pero en ellos pudimos constatar el impresionante Infierno que corre a través de las venas de este mangaka. Por mencionar tan sólo tres de los títulos publicados dentro de dicha colección: Red Snake, Bug Boy y The Living Corpse. El primero es una historia de maldición familiar, en la que todos los integrantes de una familia parecen esperar la llegada de la locura: ésta se presenta en la forma de una serpiente roja que, en realidad, no es más que el elemento clave de un juego de espejos. La segunda es una de las varias de niños peculiares que le encantan a Hino: Sampei sólo encuentra refugio en el santuario que ha construido en un basurero, donde hospeda a todas sus mascotas. Su relación con éstas y con los humanos cambia drásticamente cuando es mordido por un gusano que ha surgido de su propio vómito (sí, así es), y una extraña transformación comienza a suceder. Y el tercero es el doloroso y horroroso errar de un cadáver viviente que no sabe de su condición; en un paralelismo a El extraño, de H. P. Lovecraft, Hino habla prácticamente en primera persona del dolor de este cadáver, relato que construyó cuando él mismo padecía una enfermedad dolorosa.

Tras el malogrado esfuerzo de DH Publications, Dark Horse lanzó Lullabies from Hell, un volumen con cuatro historias dementes de Hino, en donde puede leerse Zoroku’s Strange Disease, otra crónica de dolor y pústulas que unos años después formaría parte de la serie de adaptaciones en v-cinema: Hideshi Hino’s Theater of Horror, una saga que, de menos, me parece presenta una gran obra en el terreno de lo super creepy: The Boy from Hell, a su vez una variación a Hell Baby.

Metáforas de alienación y terror absoluto es lo que Hino construye como sólo él sabe hacerlo. Y a continuación les dejo con parte de una entrevista que hice en 2004 por teléfono (por supuesto con ayuda de un traductor) con el mismísimo Hino.

Es común que el autor atormentado, a través de metáforas en su obra, deje salir todos los malos recuerdos y vivencias de la infancia y la adolescencia. Con Hino, sucede de forma distinta; pues a pesar de que efectivamente su trabajo reviste de fantasía las memorias, el discurso del autor es muy crudo y mucho más cercano a su vida de lo que podría creerse.

“Nací en Manchuria , y cuando finalmente comencé a entender las cosas del mundo, mis padres me contaron cómo se creó dicha nación; como se sabe, fue a partir de la invasión japonesa a China. Eso, para mí ha sido una situación difícil pues, por una parte, me cuesta trabajo aceptar que nací ahí, pues me siento culpable de lo que los japoneses hicieron el pueblo chino; y por otro lado, a pesar de todo, no puedo evitar las ganas de visitar esa que es mi tierra natal. Este sentimiento confuso hacia mi lugar de nacimiento me ha causado cierto trauma desde la infancia”.

“Todo esto tiene que ver con problemas de identidad. Comenzando con Manchuria, un país que en la actualidad ya no existe y que ha quedado como una simple ilusión. Cuando mi familia regresó a Japón tras el término de la segunda Guerra Mundial, siendo yo aún un bebé, fue que mi padre comenzó a ir de un lado a otro y sin darme la oportunidad de establecerme y tener amigos”.

“En uno de esos lugares, viví poco más de lo normal, y causó un profundo impacto en mi vida. Se trataba de un lugar lleno de arrozales y campos de cultivo, con un río y todo era como un paraíso. Con la urbanización el lugar cambió su paisaje al de un horizonte fabril, en el que el río se llenó de aguas residuales y miles de alimañas. En algún momento, tal vez, sentí que ese lugar era mi tierra; sin embargo, estaba ya destruida. En mi manga, presento escenas de zonas industriales con fábricas que alzan sus chimeneas. Eso para mí, no representa más que terror, aversión y odio”.

Todo eso, puede decirse, ha funcionado como una especie de musa contaminada; pues las influencias de Hino no pasan de una docena, además de ser muy arquetípicas. Es decir, la obra de este artista es netamente original.

“Me gusta la obra de Ray Bradbury, en especial El hombre ilustrado, que creo definió el camino de mi trabajo. Igualmente me impactó La metamorfosis, de Kafka, y el Frankenstein (James Whale, 1931) de Boris Karloff”.

Aunque los recuerdos son difíciles de olvidar, para Hino parece que el tormento ha pasado. Su obra, aunque cruda y difícil de digerir, ha encontrado un público que al mismo autor ha sorprendido. Y en ese proceso es que este artista, tal vez, está a punto de experimentar aquello que no pudo cuando niño.

“Bueno, hacer mi manga y colaborar en Guinea Pig ha sido muy importante y necesario para mi. Pero así como antes de ser mangaka traté de ser director de cine bajo la influencia de Akira Kurosawa, ahora me gustaría hacer libros infantiles. La experiencia de reflejar mi mundo en Mermaid in a Manhole fue muy grata, y ahora me gustaría hacer eso con ilustraciones infantiles”.

Sin palabras.

2011-02-03T11:46:00.000-08:00

¡Uta! No hay palabras. Ya hace unos meses había comentado de la exposición que la Fundación Cartier le realiza en Francia al maestro Moebius. Obviamente, uno puede imaginarse algo impresionante, pero chequen aquí las fotos para que sientan auténticas ñáñaras del nivel del artista, del nivel de la exposición y de la importancia que a la historieta le brindan en otras partes del mundo. Me he quedado sin palabras.

Ayako, de Osamu Tezuka

2011-01-21T15:11:00.000-08:00

Ayako, de Osamu Tezuka
Vertical, Inc.
27 dólares

Trato de imaginarme, aunque no hace falta porque todos son hechos: durante la primera mitad de los años 70 Osamu Tezuka está en crisis. No se trata de una crisis artística, sino una más o menos existencial ante los cambios sociales y políticos que comienzan a darse posterior a los años 60. Con ello, la producción de manga y anime de Tezuka ya no resulta tan comercial (sigue, por supuesto, sobresaliente y única). A pesar de esto, su disciplina laboral continúa siendo inquebrantable: cinco días a la semana encerrado en su departamento-estudio alejado del mundo externo, tan sólo manteniendo contacto con el asistente que va a recoger sus páginas para llevarlas al estudio mayor, y con su esposa que le lleva la comida (sábados y domingo regresaba a su casa real) en cierto momento del día. Por supuesto, mientras él traza sus mangas, en el taller principal se desarrollan sus otros proyectos de animación y en su cerebro se cocinan otras historias.

Imaginemos, entonces, el cerebro de Tezuka en aquel momento, el cual acostumbrado a trabajar y crear diversas ideas y proyectos a la vez, entra en una dinámica de presión ante el momento histórico y las necesidades que surgen: las neuronas y la electricidad en su músculo cerebral provocan, así, cantidad ingente de historias, y todas marcadas por dudas, coraje, indignación, nostalgia, energía en general que se transforma en una de las etapas más incisivas de Tezuka.

Durante aquella época se dan obras cumbres como Black Jack, Phoenix, MW, Ode to Kirihito, Apollo’s Song y, entre otras, Ayako.

En Iconoctlán se ha cubierto de manera insistente la obra de Tezuka, y esto continúa ahora con Ayako, historia que Tezuka serializó entre 1972 y 1973, en la revista Biggu Komikku, esto es después de Ode to Kirihito y Apollo’s Song, y previo a iniciar Black Jack. Ayako ha sido publicada recientemente por Vertical Inc. en una hermosa edición de pasta dura.

Ayako, de entrada, se perfila como la historia más extensa en la obra de Tezuka (obras como Astroboy, Black Jack e, inclusive, Phoenix, son más extensas, pero se componen de diversas historias), por tanto, podemos imaginarnos una historia mucho más compleja.

Ayako es el nombre del miembro más joven de la familia Tenge, una niña depositaria de lo más puro que pudiera haber en la familia, aunque su origen en realidad sea una aberración. Verán ustedes: en 1949, a su regreso a Japón tras servir a su ejército, Jiro Tenge se encuentra con un país tomado por el ejército estadounidense al mando del general MacArthur, y su recibimiento es el anuncio de que deberá de convertirse en agente al servicio del Gobierno de las Fuerzas de Ocupación. Al llegar con su familia, encuentra que una reforma agrícola ha exigido la repartición de tierras feudales entre los campesinos, esto es un duro golpe a la familia Tenge, que durante décadas ha vivido de explotar grandes hectáreas de tierra. Y esto, tan sólo, como algunos elementos de la descomposición que experimenta la familia Tenge, y como un simple ingrediente de un cuerpo mayor que es toda la nación.

La familia Tenge es depositaria de mentiras y traiciones en medio de un país derrotado y en busca de resurgir. Entre los miembros de la familia se dan todo tipo de actos extremos: asesinatos, violaciones, incestos, robos, maltrato físico, y demás actos bíblicos que parecen llegar a su pináculo con la privación de la libertad de Ayako, quien alrededor de 15 años se la pasa encerrada en un sótano, por no decir que es producto de las relaciones del paterfamalias con la esposa de uno de su hijos...

Los Tenge son la materia que Tezuka utiliza para hablar del difícil trance por el que Japón pasó durante el siglo pasado, y parece que en un esfuerzo por desentrañar el caos que se vivía en los años 70. Para ello, aleja su trazo del estilizado y caricaturizado estilo que durante años explotó. Con Ayako encontramos, tal vez, el ejemplo más naturalista de su dibujo al igual que de su discurso: una tragedia novelesca que en ocasiones parece extenderse o perder el hilo de algunos personajes, pero en realidad es tan sólo la evolución de personajes desolados.

En el contexto de la obra de Tezuka de aquella etapa, tal vez Ayako se trate de la obra más dispareja del maestro; sin embargo, creo que igualmente me ha provocado esa sensación por el mismo errar de sus protagonistas. Ayako, como cualquier obra de Tezuka, es superior a mucha de la narrativa de cualquier medio de su época y de otras.

Aquí pueden leer un extracto de Ayako.

Asterios Polyp, de David Mazzuchelli

2011-01-17T12:35:00.000-08:00

Aunque editada en 2009, la novela gráfica Asterios Polyp pude leerla hasta entrado el 2010. Se me pasó ponerla en mi lista de lo mejor del 2010 por ese mismo desfase, pero ahora intento enmendar tal situación con el rescate de este texto (que escribí para el sitio de La Mosca en la red), e igualmente obtener un poco más de tiempo en lo que logró hacer mi primera reseña del 2011.

David Mazzucchelli es un artista extraño. A mediados de los años 80, junto a Frank Miller, creó una obra fundamental de la historieta estadounidense: Batman: Year One (DC Comics, 1987). Miller brindó una historia real y sublime en la que se nos contaron los primeros meses de Bruce Wayne como Batman, y a la cual Mazzucchelli le dio la réplica con un insospechado acto ya clásico, en el que un trazo que combinaba realismo y expresionismo marcaban pauta.

Batman: Year One no sólo reformuló el tejido dramático y cronológico del Hombre Murciélago, sino que igualmente ofreció una ruptura en la forma de acercarse al superhéroe a fin de siglo (fue parte de un movimiento en el que se involucraban otras obras como Watchmen, Dark Knight Returns y American Flagg!), que terminó por trastocar la forma futura para cronicar los actos heroicos de los nu dioses.

El esfuerzo puesto en esta obra fue la continuación de su colaboración con Miller que inició en Daredevil: Born Again, un acto parecido, sólo que un año antes, en 1986, y para Marvel Comics. El terreno estaba puesto para el estrellato, entonces; aunque se tomó su tiempo, Miller no lo desperdició (ahora, a la par de continuar realizando historieta es, también, un rentable director de cine, con dos filmes a cuestas: Sin City y The Spirit). Pero Mazzucchelli pareció no estar interesado, y prácticamente desapareció de la escena.

Durante casi toda la década de los 80, Mazzucchelli laboró en la escena del cómic de superhéroes en una notable evolución que logró lo mencionado. Sin embargo, durante los 90 prefirió agazaparse en esfuerzos independientes y autorales, como su propia publicación Rubber Blanket, y una adaptación de la novela City of Glass, de Paul Auster, que dio de qué hablar durante unos años en la escena de la literatura; sin embargo, fue algo menor en comparación a lo logrado con Miller.

A pesar del buen momento que había pasado en la escena mainstream, parecía como si Mazzucchelli no sólo estuviera harto de los superhéroes, sino de toda la escena y el medio historietístico.

En realidad, este artista prefirió formar a más de una generación de historietistas directamente, impartiendo lecciones en la Rhode Island School of Design y la School of Visual Arts en Nueva York (de donde ha salido Dash Shaw, una de las firmas más jóvenes e interesantes del cómic independiente estadounidense). Pero a pesar de esa renovación en silencio del mundo del cómic, desde el aula de clases, Mazzucchelli continuó trabajando en las obras sueltas para oscuras antologías y, sobre todo, en una obra que completó en 2009 y que ha presentado, por extraño que suene, como su primera novela gráfica (recordemos que tanto su historia con Batman como con Daredevil fueron creadas para serializarse en cómics mensuales, y posteriormente recopilarse en forma de libro).

Asterios Polyp (Pantheon Books, 2009) lleva por nombre el trabajo, y surge del mismo nombre propio de su protagonista: un arquitecto neoyorkino de ascendencia griega que ha encontrado el éxito a partir de la exposición de sus ideas de diseño, aun cuando estas nunca han sido llevadas al ejercicio en el concreto y las varillas. Asterios es un tipo inteligente y regido, en mayor medida, por su hemisferio izquierdo cerebral, es decir, por su lado apolíneo, siendo calculador y controlador ante todas las circunstancias. El destino de Asterios debio originalmente debió de compartirlo con un gemelo, pero su hermano murió en el parto. Aunque prácticamente controlando su destino desde entonces, Asterios queda marcado por esa ausencia carnal que lo lleva por un rumbo peculiar en la vida, impidiéndole la relación con el otro, sea amante o amigo, y con una visión de la vida en la que sólo caben dos vertientes.

Asterios Polyp es un melodrama desarrollado durante la última etapa adulta de su protagonista, y a golpes de flashback. Pero no se trata de un melodrama ramplón; por el contrario, Mazzucchelli crea sus propias reglas en las que el fin no es ni el suceso trágico ni la redención, sino aparentemente dialogar sobre la vida a partir de una concepción materialista.
Aunque Asterios decide dejar su exitosa carrera tras un incendio, para refugiarse como mecánico automovilista (primer trabajo que se le cruza al abandonar su anterior vida y recuerdos), sus soluciones continúan dándose a partir del conocimiento enfático, pues la lectura de libros especializados en mecánica son la solución que sabe se encuentra en toda biblioteca.

Mazzucchelli arropa su historia de personajes que, aunque opuestos al pensamiento calculador de su protagonista, constituyen argumentos igual de validos y con energía para la discusión y la ponderación. En muchas ocasiones, estos mismos personajes, son extensiones de la tragedia griega clásica, puntualizada por el hermano nonato de Asterios, quien se torna en narrador de la obra completa.

El Mazzucchelli de hoy es uno distinto al del trazo realista y energético de los años 80 en el cómic de superhéroes; ahora, una línea estilizada, muy flexible y de sobresaliente economía en su trazo para lograr gran elocuencia, da cuenta de una transición de intereses, sino mayores, sí distintos a los de entonces, pues su búsqueda formal y narrativa parece estar en línea ahora con todas las inquietudes que surgen en el día a día.

Por otro lado, el uso que hace Mazzucchelli del color es muy rico, pues dota a cada personaje de un tono que se intensifica o disminuye según el momento y el cual, desde luego, va en juego con la personalidad de cada uno. Finalmente, la utilización de tonos pastel dota al discurso de un mensaje que, parece, busca armonizar con la existencia y con sus revelaciones, cualesquiera sean éstas.

Asterios Polyp es una lectura disfrutable en sus distintos momentos, y no extraña que la segunda edición esté ya en preparación, tras agotarse prácticamente los 18 mil ejemplares de la primera edición en inglés. El sello español Sins Entido ha publicado una traducción de esta obra, resta aventurarse a buscar (con ésta y con la original) si alguien la ha importado a México.

El fin de los tiempos: The Incal, Hellraiser, Gene Colan y Aaron/Moore

2011-01-07T11:28:00.000-08:00

Sabemos que el fin de los tiempos ha llegado…

Cuando en tan sólo dos semanas se ha agotado la primera edición de The Incal: Classic Collection, recopilación de la épica saga creada hace 30 años por Alexandro Jodorowsky y Moebius. La renovación del sello Humanoids para Estados Unidos arrancó, casi, con la presentación de esta obra en gran formato en una edición de 750 copias que volaron. Si ustedes, como yo, corrieron con la mala suerte de no comprar una de las contadas copias que llegaron a Fantástico o no adquirieron su copia a tiempo en Amazon, seguramente estarán tronándose los dedos, las manos y las rodillas de coraje ante esta mala decisión de nuestro bolsillo, pues con todo y que el precio de lista fue de 100 dolarucos (1400 al cambio en pesos en la mencionada tienda de cómics) el tiraje se ha agotado. Esta situación, por supuesto, está provocando que las copias que se están subastando en eBay estén terminando en los 150 dólares. Escribiendo a la misma editorial para hacer llegar mi llanto, me han dicho que esperan sacar una segunda edición, ¡pero para el segundo semestre del 2011!

También lo sabemos, aunque en una mejor nota, cuando desde el sello Boom Comics llega la noticia de que para marzo relanzarán de nueva cuenta un cómic construido alrededor de los mitos de Hellraiser, la casi canónica obra creada por Clive Barker. Los lectores con más de 30 años recordarán que hace cerca de dos décadas en el fenecido subsello Epic, de Marvel Comics, se realizaron una buena cantidad de cómics en base a los conceptos de Barker. De ahí surgieron antologías sabrosas de Nightbreed y Hellraiser, en las que desfilaron creadores tan estimables como Bernie Wrightson, John Bolton (con una portada al número 1 de Hellraiser que es ya todo un clásico), Dave McKean, Neil Gaiman, Mark Hempel Tony Harris, Kevin O’Neill, Kyle Baker, etcétera. Fue una gran momento para las antologías de cómic de horror.
En Boom se recopilará todo este material en formato de libro (algo que hizo hace algunos años igualmente el también fenecido sello I Books), como marco para la nueva serie en la que se han prometido la participación de autores de buen nivel, lo cual empiezo a creerme cuando han dicho que el que inicia es el propio Barker, coescribiendo junto a Christopher Monfette. Pues bueno, esta es una gran noticia, pues además se trata del primer guión de Barker para cómics de Hellraiser (hace unos meses realizó lo que, me parece, su primer trabajo directo para cómic, en un título en 3D para IDW), así como la primera continuación del propio Barker a su historia The Hellbound Heart (de donde surge Hellraiser). Algo que cierra un círculo que se antoja perfecto, es que las ilustraciones correrán a cargo de Leonardo Manco, el dibujante argentino que ha hecho algunas de las escenas de horror más recordadas del cómic reciente en títulos como Hellstorm, Werewolf By Midnight y Hellblazer. Manco posee esa sensibilidad de la generación de artistas españoles que hicieron época en los años 70 en los títulos publicados por la Warren. Las expectativas son altas.

E igualmente, entre las docenas de recopilaciones, sólo que ahora en DC, yo me quedo con la que aparentemente saldrá en julio, llamada Tales of the Batman: Gene Colan Volume 1 y que, como su nombre lo indica, se trata de una recopilación de historias dibujadas por el maestro Colan para los títulos Detective Comics y Batman. Durante años he deseado tener estas historias; algunas de ellas las poseo en las ediciones nacionales de los años 80, pero siempre he querido tenerlas en su idioma original. Ojalá, en verdad, recopilen todo lo que Colan realizó para el hombre murciélago, pues este artista (y las historias de Doug Moench) resaltaron notablemente la atmósfera oscura del personaje y su entorno.

Casi siempre, además de brillantes, las respuestas y comentarios que Alan Moore ofrece en sus entrevistas podrán provocar respuestas encontradas y no pocas enemistades, entre lectores y profesionales. Recientemente se ha dado una un poco lamentable, de parte de Jason Aaron, quien en su columna Where the Hell I Am , simplemente dijo “Go fuck yourself, Alan Moore”, tras leer lo que el mago de Northampton aseguró de la escena del cómic estadounidense en una entrevista de hace varios meses. En ésta, en resumen, dijo lo que desde hace años ha repetido: que tanto Marvel como DC se han encargado de vivir en base a los mismos personajes de hace años, y que no cuentan con buenos guionistas, por lo que la posibilidad de que realicen una secuela a Watchmen con otros guionistas le parece una verdadera pena.
El caso es que Aaron tomó totalmente personal la aseveración de Moore, y tras recordar que Moore fue una de las razones fuertes por las que se encuentra escribiendo, además de ser un coleccionista de su obra, a partir de ya le dará la espalda.
En lo personal, creo que Aaron es uno de los guionistas más brillantes de cómic mainstream estadounidense en la actualidad, su Scalped es una de las lecturas que más disfruto mes a mes. Pero su juicio en este caso, me hace dudar un poco de su claridad para entender las cosas (no soy el único, chequen este compilado de opiniones en Bleedingcool) y, sobre todo, me parece que demuestra lo mucho que se le ha subido la fama, además de que las cosas se las toma personales, cuando ni siquiera están hablando de él. Por lo pronto, olvidaré su opinión, y seguiré valorando su obra.

Lo mejor del 2010, según yo

2010-12-28T20:42:00.000-08:00

De nueva cuenta llegó la ociosa, beligerante y onanista tarea de hablar de lo mejor del año, según la opinión personal. Conforme el ser humano se vuelve más insoportable y mezquino (esto es, día a día), esta tarea parece tener menos sentido y salir sobrando más; no obstante, se trata de uno de esos pequeños placeres que, finalmente, nos demuestran que algo de provecho hemos hecho en nuestra vida durante los pasados 12 meses (en este caso, leer y maravillarse con imágenes en muchos casos inolvidables) y, de igual forma, nos recuerda, que hay cosas por las cuales vale la pena aguantar tantos descalabros en la vida.
El 2010 fue un año, una vez más, agraciado por el talento y la sinergia de una buena cantidad de autores y editores de historieta en varias partes del mundo. El listado de las siguientes obras es parte de lo que más disfruté durante el 2010. Creo que hay grandes obras ahí e, inclusive, tal vez alguna obra maestra. A ver qué les parece, queridos compañeros iconoctlanos.

Love and Rockets. New Stories Volume 3 (Fantagraphics, Hernández Brothers)
Con su más reciente anuario, los Hernández continúan entregando personajes admirables, entrañables y vitales, en historias potentes. El episodio de Xaime es una auténtica belleza incomparable. Aquí mi reseña.

Joe the Barbarian (Vertigo/DC Comics, Grant Morrison y Sean Murphy)
Tras mucha fantasía aburrida colgada de la fama de Neil Gaiman en años recientes, creí que Vertigo estaba imposibilitada para entregar un proyecto de nuevo interesante en este tenor. Pero el maestro Morrison y las intensas imágenes de Murphy nos han hecho creer de nuevo totalmente.

The Bulletproof Coffin (Image Comics, David Hine y Shaky Kane)
La metaficción como marco de la nostalgia y la grotesquedad, ¿o viceversa? Más vale que lo lean para disfrutarlo y formar su propia opinión. Aquí mi reseña.

The Muppets Show (Boom Comics, Roger Langridge)
Langridge continuó este año haciéndonos reír de inmejorable forma, aunque ya está por terminar este título...

Scarlet (Icon/Marvel Comics, Brian Michael Bendis y Alex Maleev)
Desde que Marvel lo fichó hace una década, bendis se concentró en escribir grandes historias de superhéroes. Pero esto nos privó de un gran autor para el comic noir y algo oscuro. Con Scarlet, el viejo Bendis ha regresado con la subversión para el nuevo siglo. Aquí mi comentario.

Scalped 35 (Vertigo/DC Comics, Jason Aaron y Danijel Zezelj)
Aaron y Zezelj lograron oro juntos. Sin más.

Neonomicon (Avatar, Alan Moore y Jason Burrows)
En el año del 120 aniversario del natalicio del nigromante de Providence: H. P. L., el maestro Moore está entregando un homenaje y pastiche muy intenso e impactante. Qué más puede pedirse, tras el regreso de Moore al cómic de horror con Lovecraft como musa. Aquí mi comentario.

Mesmo Delivery (Dark Horse, Rafael Grampa)
Esta alucinante historia nos presenta a un artista brasileño del cual esperamos grandes trabajos en los próximos años.

Dark Reign: The List-Wolverine (Marvel Comics, Jason Aaron, Esad Ribic y Tom Palmer)
El dinamismo y fuerza de esta historia nos recuerda lo buenos que pueden ser los cómics de superhéroes.

SHIELD (Marvel Comics, Jonathan Hickman y Dustin Weaver)
El mejor cómic de Vertigo, que no es editado por Vertigo.

Deadpool MAX (Marvel Comics, David Lapham y Kayle Baker) Ya hubo quien me dijo que cómo me atrevo a recomendar un cómic de Deadpool. Sin duda, se trata de un personaje surgido en una de las peores etapas de los X-Men, pero parece que su peculiar personalidad ha atraído la atención de buenos creadores; y sin duda, cualquier cosa que esté escrita por Lapham y dibujada por Baker será notoria, y ésta serie lo demuestra cabalmente.

Black Jack (Vertical, Osamu Tezuka)
Una de las grandes obras de uno de los grandes autores del cómic mundial continúa su edición integra en inglés. Historias inolvidables, personaje ya canónico, talento autoral inconmensurable. El 2011 marcará el año en el que terminen de publicarse los 17 tomos que conforman esta obra monumental. Aquí,
una de las varias reseñas que hice sobre BJ.

Algunas recopilaciones y libros especiales sobresalientes:

The Art of Osamu Tezuka. God of Manga (Abrahams, Helen McCarthy) El libro no es sólo una belleza por su presentación y el contenido, sino que igualmente remata con la inclusión de un DVD con un documental de Tezuka en el que somos testigos de su disciplina y su talento. Exhausto sólo de verlo.

The Art of Jaime Hernandez: The Secrets of Life and Death (Todd Highnite, Abrahams) Otro libro de esta editorial, y otro en el que atestiguamos el genio de uno de los grandes autores del medio: el talento se lleva en la sangre y en las raíces.

Dick Briefer’s Frankenstein (IDW) Con este volumen, el investigador Craig Yoe inicia una serie que está dedicado a lo más extraño del cómic de horror de hace más de medio siglo. El Frankenstein de Briefer es algo raro e inolvidable, y bello por todos los niveles que logra en lo grotesco. Un hermoso volumen.

Algunos eventos que me impactaron en el mundo del cómic durante 2010

2010-12-22T12:07:00.000-08:00

-Caer en cuenta que el gran Kyle Baker era un jovenzuelo (25 años) cuando realizó la maravillosa y madura novela gráfica Why I Hate Saturn (1990).

-Se publicaron 3 números de Neonomicon, cómic de Alan Moore y Jacen Burrows.

-Que, contrario a lo que creí, Alan Moore cumplió cabalmente con la publicación de su ‘fanzine’ Dodgem Logic, y acaba ya de publicarse el número 7, de tan loable esfuerzo.

-Que la revista Comikaze recibiera la beca Edmundo Valadés, del FONCA, en apoyo para su publicación.

-Haberme encontrado con los 28 números de El Spirit, publicados en los 70 por La Prensa, empastados en un tomo hermoso.

-La muerte de Frank Frazetta.

-Hallarme al increíble precio de 29 pesos Another Monster, novela en prosa escrita por el genial Naoki Urasawa, como colofón a su obra maestra Monster.

-Encontrar, una semana después de notificar en Iconoctlán la venta de este libro, que las copias de Another Monster se agotaron en la librería donde me lo merqué.

-Que la editorial JUS convocara al I Premio Nacional de Novela Gráfica, cuyo premio fue para Patricio Betteo y Augusto Mora. Habría sido bueno que el resultado se promoviera igual o más que el anuncio de la convocatoria.

-La reedición de L’Incal, de Jodorowsky y Moebius, con el coloreado original y en un tomo hermoso, por parte de la división estadounidense de Les Humanoids Associes.

-Lograr sacar reediciones de mis libros (a pesar de tratarse de tirajes cortos): La imagen reptante: H. P. Lovecraft y el cómic mundial y Alan Moore y su obra: Realidades construidas (ya sólo falta que lo sigan adquiriendo posibles lectores).

-La muerte de Gabriel Vargas.

-Que se realizarán las exposición Del Paquín al webcomic y Gabinete Gráfico Jodorowsky (ésta última aún abierta hasta el 16 de enero).

-Que la obra y el pensamiento de H. P. Lovecraft sigan vitales a 120 años de su desaparición física.

-Que, aunque fuera casi una década después (y en realidad no se trate de una de las mejores historias que escribió durante su etapa en Hellblazer; y a pesar de poderse leer en internet desde hace varios años), se publicara Shoot, historia que fue censurada por DC Comics en su momento y provocó que Warren Ellis saliera del cómic Hellblazer.

-Qué se publicara en México: La muerte de Elektra, por Frank Miller (dentro del Marvel Omnibus Sagas Volumen 2).

-Que se publicara el libro Gabriel Vargas, cronista gráfico, de Maira Meneses, un gran esfuerzo por realizar un buen homenaje al maestro Vargas.

-Que Neal Adams regresará a Batman tras cuatro décadas, y que lo hiciera con una vitalidad espectacular que le ha permitido mostrar un Batman enérgico, no visto desde hace mucho, el cual inclusive terminó con el traje ensangrentado ante una golpiza que puso.

-Que se realizará la 1er Jornada de Cómics, durante la XXXII Feria del Libro del Palacio de Minería, organizada por Bef. Una jornada intensa y que le dio trascendencia a la historieta. Gracias a Ethneliane por recordármelo.

El fin de los tiempos: Jodorowsky, Urasawa y maratón

2010-12-09T10:12:00.000-08:00

Pues con todo y que no fue un evento muy promovido, la exposición Gabinete Gráfico Jodorowsky en el Museo Carrillo Gil fue un gran éxito; tan es así, que ha tenido que extenderse estancia en el museo de noviembre de 2010 a el 16 de enero de 2011.

Entiendo que el libro de visitas y los comentarios de viva voz exigieron la extensión de esta muestra, por lo que la dirección del museo tuvo a bien dejarla durante mes y medio más. Nuevamente los conmino a darse una vuelta por esta exposición pues, me parece, resulta de mucho interés en varios aspectos.

Alexandro Jodorowsky, sin duda, es uno de los historietistas más importantes de las últimas décadas, esto puede verse a través de la exposición, donde se muestran ejemplares de su obra.

Uno de su trabajos más importantes, y menos conocido es Le Yeux du Chat, el cual se encuentra expuesto en uno de los muros dentro de la expo en su totalidad, y de golpe muestra la ruptura que significó en el medio y el gran nivel tanto de Jodorowsky como del maestro Moebius, quien lo ilustró.

A través de todo el material presente en la muestra, se denota la riqueza artística que Jodorowsky ha ofrecido al mundo a través de la historieta y el cine. Ver todo eso junto resulta inspirador (ver un original de Las Fábulas Pánicas, así como algunos diseños para su proyecto inconcluso Dune, es una oportunidad única).

De igual forma, me parece que –como la mayoría de las exposiciones– esta muestra es una especie de homenaje al coleccionista y al curador, entes que dedican años de su vida a la investigación y recopilación de material e información.

Ojalá no se la pierdan.

Sabemos que el fin de los tiempos ha llegado, cuando se corre con la suerte de encontrarse un libro a un precio poco más que regalado, y el cual estuve a punto de pedir a España. Durante mi más reciente visita a la sucursal de Gandhi de ofertas y saldos, en Miguel Ángel de Quevedo, me encontré con una mesita (en la sección de literatura juvenil e infantil) prácticamente con puras publicaciones del sello español Timun Mas en oferta. Entre ellas sobresale la recopilación de las novelas y cuentos originales de Conan, por Robert E. Howard, con ilustraciones de Gari Gianni y Mark Schultz, al módico y regalado precio de 49 pesos. Sin embargo, que me perdone el maestro Howard (por el momento, no estaba concentrado en el Conan original, lo cual, por supuesto, no quiere decir que no vaya a ir por los libros en el primer chance). Pero lo que sí me acalambró cabrón fue el descubrimiento de Another Monster, el informe policiaco novelado que el genio Naoki Urasawa escribió como colofón a su obra maestra en manga: Monster.

Aquellos lectores iniciados o que hayan sido lo suficientemente abiertos en la lectura para acercarse a Monster (editado por Vid) no dudarán en asegurar que ésta se trata, sin más, de una auténtica obra maestra. Corrimos con la fortuna de que los 18 volúmenes que la conforman hayan sido editados en México; sin embargo, aquel Another Monster extra no lo fue. Como siempre, los colegas españoles no se quedaron con las ganas y en 2008 fue publicado por Genko Books, subsello de la mencionada Timun Mas. Desde hace algunos meses que me enteré de esta edición andaba con la idea de pedirla por correo, y miren que corrí con la suerte de encontrármela en Gandhi al maravilloso precio de 29 pesitos… Esto es la locura, el capítulo que cierra una de las sagas más extraordinarias caído como regalo del Cielo.

Sólo me queda decirle a aquellos lectores descreídos que se acerquen a Monster, una de las ficciones más cabronas de las últimas décadas y, a quienes ya lo han hecho, pues les comento que le corran a la mencionada librería para conseguir su Another Monster.

Si ya estás cansado de hablar solamente de The Dark Knight, Spider Man, X-Men y Watchmen, como ejemplos de cómic llevado al cine, pues entonces te caerá muy bien el maratón nocturno: Los cómics van al cine, que se realizará este viernes 10 de diciembre, a partir de las 20 horas, y hasta las 8 de la mañana del sábado 11, en el Centro Cultural José Martí (Dr. Mora 1, Col. Centro, metro Hidalgo), organizado por revista Comikaze.

Los filmes que se proyectarán son: Kalimán en el siniestro mundo de Humanón (Alberto Mariscal, México-India, 1974), Regreso a la Baticueva (Paul A. Kaufman, Estados Unidos, 2003), Punisher: War Zone (Lexi Alexander, Estados Unidos, 2008), Hombres misteriosos (Kinka Usher, Estados Unidos, 1999), Mundo fantasma (Terry Zwigoff, 2001) y Comic Book Villains (James Robinson, Estados Unidos, 2002).

Sólo anotaré que Mundo fantasma es una auténtica obra maestra, y que Comic Book Villains (conocida en México como Comics Colección Mortal) está dirigida y escrita por el otrora gran escritor de cómics James Robinson, quien durante la primera media hora de este filme logra una ejemplificación sumamente dramática y sensible del coleccionista de cómics y su mundo. La entrada es libre.

Apollo's Song y Black Jack 12: dos de Tezuka kamisama

2010-12-03T20:24:00.000-08:00

Apollo’s Song Part 1, de Osamu Tezuka
Publicado por Vertical Inc.
11 dólares

En 1970, Osamu Tezuka tenía 42 años. A pesar de tratarse de un hombre ya maduro, estaba pasando por un ciclo un tanto oscuro y existencial de su vida, pues por aquella época diversos proyectos de animación no pudieron concretarse a falta de apoyo económico, además de que el tipo de manga que durante los veinte años anteriores había realizado entró en desuso frente a un tipo de manga más arriesgado y crítico de su entorno.

Era un momento de transición a nivel mundial, en el que los jóvenes habían comenzado a tomar los espacios y a hacerse escuchar. Toda esta revuelta de vida llevó al mismo Tezuka a replantear su trabajo, y fue así que comenzó su etapa (tal vez) más compleja y rica, con obras como Black Jack, Ode to Kirihito, MW, entre otras.

Entre éstas también se encuentra Apollo’s Song, que fue serializada en Weekly Shonen King, del 26 de abril al 22 de noviembre de 1970, y la cual es una opinión de Tezuka frente a la anquilosada educación sexual en las escuelas de aquella época y las revueltas mismas estudiantiles.

Esta obra fue publicada por primera vez en inglés por Vertical Inc. en 2007 en un libro de pasta dura, y en 2010 ha sido reeditada en dos volúmenes rústicos. He podido leer el primero, y como toda la obra de Tezuka se trata de un sorprendente crisol de preocupaciones y opiniones.

El libro arranca con un intenso, impactante y bello prólogo de diez páginas, llamado Union of the Gods, en el que vemos la carrera de la vida, la de los espermatozoides en busca del óvulo para fecundar. Cada espermatozoide es un hombre desnudo entre cientos y cientos (las primeras tres páginas muestran el incansable detalle de Tezuka quien traza literalmente cientos de rostros y cuerpos que se pierden en el horizonte de la página: ¡Increíble!) que pelean entre sí para ganar la carrera. Todos conocemos el desenlace: sólo uno llegará a la meta y se quedará con la reina para crear la esperada vida, en un acto que el hombre ha realizado desde hace millones de años.

Tan sólo por esas diez páginas, bien podría valer la pena este libro (y la misma obra de Tezuka). Pero ése tan sólo es el preámbulo de Tezuka para comenzar a construir la cruel historia de Shogo Chikaishi, un joven traumado desde su infancia ante el maltrato de una madre prostituta, que nunca supo decirle a su hijo quién fue su padre. Ante esa condición, y debido a lo que llegó a ver en ese ecosistema de vida, Shogo desarrolla un sentimiento de aberración hacia toda muestra de amor y necesidad sexual, convirtiéndose en un psicópata que se dedica a destruir animales y, en apariencia, humanos de igual forma.

En realidad (o en apariencia), conforme avanza la historia, entendemos que Shogo es la reencarnación de un ser maldecido por la diosa Atenas, para deambular por la vida en busca de un amor que, a cada tanto, terminará trágicamente.

El primer volumen de esta nueva edición de Apollo’s Song es un fuerte acercamiento al desamor y los traumas que causa. Uno más de los intensos debates existenciales del maestro Tezuka. Si la vida fuera justa, esto estaría en las librerías públicas. Aquí encontrarán un preview de esta obra.

Black Jack Volume 12, por Osamu Tezuka
Publicado por Vertical Inc.
17 dólares

Si no mal recuerdo, hasta antes del volumen 12 de Black Jack, los lectores no teníamos conocimiento del verdadero nombre de BJ; suponíamos que éste se trataba de un sobrenombre, pero nada más. Y es en este volumen cuando nos enteramos que Kuro’o Hazama es su nombre real, y que su vida la ha dedicado a encontrar a los cinco encargados de un depósito de residuos donde explotaron unas bombas, causa de su condición de rompecabezas, así como de la muerte de su madre.

Ahora entendemos claramente del por qué del frío temperamento de BJ, así como que la venganza es el combustible que lo motiva en este mundo. Esto, a través de tres magníficas historias (The Second One, The Boy in the Sealed Room y Prone to Laughter) en las que distintos conflictos médicos llevan a BJ a la rememoración o al mismo enfrentamiento con el pasado.

Estos dilemas desde luego que son de una intensidad sobresaliente y, en muchos casos, llevando a desenlaces (y, en sí, al desarrollo completo de la historia) realmente trágicos e inesperados. Eso está muy presente en este volumen en el que, una vez más, Tezuka da clase de dramaturgia y demuestra que en la ficción y narrativa, como en la vida, las cosas no siempre terminan bien.

13, número cabalístico, son las historias guardadas en las 304 páginas de este volumen. Todas, y cada una de ellas, son brillantes y no tienen desperdicio; tal vez, me atrevo a decir que se trata de uno de los volúmenes más redondos de BJ, y miren que es casi una redundancia ante una serie tan extraordinaria.

Pero solamente diré que los dramas y las tensiones que Tezuka construye a partir de un niño salvaje (en donde incluso aparece un doctor apellidado Truffaut), de un león blanco (un Kimba que no se llama Kimba), de un niño con una hernia en el ombligo, de otro niño con una madre secuestradora, de un joven con poderes telekinésicos o de otro joven de una carcajada eterna como respuesta a la vida, entre otros casos, construyen un catálogo de anécdotas pocas veces visto y de una riqueza inigualable. Es ocioso decir algo más que ya se sabe es magnífico.

El fin de los tiempos: Sucesos recientes

2010-11-26T08:12:00.000-08:00

Sucesos recientes que han marcado mis días:

-El pasado miércoles, 24 de noviembre, me llegó un paquete con un libro de una editorial que en ocasiones me envía material para reseñar. Una particularidad de estos envíos han sido sus retrasos: utilizan un servicio económico desde Nueva York, por lo que se toma su tiempo y, además, ya que llegan a México los envíos(y ya por karma) no hay nadie en mi casa cuando desean entregarlo, por lo que ésta se retrasa. El caso es que estos retrasos llegan a ser hasta de un mes… digamos eso es lo normal.

Pero el paquete del miércoles se llevó más de 2 meses (como puede verse en la fecha del matasellos), y este peculiar retraso se debió a que el bendito paquete fue a dar, ni más ni menos, ¡que a las Islas Caimán (como pueden ver en esta otra imagen)!, y de ahí de regreso a México.
¿Cuál pudo ser la circunstancia que envió este paquete hasta ese equivocado destino? ¿Cuántos fuerzas desconocidas tuvieron que jugar para que finalmente este sobre amarillo llegara a su destinado destino (qué bonito y que feo se oyó)? De quedarse en las Islas Caimán, ¿quién se habría quedado con esa lectura? ¿Le abría encontrado valor, acaso, ese azaroso lector? Vaya usté a saber, lo cierto es que ese libro (Black Jack Volume 12) ahora es más especial en mi colección, porque es un triunfador ante lo que parecía la adversidad.

-Hace un par de semanas, un día común y corriente, camino de regreso a mi labor diaria tras la hora de la comida, pasé por una librería de viejo que la cotidianidad me había obligado a ver como parte accesoria de la arquitectura de la zona; es decir, ya ni la pelaba. Esto igualmente porque cuando la abrieron, hace cosa de unos cinco años, la revisé en un par de ocasiones, y no encontré nada fuera de lo normal de lo que puede hallarse en cualquier librería equis de viejo. Pero ese día me detuve a su entrada y me dije “¿Por qué no preguntar si de casualidad tienen algo de historieta?”
Ese atrevimiento a romper con mi seguridad me brindó una maravillosa sorpresa. Tras mi pregunta, la encargada respondió: “Mmm, pues hay unos Burrón y creo que uno del Spirit”. Como deben saber los que andan tras emociones fuertes en las librerías de viejo y bodegas, la presencia de historietas de la Familia Burrón en estos lugares es ineludible e inequívoca, es decir, en pocas ocasiones puede encontrarse algo de verdadero interés de esta serie, que vaya más allá de ejemplares de hace diez o veinte años. La presencia de números de El Spirit, por el contrario, no es tan común. De igual manera, hay que comentar que para el coleccionista, los números de El Spirit de los años 50 de Paquín o los de los 60 de Novaro son los más buscados; los de La Prensa de los 70 son más recurrentes, aunque no pierden su importancia, y tal vez los menos buscados son unas traducciones españolas de finales de los 80.

Pues bueno, tras recapitular esta información en mi masa encefálica en fracción de segundos, y mientras la encargada me llevaba al punto en el que esto se encontraba, yo recitaba mentalmente un mantra que decía: “que sean paquines o novaros, que sean paquines o novaros”…
El material se encontraba en un entrepaño sobre el marco de una puerta. Me lo señaló y, efectivamente, entre una buena cantidad de burrones recientes, se hallaba un tomo empastado con lomo de piel, sobre el que se leía “El Spirit” “Will Eisner”. Puf, se veía hermoso, daba la sensación de haber estado ahí –mínimo- medio siglo. Entonces casi estaba seguro de que no se trataban ni de paquines de novaros, pues el tomo estaba gordo y lo único que podía provocar tal dimensión eran los números de la Prensa de los 70.

Aquí, he de comentar que a través de los años he ido reuniendo varios de los 28 (aparentemente) únicos números que se publicaron de El Spirit en aquellos años. Su publicación comenzó en 1976, por lo que me fue prácticamente imposible tenerlos en su momento (contaba con un año de edad), aunque seguramente estuvieron cerca de mí, pues mi hermano asegura que recuerda que mi padre los compraba en aquella época. De hecho, hace cosa de unos diez años, mi papá me regaló alrededor de unos ocho números de esta serie (que quién sabe dónde se los fue a hallar), como presente cumpleañero.
Pues bueno, estiré mi brazo, tomé el tomo que presentaba un peso fabuloso: no era muy pesado, a pesar de la cantidad de papel que guardaba, y su dimensión de cualquier forma se imponía; sin duda, eran números de La Prensa. Lo abrí y, efectivamente, al primer golpe visual vi los colores vivos de aquellas presentaciones. Pasé las hojas: en perfecto estado, no había manchas de grasa ni dobleces, parecía tratarse de una copia de alguien que trabajó en la misma editorial y los reunió tal cual salieron de las imprentas para empastarlos de buena forma.
Ahí, de golpe estaban los 28 números publicados por La Prensa, tal vez no era lo que más buscaba, pero el detalle era hermoso. 220 pesos estaba escrito a lápiz en la primera página, y menos el 20 por ciento de rigor en estos lugares terminó costándome 176 pesos.
Unos días después, me tocó compartir con Everardo Ferrer una plática, precisamente, acerca del maestro Will Eisner y todo aún fue mejor. Qué bonito es lo bonito, alguien dijo por ahí.

-¿Qué hacer cuando los mundos chocan? ¿Qué hacer cuando tus fundamentos emocionales son dinamitados? ¿Qué hacer cuando sucesos importantes parecen decirte que tu pasión, interés, investigación, sobre un medio como la historieta es algo que no tiene importancia? ¿Qué hacer cuando de repente sentimientos profundos te llevan a ver como algo frívolo y sinsentido aquello que durante años te ha guiado? ¿Qué hacer cuando tu atención completa está en otro lado y ya no te permite atender algo que has construido durante años? Esos son momentos cumbre en una vida.

-El sábado comentaba con mi madre que me da asco el pulque y las pulquerías, a propósito de una emisión del programa Aquí nos tocó vivir, grabado en una pulquería cercana al Claustro de Sor Juana, donde los estudiantes solamente van cuando tienen un claro en su agenda escolar o tan sólo como un digestivo tras la comida, eso es lo que ellos dijeron en la entrevista del programa, no yo.
Pues bueno, el caso es que parece que tendré que tragarme mis palabras, pues este sábado 27 de noviembre, en la pulquería Los Insurgentes (Insurgentes Sur 226, entre Colima y Durango), a las 19:00 horas, formaré parte de los presentadores del libro Un hombrecillo en mi cabeza, de mi amigo y colega Jesús Pacheco Colín, y la cual forma parte del VIII Congreso de Contracultura, organizado por la revista Generación y la pulquería Los Insurgentes.
El libro es un interesante y sugerente conjunto de relatos construidos a partir de las vivencias y memorias de una buena cantidad de asesinos en serie. Lee Lucas, Dahmer, Gacy y Kurten, entre otros, son rememorados con talento narrativo por Pacheco.
Así que si quieren echarse su pulque escuchando de asesinos en serie – o si es que, acaso, quieren un digestivo-, pues no falten este sábado.

El fin de los tiempos: Hernández, Lugosi y Minicon III

2010-11-10T10:11:00.000-08:00

La semana pasada se dio uno de los sucesos más importantes en años recientes para el cómic mainstream (al menos a mí me lo parece), pues en el número 2 de la miniserie de Marvel: Strange Tales II, se incluyeron un par de historias realizadas por los únicos e inigualables Hernández Brothers, incluyendo una portada preciosa ilustrada por Xaime Hernández.

Gilbert Hernández se abocó a hacer un trabajo de nostalgia protagonizado por Tony Stark, su primera y ridícula armadura de Iron Man, y Toro, el compañero del original Human Torch. Xaime, por su parte, construyó una inolvidable pasarela de beldades superheroicas en bikini (Invisible Girl, Scarlet Witch y Wasp) que se enfrentan a la lujuriosa estratagema del Space Phantom, uno de esos ridículos personajes de tercera división de la Marvel. Sobra decir que el candor que Xaime inyecta a sus historias hace de esta breve aventura una joya, enbelicida aun más por la impresionante portada.

Todo este paquete fue una inmensa sorpresa para mí, pues tenía entendido que Xaime únicamente había hecho la portada, cuando en realidad concibió la historia y Gilbert también realizó la mencionada.

Hay que mencionar que este no es el primer trabajo de los Hernández para el mainstream, pues hace ya varios años colaboraron para DC, en las antologías de Bizarro Comics y Bizarro World (que, de hecho, se trata del proyecto inaugural que experimenta con historias creadas por autores de la llamada escena indy, y la cual se fusiló Marvel para esta miniserie), así como en el divertidísimo onsehot Superman and Batman: Worlds Funnest. Gilbert, inclusive, escribió una historia de varios números para el cómic Birds of Prey.

Y hablando de antologías, también la semana pasad salió a la venta Bela Lugosi’s Tales From the Grave, un proyecto del historietista Kerry Gammill. Como muchas antologías independientes e interesantes que llegan a anunciarse, yo llegué a creer que nunca iba a publicarse o que tardaría meses, incluso años, en ver la luz.

A Gammill yo lo recordaba por el trabajo muy sobresaliente que hizo ilustrando Superman a principios de los años 90, cuando Roger Stern escribió una muy buena etapa del personaje. Después, Gammill se perdió de la escena del cómic, y parece que estuvo trabajando en diseño comercial y en cine. Hace unos años, de repente, apareció un libro impresionante sobre Basil Gogos, el magnífico pintor de muchas portadas inolvidables de la revista Famous Monsters of Filmland, que estaba co-escrito por Gammill y resultó que este historietista era un fanático del cine de monstruos clásicos. Y ahora reaparace con Bela Lugosi’s Tales From the Grave, una antología de muy buen nivel, y que esperemos no se quede en un solo número (no hay dato alguno de qué periodicidad tendrá).

Según un boletín de prensa de Monsterverse (el sello que lo edita), en siguientes números esta antología contará con colaboraciones inesperadas al medio de Rick Baker (genio –en verdad- de efectos especiales de filmes como American Werewolf in London), John Landis y Joe Dante.

Y antes de que sea más tarde, les comento que este domingo 14 de noviembre se realizara la Minicon Comikaze III en el a Grela Café (Caleta # 554, Colonia Narvarte, entre Vértiz y Zempoala. Metro Etiopía). Ya la tercera edición de este evento organizado por la revista Comikaze. A continuación les dejo el programa y, he de decir, que la firma de autógrafos con quien esto escribe fue una excentricidad de don Jorge Tovalín, ustedes disculpen.

10:00 Apertura
11:00-12:00 Un lustro sin Will Eisner. Charla con los periodistas de cómic Mauricio Matamoros y Everardo Ferrer.
12:00-12:30 Firma de libros con Mauricio Matamoros, autor del libro Alan Moore y su obra: Realidades construidas y La imagen reptante: H. P. Lovecraft y el cómic mundial, publicado por Samsara editorial.
13:00-14:00 Webcomiqueando con…Sergio Tapia (Aztecas Vs Romanos), Juanele (Moquito) y Mario González (Wyliman). Charla moderada por el equipo de Ediciones Uno de Tres, co-organizadores de la MiniCon y autores del webcómic Dos animales enjaulados.
14:00-14:50 Sesión de sketches/autógrafos con Sergio Tapia, Juanele y Mario González.
15:00-16:00 Presentación de las publicaciones independientes Lupy el Conejo Guerrero #4, Koigora Sourcebook, La Pangolina # 8 (por confirmar), Horizonte Cero #3 y Comikaze # 10.
16:00-17:00 Firma de ejemplares y sketches con autores de publicaciones independientes. Invitado especial: Erik Proaño, Frik, autor del recopilatorio Cabos Sueltos (Resistencia, 2010)
17:00-18:00 Entrevista a Sixto Valencia, dibujante de Memín Pinguín. Moderada por Everardo Ferrer.
18:00-18:30 Firma de cómics con Sixto Valencia.
18:45- 19:30 Ciencia, cómics y sci-fi. Charla de divulgación científica con Rodrigo Vidal Tamayo, director de Educación, Ciencia y Sociedad del Instituto de Ciencia y Tecnología del Distrito Federal.
20:00 Cierre de Grela Café.

Masacre en Xoco y otros horrores

2010-10-27T13:02:00.000-07:00

Fechas ominosas y macabras se acercan nuevamente, como cada año por esta época del año. Y para ello ya se han publicado algunos cómics alusivos:

-Bart Simpson’s Treehouse of Horrors #16: Sin duda, se trata de uno de los anuales en cómic más esperado año con año. En esta ocasión, la historia más atractivo parecía ser la ideada por Lemmy Killmister, bajista líder de la superbanda Motorhead; pero ésta no pasó de ser una curiosidad gracias a la aparición del mismo músico. En cambio, la historia escrita por Evan Dorkin: “I Totally Saved The Earth’s Butt And Made The Glavin Cry Like A Little Wuss”, resulta en un verdadero festín de monstruos (con homenajes a Stan Lee, Jack Kirby e Inoshiro Honda, por igual), con mucha violencia gore y humor muy negro, lo esperado del autor de sutilezas como Milk & Cheese y Dork.

-Motel Hell #1: Sin decir agua va, IDW ha publicado el primer número de esta miniserie basada en un oscuro filme gore de 1980, dirigido por Kevin Connor (en su momento, fue editado en México por Videovisa), que no es la gran maravilla, pero que sin duda se recuerda por una imagen que presenta a uno de los asesinos caníbales con el ‘rostro’ de un cerdo como máscara. El cómic logra sacar buen partido de los elementos gráficos del filme, y entrega una historia que deja enganchado al lector. Una curiosidad que vale la pena.

-House of Mistery Annual 2: Aunque compuesto por un grupo de historias cortas protagonizadas por personajes de los títulos de Vertigo Comics (Madame Xanadu, Lucifer, I Zombie y John Constantine), y las cuales tienen un elemento en común (en este caso, un grupo de eternos niños que piden su calaverita), en esta ocasión el experimento no resultó tan intenso como el del anual del pasado año y resulta un tanto aburrido. Destaca un poco, sin embargo, la historia de Constantine (realizada por Milligan y Camuncolli, el equipo creativo de la publicación mensual) y la cual, tras leer el más reciente número de Hellblazer (el 271), entendemos que se trata de una anécdota que tuvo lugar entre unas cuantas viñetas de ese reciente número mensual.

-Hellblazer: City of Demons: Y hablando de ese sucio bastardo llamado John Constantine, Sy Spencer y Sean Murphy han creado esta miniserie de cinco números quincenales, y de los cuales el segundo se pone a la venta esta semana. La historia coloca a Constantine en medio de esta dimensión y el Más allá de una manera muy interesante, “sutil” y rica en matices. Parece que las cosas se le van a poner buenas a este inglés, y todo está siendo ilustrado de manera inmejorable por Murphy, quien ya ilustró una inolvidable historia de este personaje escrita por Jason Aaron, y actualmente está ejecutando un mundo maravilloso en el Joe the Barbarian, escrito por Grant Morrison.

-Y bueno, no puedo dejar de remitirlos a Ojos bien abiertos, el blog hermano de Iconoctlán, para que vean la programación e información de Masacre en Xoco: 1ª Jornada de Cine de Horror en Cineteca Nacional. Desde este viernes 29 y hasta el lunes 1º de noviembre, en Cineteca se proyectarán una serie de películas ya clásicas del cine de horror (The Evil Dead, El barón del terror, Sisters, Salem's Lot), así como una serie de mesas redondas sobre diversos temas dentro del género. Si residen o andan por el DF durante estos días, los conmino a que asistan porque se proyectarán películas que durante años o décadas no se han visto en celuloide y que, probablemente, vuelvan a descansar en las bóvedas de cineteca durante años, antes de que vuelvan a verse.

El final de los tiempos: Scarlet, Moebius y Comikaze

2010-10-20T11:35:00.000-07:00

En tiempos tan aciagos como estos, en los que pareciera que sólo estamos esperando el llamado a: “la Revolución ha comenzado”, y no sólo en nuestro terruño, sino a nivel global, se agradecen y se disfrutan series como Scarlet, cómic escrito por Brian Michael Bendis e ilustrado por Alex Maleev para el subsello Icon, de Marvel Comics.

En Icon se le está dando rienda suelta a creadores que laboran para Marvel, y así hemos podido ver estrambóticas extrapolaciones del mundo superheróico como Kick Ass o notables homenajes a la pulp fiction como Incognito. Con Scarlet, Bendis está ejerciendo su derecho al llamado revolucionario en forma de ficción: Scarlet es una chica que ha sido despojada de su novio por un corrupto policía que lo acusa de tráfico de drogas, además de que ha sido herida en la cabeza por él mismo gandaya. Tiempo después, esta joven mujer entra en un estado emocional iracundo, tipo Charles Bronson en Death Wish, y decide tomar la justicia en sus manos.

Es aquí que a mitad del cine vigilante de los años 70 y 80 del pasado siglo, aunque desglosado aquí por un intenso soliloquio en el que Scarlet discute (derribando la cuarta pared para exponerlo al lector) las repercusiones éticas, morales y sociales que se logran con una decisión como ésa, este cómic ofrece un discurso fuerte en carga emocional y existencial, y que ya ha provocado buenas discusiones acerca del retrato que en esta ocasión Bendis hace de la Policía.

Como este título no ofrece las mismas cantidades de violencia que Kick Ass, y está compuesto por una buena cantidad de texto (marca de Bendis que, por igual, gusta y disgusta a su divido público), me parece que su mención mediática se ha perdido entre grandes cantidades de caramelos de capas y calzones de colores, y a pesar del impresionante trabajo gráfico de Maleev.

La serie de Bendis y Maleev, que ha comenzado como un alegato vigilante, y que se encamina hacia una opinión sobre la revolución, es la material que todo lector de historieta tendría que estar haciendo en estos momentos.

Otra revolución necesaria e inolvidable se dio en Francia, a mediados de los años 70, cuando un grupo de historietistas conformado por Jean-Pierre Dionnet, Bernard Farkas, Philippe Druillet y Jean Giraud, decidieron abandonar la, llamémosle, escuela conservadora de la revista Pilote, para comenzar un experimento artístico y existencial a través de su propio sello editorial: Les Humanoïdes Associés, así como de su propia publicación: Métal Hurlant. El resultado fue la sublimación de las fantasías más descabelladas hasta el momento, y el surgimiento de una escuela de ciencia ficción en la historieta que transformó la forma de ver y hacer en este medio.

Jean Giraud “Moebius”, desde entonces, ha creado obras monumentales, como Arzach, Le Garage hermétique o L’Incal (con Jodorowsky), al igual que un cúmulo de historias cortas tan extraordinarias, como Les Yeux du Chat o Cauchemar blanc.

Pues bien, en casi medio siglo de carrera, Moebius nos ha permitido conocer la naturaleza de los sueños y la fantasía a partir de simple tinta negra y mucho talento; su discurso, en constante, transformación y evolución nos ha permitido atestiguar los múltiples logros que el cerebro humano puede permitirse.

Precisamente, como un homenaje a esa posibilidad y a la realidad en que se ha tornado a través del talento de este maestro, la FondationCartier (en Francia, por supuesto) ha organizado la primera gran exhibición dedicada en Moebius, y que por nombre lleva MOEBIUS-TRANSE-FORME. Obviamente se trata de un evento que está un “poco” lejos de nosotros (finalmente se encuentra en el planeta Tierra, que compartimos, y Moebius nos ha enseñado a viajar aún más lejos), pero resulta tan extraordinario e importante, que no podía dejar de mencionarse en Iconoctlán. Aquí les dejó el link (y el cual agradezco me haya compartido a Zenaido Velázquez) para que con la simple entrada a la página vayan percibiendo el nivel.

En otro tenor más cercano, este sábado 23 de octubre se presentará el número 10 y más reciente de la revista Comikaze, primero apoyado por el Conaculta. La cita es en Fantástico (Félix Cuevas 835, Planta Alta), a las 17:00 horas.

Para este número que presenta dos portadas a escoger (una por Jesús Antonio Hernández, y otra por Andrés Esparza, y ambas entintadas por Renato Guerra), en las que vemos a Denny Colt, junto al Avispón Verde y Kato, se presentan artículos sobre The Spirit, Green Hornet, The Dark Tower, Milo Manara, y entrevista con Bef, sobre su novela gráfica Espiral, entre varios artículos y entrevistas más.

Además, a los que compren este día la revista se les obsequiará pins del Avispón Verde, stickers del Spirit, así como una historieta de Blue Demon. No falten.

Peepo Choo 2 y Twin Spica 3

2010-10-15T14:15:00.000-07:00

Peepo Choo Vol. 2
Por Felipe Smith
Edita: Vertical Inc.
13 dólares

Ya en los comments vertidos en la reseña que hice del volumen 1 de Peepo Choo, el propio creador de este manga (Felipe Smith) nos invitaba a ver un video que realizó en 2006 (cuando promovía su primer manga MBQ), con la idea de mostrar su esfuerzo, necesidad e interés por crear manga, a pesar de no tratarse de un autor japonés (igualmente él se encargó de decirnos que nació en Estados Unidos, y que es de ascendencia argentina-jamaiquina). En dicho corto, en el que Smith dialogaba con un vendedor de cómics en Argentina, ya se manifestaban dos eternas discusiones-dudas en este tenor: Si no se es japonés, ¿es posible hacer manga?, y sobre todo, si no se es japonés, ¿para qué hacer manga, si se puede hacer historieta o cómic?

En lo personal, me parece que trátese de manga, bande dessinée, fumetti o historieta (mexicana o argentina), todos estos esfuerzos se encuentran dentro de un mismo medio aunque, obviamente, poseen sus peculiaridades y características distintivas y regionales. Así como hay diferencias entre la novela rusa y el realismo mágico, o entre el cine francés y el cine hollywoodense, también las hay entre el manga y la historieta. Esta opinión, me parece, también la comparte Smith, según lo que vemos en dicho video.

Aunque aún no logro comprender del todo la necedad de algunos autores no japonenses para crear ‘manga’ en específico (cuando pueden crear un cómic simplemente y, sobre todo, cuando los resultados de ‘manga extranjero’ comúnmente son penosos), sí entiendo que finalmente deseen hacer un tipo de trabajo que reproduzca las características de la historieta que les gusta, en este caso: el manga. Espero me dé a entender: es como Carlos Reygadas, que desde México intenta hacer cine cercano a la sensibilidad de maestros como Tarkovski o Dreyer, aunque le queden sólo para apantallar en mercados extranjeros.

Así, Smith puede hacer lo que le venga en gana y, en su caso, me parece que el esfuerzo ha valido la pena.

En el volumen 2 de Peepo Choo, el viaje a Japón que se anunciaba maravilloso para Milton -el joven protagonista de la serie, amante del ridículo anime que da título a este manga- se torna en un desencanto brutal, cuando le explican que Peepo Choo fue un fracaso en Japón y que su éxito en EUA es tan solo resultado de una mentira de su distribuidor. Y la cosa no es menos peor para su vejador favorito, Jody, quien en lugar de conquistar japonesas, como esperaba, es confundido en las calles niponas con un personaje amanerado de una popular serie televisiva.

Smith continúa con la ascendente mofa de la imagen que en Occidente tenemos del showbusiness japonés, para dejar este volumen en una intensa carnicería que hace pensar, en su punto final, en algunas imágenes escritas por Garth Ennis.

Creo que el volumen 3, y final, de Peepo Choo será una explosión que dejará mal parados a Occidente y a Oriente (esto lo digo como algo bueno).

Twin Spica Vol.3
Por Kou Yaginuma
Edita: Vertical Inc.
11 dólares

Continúa el complicado camino y proceso de un grupo de adolescentes por alcanzar el sueño de viajar al espacio en Twin Spica Volumen 3. Al cúmulo de problemas y pruebas que de forma natural imponen las cátedras y el aula en general, se suman los problemas familiares y sociales en cada alumno. La revelación de que los lazos de amistad que surgen entre los alumnos tendrán que hacerse a un lado, cuando sólo un puñado de ellos sean los únicos triunfadores en esta carrera, sin embargo, les plantea a ellos mismos de golpe el que será, tal vez, su conflicto más grande.

Sin duda, cuando los japoneses se proponen exprimir los sentimientos de abandono y pérdida (como célebres animes melodramáticos y no pocos mangas nos lo han demostrados), lo hacen de manera tajante y absoluta. Ya aquí sentimos frío cuando el fantasma del señor León, que acompaña a Asumi –la protagonista de esta historia- y es el remanente del accidente que cataliza esta historia, se enfrenta a cómo la vida continúa, a pesar de su muerte. Y en una historia corta (llamada Asumy’s Cherry Blossoms) que acompaña a este volumen, y que se desarrolla durante la infancia de Asumi, vuelve a darse un ejemplo fuerte de la amistad que surge entre personalidades parecidas y en ecosistemas hostiles, y que difícilmente pueden evolucionar, pues hasta la vida parece estar en contra.

En resumen, Twin Spica Vol.3, de Kou Yaginuma, con con el interesante trance de este joven grupo de astronautas en ciernes.

El final de los tiempos: DC, Marvel y Neonomicon

2010-10-12T12:09:00.000-07:00

Hace ya varios días se llevaron a cabo una buena cantidad de movimientos en DC Comics, ya como parte de Warner Entertainment. Esta editorial se ha partido en dos, para pasar a Burbank, California, las oficinas de los contenidos más interesante para Warner, mientras que en Nueva York permanecerán las oficinas de los contenidos que tengan que permanecer ahí, es decir, los de perfiles menos comerciales y que tengan que ver más con la escena de autores de la llamada Gran Manzana (es decir, Vertigo). En esta transición de la editorial, ha desparecido Wildstorm como subsello de DC, alojando a sus personajes dentro del marco de la misma DC, y creando una incertidumbre que –obviamente- ya ha arrojado varios desempleados, así como un pánico entre lectores que ya comienzan a ver malos manejos de los personajes.

En términos generales (hay excepciones, obviamente. Como The Spirit o Jonah Hex), el estado actual del manejo de los superhéroes en DC es aburrido y repetitivo. Vertigo ha pasado de ser un laboratorio de ficción oscura y de ruptura, a un catálogo de fantasía fresa y narrativa urbana trillada (aunque continúan publicando el brillante Scalped, y el incansable Hellblazer). El hecho de que, en apariencia, Swamp Thing resurgirá como un personaje de DC (ya no de Vertigo) en medio del desmadre aburrido del crossover Brightest Day, y de que la trascendencia de las propuestas discursivas de conceptos como The Authority hayan sido echadas a un lado, así de simple, parece indicarnos que en esta editorial andan naufragando gachamente, mientras se pone toda la atención en desarrollar conceptos que funcionen en cine y videojuegos.

Se trata de cambios que, en apariencia, exigen los tiempos (tiempos= economía, tecnología, tendencias impuestas, lectores poco exigentes……..) pero que, aquellos que no vamos con los tiempos, vemos como el final de los tiempos.

El final de los tiempos, me parece, llega cuando ese subsello alternativo (Vertigo), subversivo, ha dejado de serlo, mientras su estafeta parece tomarlo cierto sector de Marvel Comics. No extraña, cuando sabemos que desde hace varios años ahí está instalado Axel Alonso, editor que hizo mucho en Vertigo, y que llevó buena parte de su visión a Marvel. Así, la semana que ha pasado se publicó el primero número de Deadpool MAX, escrito por David Lapham y dibujado por Kyle Baker. La combinación de ambos talentosísimos historietistas es la esperada, y arroja un cómic de una belleza visual apabullante y una intensa violencia dramática, que hace 15 años bien pudo haber publicado Vertigo. Otro gran título de Marvel, que pudo haber publicado Vertigo años atrás, es S.H.I.E.L.D., escrito por Jonathan Hickman e ilustrado por Dustin Weaver.

Mientras sucede todo ese revés comiqueril en la escena principal del comic mainstream, en un bunker alternativo llamado Avatar se cuece una de las narrativas más extremas e intensas del momento. Mientras lo logrado por Alan Moore en DC hace un cuarto de siglo (permitiendo la evolución de esta narrativa) se está echando por la borda, en Avatar publican Neonomicon, el más reciente experimento en estilo y un nuevo acercamiento al horror por parte de este ente consumado.

Con el número 2 de esta serie (que fue publicado la semana pasada) me encontré con la desagradable/agradable noticia de que los ejemplares que llegaron a México a través de una conocida tienda de cómics se habían agotado. Primero, no creo que hayan sido muchas las copias que se hayan importado (tal vez unas 20 o 25, calculo); segundo, aunque supongo que debieron ser las mismas que se trajeron del número 1, que tardó varias semanas en agotarse (el 2 se agoto en el mismo día que se pusieron a la venta); tercero, me da gusto saber que han surgido lectores para esta obra; cuarto, me pregunto si Iconoctlán habrá sido de ayuda en esto último; quinto, yo tuve que pagar unos veinte pesos más, pues la única copia que había era con la portada variante, que es más cara. Pero fue placentero saber que este material se había agotado.

Tras un primer número de esta serie de cuatro (y un preview), y la precuela The Courtyard de hace varios años, Neonomicon 2 pone las cartas sobre la mesa: la historia no se queda en un ‘simple’ pastiche referencial a Lovecraft, pues todos los signos y guiños al maestro de Providence resultan en eso; es decir, la agente Brears (protagonista en esta serie) le explica a sus colegas (y al lector) que todos los asesinatos que están ocurriendo en la narrativa se encuentran relacionados con la obra de Lovecraft; es decir, dentro de la misma narrativa existe la obra de Lovecraft como corpus autoral conocido por los habitantes de se mundo. Así, esta historia toma un giro mucho más interesante de lo que esperábamos, pues no se trata simplemente de una variación o continuación de los mitos propuestos por Lovecraft, sino de una extrapolación de los mismos en una posible realidad.

Por supuesto, parte importante de esa extrapolación es la jiribilla, la trascendencia sexual que Moore (como muchos otros autores han hecho) extrae de la cosmogonía lovecraftiana; así, el número 2 de Neonomicon deviene en un interesante diálogo de perversiones sexuales, donde Moore junto con Jacen Burrows (el ilustrador) introduce a la pareja policiaca en un submundo de juegos sexuales directamente relacionados con una entidad primigenia.

Burrows es un dibujante cuyo trabajo me resulta muy disfrutable; sin embargo, en el primer número de Neonomicón me parece que le faltó creatividad en aquella secuencia ya clásica en la que se juega con las percepciones y la visión; en el número 2, su trabajo ya se nota más aclimatado a la exigente prosa de Moore: aquí el juego de percepciones y visión vuelve para construir un momentum de horror, suspense y desesperación, que nos recuerda desde Rosemary’s Baby (Roman Polanski, 1968) hasta Posession (Andrei Zulawsky, 1980), y que nos deja bien enganchados. Pero ante esto, me pregunto qué niveles de veracidad podrían haberse logrado con dibujantes como John Totleben o Gary Frank (con su fabuloso detalle en los rostros y la posición del cuerpo humano), que ya trabajó para Moore en aquella inolvidable historia del centenario de Dracula.

En fin, continuemos fantaseando y esperemos la continucación de esta subversiva historia.

Love and Rockets: New Stories No. 3

2010-10-01T14:47:00.000-07:00

Love and Rockets. New Stories No.3
Por Beto y Xaime Hernández
Publica Fantagraphics Books
15 dólares

¿Alguno de ustedes, coterráneos iconoctlanos, de pura casualidad han logrado desentrañar el misterio del don artístico de los hermanos Beto y Xaime Hernández?

Bueno, en realidad no es un misterio, pues todo salta a la vista directamente desde cada una de sus páginas realizadas; pero es que me resulta tan extraordinario el talento de estos artistas, que prácticamente babeo ante cada página, lo que me imposibilita para realizar un comentario digno.

Bueno, tampoco es que esté impedido del todo, pero sirva esto tan sólo como una pequeñísima demostración de la admiración que siento por estos maestros, de quienes acaba de publicarse Love and Rockets. New Stories No.3; es decir, el nuevo ejemplar de esta publicación anual ¡que los catadores de esta obra hemos esperado durante los 365 días previos!

La espera ha sido larga, sin duda, pero me atrevo a decir que no sólo ha valido la pena, sino que ha resultado una inspiración para continuar teniendo fe en la humanidad, pues con artistas como estos, vale la pena vivir.

Para este tercer anuario (pueden dar clic en estos links para leer mis reseñas del primero y el segundo anuario), Beto se pone muy salvaje y Xaime crea un impresionante tapiz de memorias y niveles narrativos.

En el caso de Beto, a partir de dos historias relacionadas (Scarlet by Starlight y Killer *Sad Girl* Star), nos cuenta una evolución de actos salvajes a partir de la pérdida del sentido común ante la fuerza del deseo: un trío de investigadores y exploradores (dos hombres y una mujer) en un ecosistema primitivo crean lazos con una raza de humanoides, tal vez no lo suficientemente desarrollados, aunque con las mismas necesidades y deseos animales que presentamos los humanos. La hembra de esta raza (con curvas de antología que son cubiertas estratégicamente por un pelaje de apabullante diseño natural) se encuentra profundamente ¿excitada? ¿enamorada? de uno de los exploradores, y eso Beto lo muestra como una escalofriante sucesión de hechos dramáticos y sangrientos. Ya con la segunda historia, nos enteramos que esa primera fue una película Serie B, que están a punto de rehacer en la actualidad, y que será protagonizada por una joven conocida como Killer, quien será nuestra Virgilio en una historia del showbusiness underground, de esas que tanto le gustan a Beto (y a su lectores), y que le quedan buenísimas.

Por su lado, Xaime nos presenta una historia impactante –en su caso divida en tres extractos distintos- de Maggie, quien tras años se reencuentra con su viejo amor, Ray. La salida de este par da pie para una clase maestra de estilo en el dibujo y en los diálogos, como era de esperarse en Xaime; pero igualmente, esto sirve de marco para la aparición de un tipo extraño que acecha a Maggie (sin que ella lo sepa) y para la revelación de un episodio de la infancia de Maggie y sus hermanos. El recuento de esta historia es sumamente sensible, lleno de recuerdos felices y tristes. Xaime no se escandaliza en ver a la infancia como el momento más cruel, y es por ello que esta historia resulta trascendente para Love and Rockets (como todas las de Xaime), y dejando cicatrices que no se olvidan. Precisamente, la cicatriz más grande de esta historia, es la que regresa al final para cerrar un círculo que deja frío e impactado al lector, por la fuerza de la historia y por la contundencia artística de Xaime.

Love and Rockets. New Stories No.3 continúa con el ascenso de estos autores a terrenos inmaculados.

Alexandro Jodorowsky: Fantasía y Ciencia Ficción

2010-09-28T08:28:00.001-07:00

La Revolución

2010-09-25T21:12:00.000-07:00

La Revolución,
por Francisco de la Mora, Rodrigo Santos y Pepeto,
a partir del libro de Javier Garciadiego
Edita El Colegio de México y Taurus

Si leyeron el post anterior, tal vez, igual que yo, se preguntaron cuándo y cuál sería el primer proyecto que tendríamos en nuestras manos de historieta, en el marco de la celebración del Bicentenario y Centenario de los conocidos hechos históricos nacionales. Y pues de los que mencioné en dicho texto, hasta ahora no he visto ninguno; y pronto espero comprar el de Trino: Historias desconocidas de la Independencia y la Revolución.

En esta espera fue que gracias a la aparición del mismo texto, Francisco de la Mora amablemente me envió una copia de La Revolución, primer volumen de la serie Nueva Historia Mínima de México, guionizado por él mismo y Rodrigo Santos (a partir del libro del mismo nombre de Javier Garciadiego), ilustrado por Pepeto y publicado por El Colegio de México y Taurus.

Planeada como una colección de ocho volúmenes (cuya publicación concluirá en 2012), hasta el momento se han puesto a la venta el mencionado volumen, así como el dedicado a La Independencia. Este proyecto, de la Mora comenta, lleva realizándose poco más de dos años, y fue una iniciativa de él y Santos que llevaron a El Colegio de México. Pepeto fue recomendado para el proyecto por Ricardo Peláez y, para comenzar, tomaron como base el bestseller del Colmex: Nueva Historia Mínima de México que, a la fecha, ha vendido más de 5 millones de copias. Para el resto de los volúmenes tomarán como base textos de investigadores como Josefina Zoraida Vázquez, Pablo Escalante Gonzalbo y Bernardo García Martínez, entre otros.

En este primer volumen los cronistas y narradores son don Pascacio, un maduro vendedor de libros, depositario de la historia reciente del país (con reciente me refiero de la Revolución para acá) y dueño de una librería de viejo, y la cual está siendo del interés de una empresa interesada en comprar el lugar, y representada por un joven -nuestro segundo protagonista-, que simboliza al México nuevo y desarraigado, aunque con un súbito interés por ese conocimiento de Don Pascacio que, curiosamente, resulta renovador para el joven.

Las constantes visitas del joven en un intento por seducir al librero para que venda, se transforman en encuentros para completar una crónica que resume de buena forma la gesta revolucionaria aunque, por supuesto debido a la compresión que exigen 52 páginas de trabajo historietístico, a momentos resulta un tanto abrupta.

La rememoración va desde 1910, cuando el porfiriato provocaba reacciones como el periódico Regeneración, de los hermanos Magón, y hasta el asesinato de Álvaro Obregón por León Toral, y la creación del Partido Nacional Revolucionario, ya con Emilio Portes Gil como presidente.

Con don Pascacio y el agente como interlocutores, la crónica de poco más de los primeros veinte años de vida de la nación durante el siglo XX se acomoda de buena forma en viñetas de notable economía de información, aunque sin duda se extraña la splash page neural en la historieta contemporánea y que, sin duda, sería de interés para los lectores más jóvenes, a los que igualmente se busca atraer hacia esta colección.

El trabajo de Pepeto muestra una elasticidad notable en su línea, que ofrece desde un buen trabajo en los rostros y posiciones de los personajes, hasta la transición de la acción y el propio montaje de las viñetas. No obstante, como lo comenté líneas arriba, se extraña el momento explosivo de la ilustración a página completa, sobre todo cuando estamos hablando de conflictos sociales y bélicos, de la necesidad de mostrar la trascendencia y magnificencia de los hechos. Pero igualmente entendemos la dificultad de comprimir una historia tan compleja y extensa, además de que, como cuenta de la Mora, la colaboración es complicada cuando hay una distancia de por medio entre guionista y dibujante, además de que debe de buscarse la forma de respetar el texto original.

El proyecto de Nueva Historia Mínima de México es notable por su presentación y su esfuerzo (creo que, conforme vaya desarrollándose el proyecto, el texto podrá ser más económico y dar mayor libertad a la imagen): es bueno ver que se le de el tratamiento de lujo a una historieta mexicana en el propio país y, como dice Mora, se trata de una herramienta “para entender los procesos más importantes que dieron forma al país, es la información básica que todo mexicano debe conocer. Puede también ser un puente a otro tipo de información más específica de algún evento en concreto”.

Si se preguntan dónde conseguirlo, pueden buscarlo en la red de librerías normales, algunas tiendas de autoservicio y la omnipresente Sanborns.

De caudillos y adelitas

2010-09-17T10:56:00.000-07:00

En la historieta mexicana la gesta revolucionaria, y en menor grado la de Independencia, ha resplandecido como auténtico escenario de hazañas heroicas, en el que sin remordimiento alguno cabe la realidad y la ficción.

En la historieta mexicana, los héroes que nos han dado patria visten como la historia visual nos lo ha dicho (en el caso de la Independencia, como lo asumieron los retratos, ilustraciones y caricaturas que comenzaron a producirse desde 1926 cuando, más o menos de forma sistemático, iniciaron su aparición con el diario El Iris), sus actos nos remiten a lo escrito por la historia oficial; pero, igualmente, hay ocasión para las licencias más allá de la poesía, dando paso, así, a momentos de alucinación natural a la historieta mexicana. Casi como la ópera o el cine, los conflictos armados y sociales presentan los ingredientes necesarios de todo gran espectáculo: drama, acción, suspenso que en conjunto crean sensaciones sonoras y atmosféricas. Sin duda, el cómic internacional ha sacado partido de la vitalidad y el dramatismo de los conflictos humanos; no obstante, dudamos que exista un acercamiento tan variado como el que se ha hecho en México.

Armas políticas

Si tomamos a la caricatura como antecedente directo de la historieta en México, prácticamente podemos entender a ambas como productos de la Independencia. En el número 104 (de 1972) de Los Agachados, Rius explica: “La caricatura en México nace pocos años después de consumada la Independencia […] la Nación, asegún parece, era en aquellos años una olla de grillos, y los primeros caricaturistas tenían ocasión de ridiculizar las acciones (también ridículas de aquellos políticos, muchos de ellos hoy considerados héroes)… así nos damos cuenta que el nacimiento de la caricatura coincide con el de la crítica; es decir, nace como un arma política”.

Y el parque de aquella carabina apuntaba hacia el nuevo gobierno. Porfirio Díaz se convierte en el personaje favorito de los caricaturistas y de revistas como Bulle Bulle y El hijo de El Ahuizote, desde donde una sociedad nueva comienza a recibir información que será importante para el inicio de la Revolución, mientras los caricaturistas sufren censura o exilios forzados, como sucedió con Gabriel Gahona “Picheta”, quien fue enrolado en el Ejército para aplacar su pluma, o como con Ernesto “El Chango” García Cabral, quien fue becado a París por el gobierno de Francisco I. Madero, gobernante harto ya de la sátira que de él y su esposa hacía el fenomenal ilustrador.

Previo y posterior a la Revolución, la caricatura política de protesta juega un papel importantísimo en lo que queda de la prensa subversiva ante la mayoría de una prensa al servicio del Gobierno. Con las campañas alfabetizadoras que se dan en México a partir de 1922 (iniciadas por José Vasconcelos, al frente de la SEP) y sucesivamente, en un par de décadas el número de mexicanos alfabetizados supera el de iletrados, aunque la lectura continúa siendo un acto prácticamente elitista.

Dentro de ese escenario la aparición de Paquín, la primera publicación mexicana dedicada exclusivamente a presentar historieta (seguida por Pepín, Chamaco y otras), viene a romper con esa barrera en la lectura, pues se trata de literatura al alcance de todos gracias a sus tirajes millonarios, y su costo y lenguaje accesible.

Como el dibujante Ramón Valdiosero lo explica en el tomo II de Puros Cuentos (Grijalbo/Conaculta, 1993), heroica investigación de Juan Manuel Aurrecoechea y Armando Bartra: “Mucha gente aprendió a leer para entender los pepines. El resorte fue querer saber lo que decían los monos; porque el que leía le platicaba al otro: ‘Mira mano, éste es el que domestica al toro para que mate a Joselito’, y pues se ponían a leer”. Y entre las páginas de estas publicaciones, entre los melodramas de Yolanda Vargas Dulché, Antonio Gutiérrez y Guillermo de la Parra (Yesenia, Ladronzuela, Geisha), el thriller de barrio bajo de José G. Cruz (Ventarrón, Doctor Benton, Santo, el enmascarado de plata), la socarrona comedia costumbrista de Gabriel Vargas (La familia Burrón), y las variaciones nacionales a mitos yanquis por Joaquín Cervantes Bassoco (Wama), Sealtiel Alatriste (Escuadro 201), entre muchos otros autores y obras más, es que en las páginas de estas publicaciones se cuelan, como si fueran misterymen, protosuperhéroes, tanto los mitos como los hechos de la Revolución.

Yo soy Villa, Pancho Villa

Es en 1936 cuando las andanzas de Doroteo Arango y su alter ego, Pancho Villa, se refractan en las páginas de la historieta y encuentran continuación heroica. Tras su exitoso paso por literatura y cine, Villa asume de forma natural su nuevo escenario y, bajo la pluma de Elías Torres y los dibujos de Ignacio Sierra, deviene aventurero inmortal en las páginas de Sucesos para todos, publicación de Editorial Sayrols. Ahí, como se documenta en Puros Cuentos, el periodismo interpretativo está a la orden del día encontrando, incluso, respuestas a enigmas históricos; y es así que vemos, por ejemplo, a Ambroce Bierce morir bajo la pólvora de los soldados de Villa, cuando el escritor estadounidense le revela al centauro del Norte su intención de pasarse a las filas de Carranza, pues ya está cansado de andar con ‘bandidos’.

La figura y andanzas de Villa es material puesto para la hipérbole de la historieta mexicana y extranjera. Es, tal vez, la figura de la Revolución más rentable en la historieta, y así lo demuestran títulos como Pancho Villa su vida y anécdotas, en los 50; Hechos reales de Villa y sus Dorados, en los 60; y sus diversas participaciones en títulos dedicados a la Revolución o a la vida de personajes célebres, como Vidas ilustres, publicado por EDAR y Biografías Selectas, de Editorial Argumentos, durante los 70; Por favor… , de Editorial CITEM y ¿Quién fue?, de editorial Vid, en los años 80. Aunque no sin prejuicios, su fama llegó hasta las páginas del cómic extranjero, como en el caso de Pancho Villa, editado por el sello estadounidense Avon en 1950, a un precio de 10 centavos de dólar, y en el que se lee en la portada: “Mexico’s No. 1 Bandit”; o en la peculiar serie inglesa publicada por L. Miller & Son Ltd. También a mitad del siglo pasado y que parece sobrepasó los 50 números, Pancho Villa, The Robin Hood of Mexico, a un precio de seis peniques.

Ya en menor medida, multitud de insurgentes y revolucionarios poblaron los episodios de algunos de los títulos mencionados, junto a otros como Mujeres célebres, Episodios reales de la Revolución y Hombres y héroes.

Del desenfreno a la educación histórica

Otro caso peculiar de la Revolución en la historieta, aunque no tan multiforme como el de Villa, es el de la mítica mujer revolucionaria que en Adelita y las guerrillas (“El semanario de la aventura y la emoción”, anunciaba en portada), historieta realizada y publicada por José G. Cruz durante buena parte de los años 50, donde pasa de simple soldadera a toda una aventurera cosmopolita que derriba las barreras del tiempo: centradas en Jalisco durante la década de los 30, las aventuras de esta mujer la pueden ubicar con Victoriano Huerta o enfrentar con gangsters de la prohibición estadounidense, la llevan a aliarse con Juan sin Miedo o a enamorarse del Charro Negro. Como es de esperarse, la imaginación sin concesiones de Cruz consolida una narrativa intensa, barroca e inolvidable.

Pero no todo fue desenfreno en la historieta mexicana sobre la Independencia y La Revolución. Si los mismos paquines, pepines, chamacos, muñequitas y demás tempranas historietas sirvieron en México para fortalecer la alfabetización en la temprana nación mexica, la misma crónica de estos eventos en el formato de la historieta sirvió para continuar con los esfuerzos educativos y culturales de la SEP durante los años 70, con la revista Relámpago (que se vendía en los Centros de Alfabetización a 20 centavos, 80 por debajo de su precio en puesto de periódicos), y en los 80 con la realización del sobresaliente proyecto de México. Historia de un pueblo, una colección de 20 novelas gráficas de 80 páginas cada una, publicadas entre 1980 y 1981, y que cronicaban nuestra historia desde la llegada de los españoles, hasta el final de la Revolución. Este esfuerzo editorial compartido entre la SEP y la Editorial Nueva Imagen estuvo a cargo de Paco Ignacio Taibo II y Sealtiel Alatriste Lozano, este último, escritor quien inclusive realizó el guión del volumen “La rebelión de Canek”, ilustrado por su padre, el dibujante Sealtiel Alatriste Batalla. México. Historia de un pueblo, permanece como un esfuerzo sobresaliente de investigación, realización y producción dentro del medio nacional, en el que colaboraron una buena cantidad de escritores y especialistas, al lado de profesionales de la historieta mexicana, como Rafael Gallur, Ángel Mora y Antonio Cardoso, y extranjeros como el argentino Leo Duranona.

Por supuesto, durante los 60 y 70, también está muy presente el trabajo informativo y analítico realizado por Rius, en las páginas de Los Supermachos y Los Agachados. Entre los cientos de temas abordados por este historietista no faltó su acercamiento a estos eventos desde diversos puntos de vista y aspectos. Desde la exaltación de algunos personajes históricos (y la reprobación de otros) hasta la pregunta de si la Independencia y la Revolución fueron efectivas, en el discurso de Rius se encontró un importante bastión del periodismo crítico durante aquellos años.

Un festejo incierto

Y tras esta nutrida oferta de historieta histórica en México, ¿cuáles han sido los acontecimientos recientes?

Pues como sucede con el resto de historieta mexicana al momento: no hay mucha oferta, pero ahí parecen asomarse algunos esfuerzos. Desde febrero de 2009 se anunció un proyecto que la Comisión de Apoyo a los Festejos del Bicentenario de la Independencia y del Centenario de la Revolución de la Cámara de Diputados propuso a la SEP, para realizar diez cómics, cinco para la Independencia y cinco para la Revolución, destinados a los niños de primaria.

Y el otro es la Serie Bicentenario, un proyecto iniciado por el dibujante José Luis Pescador y que aparentemente estará conformado por 12 historietas (cada una centrada en un personaje clave de estos sucesos, y de ahí desarrollando la crónica) que comenzarán a distribuirse en mayo. El proyecto está apoyado por varias instancias, como la Universidad Iberoamericana de León y el Ayuntamiento del mismo Estado, por lo que inicialmente se distribuirá en esa área [hasta el momento ignoro si este trabajo puede conseguirse fuera de León]. Este proyecto reúne igualmente a escritores como Paco Ignacio Taibo II, José Luis Palou y F. G. Haghenbeck, e historietistas como Edgar Clément y Federico Blee.

¿Habrá otros proyectos en historieta que se concreten para este festejo? ¿Se consumarán estos que han sido cantados? ¿Estarán listos antes de estos festejos, o serán para las próximas conmemoraciones? ¿Qué futuro le depara a la historieta mexicana? [Tras la publicación de este texto, me llegó una publicación que desconocía: Nueva Historia Mínima de México, y que comentaré en el siguiente post]

¿Continuará?

*Este texto se publicó originalmente en el suplemento El Ángel, del diario Reforma, el domingo 22 de agosto.

Burroughs y la Novela Palabra/Imagen

2010-09-11T16:15:00.000-07:00

A veces son tantas las cosas que uno desea, que en ocasiones se olvida de unas por otras. Caso en concreto: en ocasiones me acuerdo de buscar en algún sitio de internet alguna copia de The Unspeakable Mr. Hart, novela gráfica escrita por William S. Burroughs e ilustrada por el inglés Malcolm McNeill; pero obviamente se trata de un objeto difícil de conseguir y, seguramente, no debe de andar en un precio muy módico.

Ya tenía un rato de no recordar este trabajo, pero ahora me entero que Fantagraphics Books ha obtenido los derechos para reeditar esta obra, con un interesante agregado. A continuación, parte del boletín.

“Esta obra maestra será publicada en el verano de 2011, en un espectacular paquete de dos volúmenes: Ah Pook is Here, junto con Observed While Falling, que es la memoria escrita de McNeill documentando su colaboración con este icónico autor”.

“Ah Pook Is Here se editó por primera vez en 1970, bajo el título de The Unspeakanle Mr. Hart, como una tira mensual en la revista inglesa Cyclops. Cuando la publicación se canceló, Burroughs y Mcneill decidieron desarrollar el proyecto hacia algo más extenso, como una Novela Palabra/Imagen (Word/Image Novel, el término Novela Gráfica aún no había sido creado). Burroughs entonces contaba con 56 años de edad, y McNeill con 23".

"El libro fue concebido como una sola ilustración por página, en la que texto e imágenes fueran combinadas en cualquier forma que pareciera apropiada a la narrativa. Se completó como 120 páginas continúas que se desplegaran. Un libro como ese, en su momento, no tenía precedentes y, por tanto, ningún editor quiso aventurarse a publicarlo como una “novela gráfica”. De esa forma, sus autores abandonaron el proyecto durante 7 años”.

"Ah Pook Is Here se trata de una consideración acerca del tiempo con respecto a sus diferentes percepciones, tanto de los antiguos mayas como la del pensamiento común en el actual mundo anglosajón. Burroughs consideraba que estás dos visiones resultan en un sistema de control en el que la élite perpetúa sus agendas a costa de la gente. Ellos crean el tiempo para ellos y, a través de medidas de control en constante crecimiento, intentan prolongar el proceso indefinidamente".

"Este libro fue un experimento, no sólo en términos de la forma en que fue expresada la idea, sino también en los efectos posibles que pueda producir la forma. A través de su carrera, Burroughs estuvo interesado con la forma fundamental de las palabras y las imágenes, particularmente con respecto a su habilidad para trascender el tiempo. En el caso de Ah Pook Is Here, la colaboración entre el artista y el escritor produce resultados que confirman la consideración del escritor. Este libro es esa clase de extrapolación, de proeza futurista de la imaginación que el lector puede esperar del autor de obras como Nova Express y The Ticket That Exploded."

Tenemos tiempo para ahorrar de aquí al 2011.

Peepo Choo

2010-08-27T12:32:00.000-07:00

Peepo Choo Volume 1, de Felipe Smith
Vertical Inc.
13 dólares

Peepo Choo aparece casi de la nada. Digo casi, porque a pesar de que poca gente en Norteamérica sepa de esta obra, en Japón fue publicada por la mismísima Kodansha en 2009. Peepo Choo es un manga extraño: se trata de un manga realizado para el mercado japonés por un historietista no japonés: Felipe Smith, de nacionalidad argentina; y quien, hasta antes de Peepo Choo, sólo había realizado una serie manga para el mercado estadounidense: MBQ, publicada por TokyoPop.

A pesar de la gran recepción en general del manga en la escena gringa, han sido muy pocos los autores occidentales que han colaborado directamente en el mercado asiático. Al momento recuerdo a Paul Pope (autor de THB y Heavy Liquid), quien durante la segunda mitad de los 90 trabajó para la misma Kodansha; y a Jerry Robinson (cocreador de Robin y otras menudencias de Batman), quien a finales de la misma década escribió Astra, para el mangaka Shojin Tanaka.

Y así, llegamos al caso de Smith, quien resulta una anomalía en este tenor, pues prácticamente no contaba con algo del todo sobresaliente, como para que fuera invitado a crear para un mercado tan peculiar, como el japonés.

El caso es que Smith, fue invitado por el sello nipón y, tras un proceso de adaptación de su parte a ciertos esquemas del manga (chequen aquí esta interesante entrevista con Smith), comenzó a realizar su primera serie para el mercado japonés. Y ahora, tras más de un año de que fue serializada en Japón en la revista Morning Two, ha comenzado a ser recopilado en Estados Unidos por el sello Vertical, hasta el momento ya con el volumen 1, de 3, publicado.

En Peepo Choo, Smith ofrece una mirada socarrona y estrambótica sobre la escena del manga y de los otaku, vista desde una perspectiva occidental, y sin dejar de lado, la crítica y burla a los fanboys del cómic de superhéroes (¿quién dijo yo?). Protagoniza Milton, un chavillo africoamericano que en apariencia vive su vida normal, entre una familia de clase media y numerosa y una escuela en la que pone el mejor rostro de cara dura, según su círculo social. Sin embargo, llegada la hora, Milton se deshace de este ‘disfraz’ para vestirse con sus ropas ‘normales’ que hacen alusión a Peepo Choo, un animalejo protagonista de una caricatura japonesa, que prácticamente comunica ideas entre cortadas y hace sólo estupideces.

Así, Milton se transforma absolutamente, y pasa de ser una especie de gangsta juvenil a un otaku baboso que se contorsiona de forma increíble, en un constante esfuerzo por reproducir la estúpida actitud del mentado Peepo Choo. Esta vida de closet, Milton solamente la deja salir en la tienda de cómics Enyo’s Game, donde trabaja de forma gratuita por el simple gusto de laborar en un espacio donde se siente bien, y a pesar de las vejaciones que le imparte Jody, el encargado del lugar y quien explota sin vergüenza alguna a Milton.

Y aunque el viacrucis existencial de Milton es el eje de este manga, a la par se desarrollan y se entrecruzan historias alternas de mercenarios, sangre y drogas, en Estados Unidos y Japón: Miltón ha resultado ‘ganador’ de un concurso que abrió la tienda de cómics, para viajar a Japón, el sueño más húmedo de cualquier otaku (de cualquier forma, quién no desearía conocer Japón); pero su llegada a la tierra del manga, al lado de Jody y el dueño de la tienda, promete convertirse en un accidentado choque de culturas, necesidades y sueños mal correspondidos.

La narrativa de Smith, en ocasiones, parece tratarse de una acumulación de detalles y situaciones (a lo cual también ayuda el trazo de Smith, lleno de detalles grotescos); pero conforme avanza la historia, nuestros cerebro y ojos se aclimatan, y recordamos entonces la naturaleza un tanto cifrada de la narrativa tan socorrida en el mundo audiovisual actual de Japón, entonces, bien refractado en Peepo Choo.

Peepo Choo así, es el espectáculo del grotesco ajeno (y como reflejo del mismo lector metido en esto) en el que, por igual, cabe la obsesión infantil por los personajes televisivos, la fantasía masturbatoria del adolescente inquieto y la realidad sangrienta del adulto amoral. Es decir, se trata de un manga muy divertido, aunque no para todos los gustos.

Gabinete Gráfico JODOROWSKY

2010-08-25T09:42:00.000-07:00

Dentro de una semana, exactamente, en el Museo Carrillo Gil será inaugurada la exposición Gabinete Gráfico JODOROWSKY, una muestra curada por Angélica García, de quien ya en 2005 se publicó la valiosa investigación en CD Rom: El teatro pánico. Alejandro Jodorowsky en México, así como el video documental El teatro pánico de Alejandro Jodorowsky (publicados por el Conaculta).

En esta muestra se ha reunido un rico abanico de la obra gráfica creada por Jodorowsky en solitario o en colaboración, desde las Fábulas Pánicas y Aníbal 5 en México, hasta su reciente inicio del cierre de la saga de El Incal, dibujada por el veracruzano Omar Ladronn, en Francia. Por supuesto, pasando por su encuentro con Moebius y toda la comitiva de artistas franceses, así como peculiares publicaciones dirigidas por él durante sus estancias en México, como Crononauta o Sucesos para todos. Sobra decir que este esfuerzo de Angélica, amparado por el Carrillo Gil, es una oportunidad irrepetible para conocer un importantísimo aspecto de la obra de Jodorowsky que, curiosamente, en México y el mundo ha sido opacado por sus filmes y sus investigaciones en el Tarot.

La muestra, así, se compone de publicaciones y memorabilia que van desde ejemplares de Aníbal 5 hasta originales de las Fábulas Pánicas y diseños de personajes para la malograda adaptación de Dunas, material que ha sido reunido con el apoyo de coleccionistas como Pedro Barrios, José Miguel Alva Marquina y quien escribe estas líneas.

La verdad, me parece que se trata de un suceso importante, así que ahí está la invitación para que no falten el miércoles 1º de septiembre, a las 20:00 horas, en el Museo Carrillo Gil (y para que el jueves 30 de septiembre, en el mismo lugar, asistan a la mesa redonda en la que estaremos Angélica, yo y otros especialistas pánicos) Les dejo un texto que hace cuatro años escribí para la revista Playboy, para conmemorar cuarenta años de la creación de Aníbal 5.

Alexandro Jodorowsky, místico, artista e intelectual, en México y el mundo permanece como figura subversiva del teatro y el cine devenida en teórico del Tarot. Pero en las últimas tres décadas se ha mantenido activo en una disciplina que le ha permitido llevar su pensamiento a todos los lugares donde el resto de su obra no había filtrado y, sobre todo, se trata de la disciplina que le ha permitido subsistir, a estas alturas, ya bastante bien.

La historieta ha sido para Jodorowsky el feliz producto de un desencanto: “el fracaso es un invento mental, no existe. Lo llamaremos cambio de camino”. Se trata del gusano que deja de arrastrarse para emprender un vuelo psicodélico; la historieta es, a final de cuentas, la chispa de imaginación que de la nada produce todo lo inimaginable y más en la mente de Jodorowsky.

Ya lo ha contado en repetidas ocasiones en sus memorias librescas: cuando preparaba la adaptación fílmica al Dune de Frank Herbert, proyecto sin precedente en su momento (1974-76), ya con Dan O’Bannon, H. R. Giger y Moebius (trabajando en los diseños y los efectos especiales); con los geniecillos de Pink Floyd (apalabrados para imaginar las atmósferas sonoras de los distintos planetas en la historia); y con Salvador Dalí y Orson Welles (respectivamente, como el demente Emperador de la Galaxia y el Barón Harkonnen); con dos años de trabajo a cuestas, de repente el productor llegó y dijo que ya no se iba a hacer nada. No pocos fueron a quienes la decepción melló profundamente (Dan O’Bannon tuvo que recibir apoyo psiquiátrico durante dos años, previo a su trabajo en Alien). Jodorowsky, junto con Moebius, decidió tomar ese ‘cambio de camino’ y aventurarse en la bande desinée, la historieta, con un primer esfuerzo que se llamaría L’Incal, y el cual se traduciría en un nuevo logro del medio y una posibilidad concreta para el autor por desarrollar su discurso filosófico y místico.

Pero aunque ese fue el inicio de una de las sagas fantásticas más celebres contemporáneas, no se trata del primer acercamiento del artista chileno a la historieta.

Es obvio que Jodorowsky desde niño fue un ávido lector de historieta en su natal Chile, y posteriormente en Francia y México, lugares donde llevó y trajo su ‘comicteca’, una posesión material que por sus años locos en México presumía alegremente en sus entrevistas.

Su interés e inmersión en los mundos y posibilidades narrativas y discursivas de la historieta, poco a poco, se fueron haciendo patentes en diversos ensayos y artículos en los que la flexibilidad del medios historietístico componía la musa perfecta para que la incisiva imaginación de Jodorowsky mostrara percepciones realmente peculiares.

Y ese inquieto y, llamémosle, psicodélico-místico sello autoral pudo ser, por vez primera, desarrollado en Aníbal 5 hace cuarenta años en México.

En una entrevista este fundador del movimiento Pánico me comentó que uno de los editores de Novaro era fanático de sus happenings, y le propuso entonces realizar un cómic. Bajo el sello de Editorial Temporae, y con fecha de portada de 1º de octubre de 1966, se editó el primer número de Aníbal 5, la fantástica historia de un ciborg al servicio de la Asociación Latinoamericana de Defensa (ALAD), precedida por un gordo con dos cerebros y que se alimenta de bombones.

Jorge Rivero sirvió como modelo del personaje e, incluso, apareció en las portadas de los cinco primeros números. Fue con el número seis, cuando el dibujo de la portada le causó cierto duda a los editores, y al recorrer las paginas se encontraron con Aníbal combatiendo un ejército de canguros risueños bajo las órdenes del Gran Padre Canguro, un anciano vestido de niño, y su madre, un robot espantoso. Al final, Aníbal se enfrenta a un ejército de momias amorosas, mientras Jodorowsky y Juan Moro, el dibujante, discuten entre las viñetas la pertinencia de tales estrambótica historias. El cómic logró salir durante seis quincenas, antes de que los editores lo cancelaran.

Sin duda, el lado más dadaísta de Jodorowsky estuvo presente en aquel trabajo y, aunque hoy día este título está prácticamente olvidado, compone el inicio de lo que se convertiría en una de las mentalidades más libres y geniales que desde la historieta han podido atestiguarse.

H. P. L.: 120 años

2010-08-20T10:05:00.000-07:00

Pensar en que Howard Philllips Lovecraft pobló este planeta hace un siglo, entre el 20 de agosto de 1890 y el 15 de marzo de 1937, me emociona y me entristece por igual. Me emociona porque se trata de un creador con el que compartí el mismo siglo y porque leí su obra en el mismo, pero me entristece porque no me tocó vivir exactamente su época y, por tanto, no pude conocerlo en su momento. Pero aunque hubiera corrido con la suerte de vivir por aquellos años, prácticamente habría sido imposible que lo conociera porque, como sabemos, fue hasta después de su muerte que su obra comenzó a conocerse en su propio país, y mucho después en el extranjero.

Así que, aceptémoslo, así tenía que ser. Porque Lovecraft fue un ermitaño dentro de la sociedad, fue un extraño en un mundo extraño, fue un iluminado que tradujo la incertidumbre existencial en ficción, legando una apreciación ―me parece― central a nuestro acomodo humano actual en el Universo. Eso no es nada sencillo y, supongo, para lograrlo debe hacerse cierto sacrificio: Lovecraft fue un hombre sacrificado en muchos aspectos.

La prosa de Lovecraft ―sus ideas, entonces― es la voz de un sentimiento de alienación ante la vida, que nos recuerda que, efectivamente, somos expulsados a la vida por nuestros padres y, si corremos con suerte, seremos sepultados por seres queridos… pero todo lo de en medio lo haremos en solitario, y frente a un Universo que, prácticamente, ni siquiera ha reparado en nuestra existencia y esfuerzo: somos producto del azar y, como tales, sin un papel real en la comedia del Universo.

Pero esta incertidumbre bendita que nos ha hecho abrir los ojos, igualmente nos ha legado otro tipo de placeres: aquellos tras expectar la obra de diversos autores inspirados por H. P. L. Robert E. Howard, Robert Bloch, Ramsey Campbell, Black Sabbath, Swamp Thing, H. R. Giger, Alien, Alan Moore, Re-Animator, Metallica, Alberto Breccia, Richard Corben, The Evil Dead, Hellboy, Junji Ito…

Hoy, a 120 años del nacimiento del nigromante de Providence, lo reverencio y le agradezco su legado.

Comikaze, Kalimán y Macabro 2010

2010-08-18T10:39:00.000-07:00

La semana pasada nos encontramos con la muy buena noticia de que la revista Comikaze ha sido una de las ganadoras del Programa “Edmundo Valadés” de Apoyo a la Edición de Revistas Independientes, brindado por el Conaculta.

Esta publicación editada de manera heroica por Jorge Tovalín, Everardo Ferrer y J. David Méndez (apoyados por un grupo de colaboradores, entre los que me encuentro) durante dos años ha presentado 9 números en los que se han volcado una buena cantidad de investigaciones y descubrimientos sobre nuestro amado arte secuencial. Durante esos dos años, sus editores realizaron esta publicación con su propio esfuerzo económico y tenacidad que sólo la pasión y el verdadero interés por un arte pueden lograr. Este ímpetu encontró respuesta entre los colaboradores y lectores, y ahora vemos que este esfuerzo ha sido reconocido por una instancia cultural oficial.

Jorge Tovalín ha comentado que la revista Cenizas (de narrativa gráfica), editada por Santiago Fernández, ganó esta beca igualmente hace algunos años. Y entre otros, recuerdo que en su momento el propio Edgar Clément recibió el Apoyo a Jóvenes Creadores del Fonca, para culminar su clásico Operación Bolívar. Si bien, éste último reconocimiento no pertenece al mismo programa, sí es uno de varios que general el mismo Conaculta, aunque me parece que en años recientes ya no aceptan propuesta de narrativa gráfica dentro de sus categorías.

Quienes hemos construido a partir de proyectos independientes sabemos de la dificultad de generarlos y cumplirlos. Ahora con este apoyo, se asegura la publicación de esta revista durante el siguiente año, lo cual sólo nos impulsa a todos los involucrados a continuar con más energía.

El número de octubre será el primero en contar ya con el apoyo de esta beca.

¡Enhorabuena!

-Un proyecto interesante surgido del festival Mórbido ha sido la reactivación del universo de Kalimán, como un proyecto multimedia. Tras un vericueto legal, la marca Super Héroes S. A. de C. V., que ahora posee los derechos de explotación de este personaje, realizará alianza con dicho festival para el proyecto de un filme –esperemos- en el futuro próximo. Por el momento ha sido ya activada la página oficial, donde podrán verse diseños del nuevo concepto del personaje, así como la posibilidad de leer diversas historietas antiguas del personaje y escuchar el popular serial radiofónico. Serenidad y paciencia para esperar la realización del filme.

-Mañana, jueves 19 de agosto en Cineteca Nacional, arranca la 9ª edición del festival de horror en cine y video Macabro 2010. La inauguración es a las 19:30, con la exhibición del filme mexicano Somos lo que hay (Jorge Michel Grau, 2010), y pueden ir al sitio del festival, para imprimir su invitación. Sobra decir que es más que recomendable que asistan a las funciones de este festival pues, en verdad, habrá filmes muy sabrosos (pueden checar todas las sedes y funciones en el sitio). Además de la retrospectiva del maestro checo de la animación subversiva Jan Svankmajer (están sus cinco largometrajes: Alice, Fausto, Conspiradores del placer, El pequeño Otik y Lunacy), se presentarán filmes como Vampire Girl Vs. Frankenstein Girl (Yoshihiro Nishimura y Naoyuki Tomomatsu, Japón, 2009), Vida y muerte de una banda porno (Mladen Dordevic, Serbia, 2009), I Sell the Dead (Glen Mcquaid, Estados Unidos, 2008), Zone of the Dead (Milan Todorovic, Serbia-Italia-España, 2009) y el estreno del documental sobre el maestro Juan López Moctezuma: Retrato de un vampiro (Ulises Guzmán, México, 2010). He de agregar que además de, por supuesto varios filmes más de interés, el martes 24, al final del programa de cortometrajes Mad Mex 2010, que inicia a las 16:30 (y para el cual deben pagar su boleto, he de avisar para que no se den confusiones), se realizará la última (lo prometo) presentación de mis libros La imagen reptante: H. P. Lovecraft y el cómic mundial y Alan Moore y su obra: Realidades construidas. Así que para los interesados, ahí está la invitación.

*Vayan a Ojos bien abiertos, para que chequen un texto sobre Jan Svankmajer.

Twisted Tales y otras historias retorcidas

2010-08-12T17:13:00.000-07:00

-Alguna vez se han puesto a pensar la gran cantidad de información que se genera desde la Comic-Con; que la información que se nos transmite a través de medios debe ser mínima en comparación a la que germina durante este evento. Pues fue así que, en medio de información poco interesante de las grandes editoriales, y más de una semana después de terminado este evento, en el sitio www.comicbookresources.com, subieron una nota de la conferencia de prensa de los RAW Studios (cuyos dueños son el actor Thomas Jane, el escritor Steve Niles y el dibujantes Tim Brandstreet), donde se anunció que este sello (que hace unos años publicó las miniseries de ciencia ficción y horror Bad Planet y Aliens Pig Farm) se encargará de reeditar las series Twisted Tales y Aliens Worlds. Estos títulos originalmente fueron publicados por Pacific y Eclipse Comics a mediados de los 80, y se trataron de extraordinarias antologías de cómics de CF y Terror; en éstas participaron innumerables y sobresalientes dibujantes (algunos nombres: Steve Bissette, Richard Corben, Bernie Wrightson, John Bolton, Tanino Liberatore, Dave Stevens, Tom Yeates, William Stout…), y todos ilustrando historias muy buenas firmadas por el maestro Bruce Jones, quien igualmente llego a ilustrar algunas de ellas. Jones es uno de los grandes guionistas y dibujantes (su estilos es reminiscente del trazo clásico de Al Williamson), desconocidos por una gran cantidad de lectores. Su más reciente trabajo en historieta fue hace cosa de cuatro años, cuando guionizó The Incredible Hulk, convirtiéndolo en un intenso estudio psicológico que, me parece, resta que sea redescubierto y valorado. Durante la conferencia (en la cual estuvieron los mencionados Jane, Niles y Bradstreet e, imagínense, ¡Bernie Wrightson, Bruce Jones y William Stout!) igualmente se dijo que se está trabajando en una serie televisiva de Twisted Tales, lo cual suena fenomenal. Sin duda, que estas historias sean rescatadas y puestas para nuevas generaciones me parece un regalo de la vida.

-Hace siete años desapareció Novedades Editores y, desde entonces, una serie de problemas legales y de contrato se sumaron a los que de por sí ya padecían los historietistas que trabajaban para dicha editorial. Desde hace un año, los historietistas dejaron de recibir sus pagos semanales, razón por lo cual ya han puesto una demanda en la Junta de Conciliación y Arbitraje en contra de la editorial mencionada. Naturalmente no ha habido respuesta algunas a sus demandas, y es por es razón que el día mañana, 13 de agosto, los llamados Trabajadores historietistas de "Nueva Impresora Editorial", S. A. de C. V. convocan a lo siguiente:

“Invitamos a todo el pueblo en general, a los trabajadores, críticos, historietistas, aficionados, lectores y fans de historietas, a nuestra primera marcha- mítin que se celebrará el próximo día viernes 13 de agosto, a las 10 a. m. frente a lo que era el periódico Novedades, situado entre Balderas y Morelos, Centro Histórico de la Ciudad de México. Después de un mítin aquí, marcharemos a la Junta Local de Conciliación y Arbitraje, en Río de la Loza”.

Informados están.

De Innsmouth a La Viga

2010-08-03T10:00:00.000-07:00

Este mes, el día 20, se cumplen 120 años del natalicio de H. P. L. Estas siglas que de forma natural bien podrían significar pesadilla, pertenecen a Howard Phillips Lovecraft, autor nigromante nacido en Providence, y quien desde hace ocho décadas ha influido nuestra cultura pop con su oscura e inolvidable obra.

Prácticamente, como preámbulo a la celebración de este aniversario, el maestro tapatío Guillermo del Toro ha destapado su próximo gran proyecto: la esperada adaptación a At the Mountains of Madness, de H. P. L. En construcción desde hace una década y salivada por miles de entusiastas, esta adaptación se anuncia como un suceso extraordinario, que contará con el apoyo en la producción y técnico de James Cameron, pues este filme de terrores, desesperanza y emoción, será realizado en 3D.

Y para comenzar con energía esta celebración, este jueves 5 de agosto en el Circo Volador (Calzada de la Viga 146, a un par de cuadras del Viaducto) se llevará a cabo un Homenaje a Lovecraft, llamado De Innsmouth a La Viga.

Organizado por el Libro Club del Circo Volador (que de hecho por nombre lleva H. P. Lovecraft) y la Revista Comikaze, esta celebración se compondrá de las presentaciones de los libros Lovecraftiana (David Monroy reúne varios textos y ensayos sobre el horror, el terror y la violencia), Howard Phillips Lovecraft: Un tributo mexicano (una antología mexicana de cuentos y textos inspirados en Lovecraft, armada por Carlos Camaleón), La imagen Reptante: H. P. Lovecraft y el cómic mundial (ensayo que firmo, sobre la relación de la historieta con la obra de H. P. L.), así como la presentación del número 9 de la revista Comikaze, que está dedicada al soñador de Providence. Además se proyectará la película Cast a Deadly Spell (Martin Campbell, 1991), una aventura del detective Lovecraft, y Rodrigo Vidal Tamayo hablará sobre el cine inspirado en Lovecraft.

Ah, por cierto, este miércoles 4 de agosto, en punto de las 23:30 horas, en Reactor 105.7 FM, se hablará sobre este evento en el programa Tolerancia Zero, y al cual hemos sido invitados Ferrer, Camaléon, Vidal y Yours Truly. Ahí nos escuchamos.

Todo este aquelarre comenzará a partir de las 16 horas, y la entrada es libre. Están informados.

Reseñas: Twin Spica Vol.2 y Chi's Sweet home

2010-07-29T14:35:00.000-07:00

Hace cosa de un mes reseñé el primer volumen de Twin Spica. De Vertical Inc., el sello que edita este manga seinen (dirigido especialmente a jóvenes), me enviaron copias del volumen 2 de esta serie, así como del primero de Chi’s Sweet Home, obras que difícilmente habrían llegado a mis manos de otra forma. Ambos han resultado una lectura muy recomendable (a pesar de no encontrarme dentro del target, y tener ya gustos distintos a este tipo de lecturas) que, de hecho, el pasado fin de semana (durante la Comic-Con en una mesa de especialistas en manga) fueron nombrados entre las 5 mejores lecturas actuales en manga para lectores jóvenes, y a continuación hago los comenatrios pertinentes.

Ya en la reseña del volumen 1 de Twin Spica (que aquí pueden leer) subrayaba el rico tejido de historias y exploraciones que Kou Yaginuma, el mangaka de esta obra, presentaba tanto como un reflejo del impulso tecnológico en Japón e, igualmente, como de las historias que alrededor de esto pueden producirse. Asumi, la adolescente protagonista de esta historia, ya dejó el trance del examen de admisión a la Escuela Espacial de Tokio para, en este volumen 2, comenzar su transición hacia la misma escuela, y dejar el hogar que compartía con su padre.

La licenciatura espacial resulta ser una carrera para gente pudiente y con buenas palancas. Asumi no posee el dinero necesario, ni las palancas necesarias (por el contrario, un profesor de la escuela parece tener una diferencia central con el padre de ella), ni –parece- la estatura necesaria: desde la cascada de carcajadas cuando se prueba un traje espacial del cual apenas se asoma su cabeza hasta la necesidad de buscarse un trabajo para su manutención, la protagonista se encuentra como una extraña en un mundo extraño, aunque con toda la disposición del universo y, sobre todo, capacidades y conocimiento.

Twin Spica tiene la evolución melodramática, casi épica, natural al culebrón japonés de animación y manga, aunque la dilatación del tiempo no es tan marcada. En ese aspecto, se trata de un manga un poco más económico en su manejo del tiempo, por lo que parece estar acaso más cerca del estilo occidental.

En Twin Spica, las preocupaciones existenciales, escolares y familiares poseen una fuerza y un realismo logrado, cuya trascendencia encuentra resultados que involucran, literalmente, al espacio y al tiempo.

Las historietas protagonizadas por animales, en su mayoría, se tratan de caricaturas de nuestra vida con animales antropomorfos como elenco; es decir, se humaniza a los animales para que hablen y discutan sobre temas que no les competen, o para que sean parte de historias fantásticas o de aventuras.

Una excepción aparecida ya hace algunos años, y directa de Japón precisamente, fue Gon, manga realizado por Masashi Tanaka en el que un dinosaurio perdido en el tiempo y con una estatura de pigmeo vive aventuras salvajes a través del mundo. Este cómic sin diálogo alguno, de ejecución extraordinaria, y de una intensidad y originalidad apabullantes, presentó un sorprendente acercamiento al mundo animal, prácticamente en primera persona, y a pesar de las circunstancias extraordinarias del protagonista.

Menciono esto, porque Chi’s Sweet Home, el nuevo lanzamiento de Vertical Inc. es igualmente un acercamiento a la ‘psique’ animal, sólo que en tono cute (bonito) para niños y niñas, además de que aquí sí están presentes una buana cantidad de diálogos de la familia, así como la aparición de los pensamientos de la gatita.

Chi es el nombre que se le ha dado a una gatita adoptada por una familia tras perder a su madre (la razón del nombre es muy curiosa, pues el pequeño niño de la familia utiliza esa palabra cuando avisa que debe orinar, entre diversas circunstancias de confusión la gatita comienza a identificarse con ese vocablo, hasta que ya se le queda ese nombre), este nuevo miembro de la familia tiene que pasar por diversas etapas de adaptación, pues a la familia se le tiene prohibido tener animales, y a la gata le cuesta entender la ausencia de su madre y su nueva situación hogareña.

El caso es que Konami Kanata, el autor de este manga, demuestra un talento especial para cronicar la vida de esta gatita blanco con gris, desde la misma perspectiva y percepción de este animal, y construyendo un universo bien marcado (aquí los fondos blancos y la ausencia de detalle, tan común en las tiras e historietas de animales, dan paso a interesantes encuadres y un trabajo bien estudiado de ubicación. De hecho, al final de este primer volumen, se presenta un plano de la casa en la que habita Chi junto a la familia Yamada).

Chi's Sweet Home, se trata de un manga dirigido a los niños, pero que captura por igual a los lectores adultos ante su sorprendente detalle y la sobresaliente inmersión de Kanata en la mente gatuna.

Presentación y venta por correo de libros de Lovecraft y Moore

2010-07-26T14:43:00.000-07:00

Como la Comic-Con de este año estuvo bien aburrida (sólo lo digo porque no fui), no me queda más que invitarlos nuevamente el próximo domingo 31 de agosto, a las 15:00 horas, en Comicastle Esmeralda, en Calzada del Hueso (si vienen de Coapa sobre esta avenida, crucen Eje 3 y dos cuadras después está; si vienen sobre Eje 3, den vuelta sobre Calzada del Hueso rumbo a la UAM Xochimilco y pasen las dos cuadras), para la nueva presentación de La imagen Reptante: H. P. Lovecraft y el cómic mundial y Alan Moore y su obra: Realidades construidas. Libros ya comentados ampliamente en este espacio.

Y si no tienen el chance de asistir, pero quieren los libros, envíenme un correo a rorsachs@hotmail.com , para que les diga en qué cuenta deben hacer el depósito. Denle un clic en la imagen de abajo para ver los precios de los libros y el envío.

Eso es todo por hoy. Buen no, vayan a Ojos bien abiertos para leer un rescate hemerográfico acerca del soundtrack del filme El Topo, de Alexandro Jodorowsky.

Comikaze, Moore Vs. DC, Del Toro y Neonomicon

2010-07-22T15:39:00.000-07:00

-Aquí está el nuevo cartel para las presentaciones del número 9 de la revista Comikaze, la primera será este sábado, 24 de julio, en Fantástico, y la segunda el sábado 31 de julio en BadaBing Comics. Dense una vuelta.

-Ayer ya comenzaron los dimes y diretes entre Alan Moore y DC Comics, vía varias fuentes, en el marco de la Comic-Con. Pues según declaraciones del barbado escritor a la revista Wire, hace unos días le hablaron de DC para ofrecerle de regreso los derechos de Watchmen, a cambio de que les escriba una precuela o secuela de esta obra. Obviamente, Moore los mandó a chiflar la loma y me habría gustado escuchar las palabras exactas que salieron de su boca, pero asegura que les comentó que eso se lo ofrecieron con diez años de retraso. Por lo pronto, don Dan Didio ha dicho que cuando hagan la secuela o precuela (ya amenazó) será con alguien cuya capacidad respete el talento de Moore y Gibbons…

-En la mayoría de fuentes nacionales donde se ha hablado de “la nueva película de Guillermo del Toro”, Don’t Be Afraid of the Dark”, no se menciona que Guillermo es el productor, y que el director es Troy Nixey. En Iconoctlán, en su momento (cuando era parte de Toquedequeda), se habló de este proyecto con entusiasmo, pues se trata del remake a un telefilme de horror de los años 70, apoyado por Guillermo, y dirigido por Nixey, quien me parece que se trata de uno de los historietistas de horror y humor negro más sobresalientes en años recientes. Entre su obra se encuentran su maravillosa Trout, para Oni Press; además de trabajar con Mike Mignola en las sobresalientes Batman: The Doom that Came to Gotham y Jenny Finn. Sirva ésta, como una forma de respeto (Chespirito dixit) y un intento por resarcir el poco tacto de los medios mexicanos. Guillermo ha dicho que tras su participación en la Comic-Con (con la presentación de este filme y otros proyectos), hará un nuevo anuncio de un proyecto muy importante al que le ha dedicado tiempo y mucho esfuerzo. Esperemos se trate finalmente del anunció de la adaptación fílmica a At the Mountains of Madness, de H. P. Lovecraft (o, de menos, el anuncio de su versión a Frankenstein).

-Y hablando de Lovecraft y Alan Moore, como les comentaba ayer, salió a la venta el primer número de Neonomicon, historia que se desarrolla unos meses después de los eventos ocurridos en The Courtyard (cuento en homenaje a Lovecraft por Moore, llevado al cómic hace ocho años por Anthony Johnston y Jacen Burrows, quien igualmente se encarga de ilustrar Neonomicon). Las cosas apenas comienzan en esta historia, pero el carácter reverencial y referencial a Lovecraft que Moore le da a las letras de las canciones de un grupo de rock, es doblemente sabroso, y el primer acercamiento con un ‘narcotraficante’ (el epicentro de todo lo malo ya desde The Courtyard) ofrece realmente un buen viaje.

Cartel apócrifo, tomado del foro de la página web de HPL en castellano

Breves

2010-07-20T16:27:00.000-07:00

-Este jueves inicia ya la 2010 Comi-con International: San Diego, el monstruo mediático en el que se ha convertido una feriecita iniciada por un grupo de nerds hace casi cuarenta años. Yo cada año tengo ganas de ir, pero también cada año se me quintan más las ganas con sólo imaginarme la cantidad de gente que asistirá… supongo que será algo que tendré que experimentar en algún momento. Por ahora, estaremos pegados a los blog de noticias de cómics para saber qué sucede por allá, donde se supone que harán el anunció oficial de los filmes Thor y Captain America en 3D, así como que Joss Whedon sí se encargará del filme de de The Avengers; que Dark Horse publicará una colección de Milo Manara; que la maxiseria del multiverso de Grant Morrison será dibujada por varios dibujantes, y entre los universos estará el de Watchmen; esperemos que se den nueva noticias del Marvelman de Alan Moore y compañía, además de que se presentará el volumen 3 de la nueva etapa de Love and Rockets. En fin, esto no es nada con la cantidad de información que se producirá.

-Hablando de Fantagraphics, me llegó el nuevo catálogo de esta editorial, en el que presentan los lanzamientos del resto del año y principios del 2011. De entrada, en diciembre aparecerá el número 301 de The Comics Journal, tras un receso en el que se transformó en revista virtual, para dejar la versión en papel como un anuario con valores de producción; este primer número de la nueva etapa, promete mucho con la entrevista principal realizada a don Robert Crumb. El rescate de la obra del maestro francés Jacques Tardi por parte de esta editorial, continua con la edición de dos tomos de Les Aventures extraordinaires d'Adèle Blanc-Sec, trabajo que estará muy solicitado con el estreno de la adaptación fílmica realizada por Luc Besson. Además, para fin de año, también, nos deleitarán con una recopilación de aquel genio de línea: Alex Toth. Éste a comprarlo en cuanto salga.

-Mañana es el día en el que llegará, directo de Estados Unidos, una maldición con la fuerza de H. P. Lovecraft y la genialidad de Alan Moore. El número 1 de Neonomicón, dibujado por Jacen Burrows y escrito por el maestro de Northampton, es el primer cómic de horror realizado por Moore desde que terminó From Hell en 1998. Si tomamos en cuenta que se trata de su acercamiento a los Mitos de Cthulhu esto, seguramente, será una obra maestra. A correr por él.

Pekar, Moore, Lovecraft y Comikaze

2010-07-13T16:32:00.000-07:00

-Ayer murió Harvey Pekar a los 70 años. Un tipo radical, tal vez uno de los estadounidenses públicos más críticos de lo establecido, aunque formando parte de su mismo elenco. Antes de ser punching bag y altanero contrincante de David Letterman en el programa de éste, Pekar ya se había labrado un nombre en la narrativa contemporánea al hacer de su día a día una crónica periodística en forma de cómic underground, con ayuda de una legión de dispares dibujantes (Robert Crumb, Chester Brown, Jim Woodring, Alan Moore, Dean Haspiel, Joe Sacco, Gilbert Hernández, Richard Corben, Darwyn Cooke, Eddie Campbell, Rick Geary, Ho Che Anderson y varias docenas más). Hace unos años Hollywood volvió a desempolvarlo en un peculiarísimo e inolvidable filme que combina dramatización, documental y ficción llamado como su mismo cómic: American Splendor. Pekar era un neurótico que supo hacer de su condición algo que valiera la pena para el mundo.

Esta foto me la volé flagrantemente del blog de la revista Comikaze,
pero creo que Jorge Tovalín no me habría negado la imagen, y sirva esto,
igualmente, para promover la revista. ¡Gracias!

-El sábado pasado se realizó la primera re-presentación de los libros La imagen reptante: H. P. Lovecraft y el cómic mundial y Alan Moore y su obra: Realidades construidas, ahora en sus segundas ediciones. A pesar de la lluvia y el caos vial que rodea a la tienda de cómics Fantástico (donde fue el evento, gracias) y a la avenida Félix Cuevas, poco más de 30 amigos y lectores nos acompañaron en esta aventura, en la que también estuvieron presentes Sergio Santiago Madariaga, editor y amigo, y Everardo Ferrer, especialista de cómics y amigo. Quiero agradecerles a todos los presentes por asistir y apoyar este esfuerzo editorial. Gracias a Jorge Tovalín por el esfuerzo en este evento. Para fin de mes realizaremos otra presentación, pero entonces en Comicastle de Villa Coapa, ya les avisaré por si alguien quiere lanzarse.

-OJO, CAMBIO: Ya no será el próximo sábado 17 de julio, sino el sábado 31 de julio en BadaBing Cómics, a las 17 horas, cuando tenga lugar la presentación del número 9 de la revista Comikaze, celebrando su 2º año de publicación. Sin duda, causa felicidad saber que una revista independiente sobre cómics, con un buen nivel de investigación y opinión, haya permanecido ya durante 24 meses. Hay que celebrarlo, y la revista lo hace con una serie de artículos en torno a la obra e influencia de H. P. Lovecraft, así como otros sobre los Supersabios, Hellblazer y, entre varios más Pride of Baghdad. Además, los amigos de Comikaze en verdad que se han esforzado para hacer esto aún más interesante, pues con esta edición se incluirá un suplemento que reproducirá todas las ilustraciones que se realizaron para la exposición Santo de mi devoción, organizado hace ya varios meses por esta misma revista. En total este suplemento contará con más de 60 ilustraciones, de las cuales 6 son nuevas. Ahí estaremos, sin duda.

De regreso libros de Moore y Lovecraft

2010-07-02T18:42:00.000-07:00

Pues con la buena nueva de que el sábado 10 de julio, en la tienda de cómics Fantástico, organizada por la misma y la Revista Comikaze, se realizará una presentación conjunta de los libros Alan Moore y su obra: Realidades construidas y La imagen reptante: H. P. Lovecraft y el cómic mundial, editados por Samsara y escritos por yours truly.

Esto, me parece, es una buena oportunidad para que los obtengan aquellos lectores que se han mostrado interesados por este material, y que no los consiguieron hace tres años que se publicó el de Lovecraft, y hace uno cuando se publicó el de Moore.

Pero igualmente debo decirles que en ambos casos, se trata de ediciones en las que se han corregido algunas cosillas y, en el caso del libro de Lovecraft, se agrega un nuevo capítulo. Ya sé que esto suena como las trampas que hacen esas grandes compañías que reeditan su material con extras, para que continúen vendiéndose ad infinitum… Pero he de decirles que, primero, estos se tratan de nuevos tirajes pues los anteriores están agotados (tampoco es que las multitudes se hayan volcado por ellos, no, no crean eso. Pero los tirajes fueron cortos y, después de todo, si hubo un público), y parece que aún hay lectores interesados en estos; segundo, esto permitió que pudieran corregirse los errores pasados, y agregar lo que había quedado en el tintero. Y así, creo que estas serán ya las versiones definitivas (aun cuando Moore continúe escribiendo –gracias a Belcebú-, y mes a mes continúen apareciendo adaptaciones a la obra de Lovecraft).

Así pues, están cordialmente invitados a esta presentación en la que los comentarios correrán a cargo de: Sergio Santiago Madariaga, editor de ambos libros; Everardo Ferrer, conocido comicólogo mexicano; y yours truly, lector enajenado de cómics.

No lo olviden: Fantástico, 10 de julio, 17:00 horas

-Si viven en la Ciudad de México (y si no, creo que pueden adquirirlos por correo, aunque no sé si sea lo mismo…), les recomiendo que se den una vuelta al Gandhi de Miguel Ángel de Quevedo, pues han llegado un par de colecciones por demás sabrosas a buenos precios.

Viñetas Negras, se trata de una colección de cómic noir publicado por Glénat en España, compuesto por varias sagas: Cuervos, Europa, Gil St. André, Detox, entre otros. Se trata de ediciones en pasta dura y a color, de entre 48 y 68 págs. La verdad, fuera del maestro Luis Bermejo (que ilustra el libro El sueño eterno) no conozco al resto de autores, pero basta con ver su trabajo para entender la calidad. Se trata de una colección de primer nivel, que reúne a profesionales del cómic europeo, como homenaje al género negro. Hay alrededor de quince tomos distintos de las colecciones, y cada uno a 79 pesos.

Clásicos del Cómic, esta es una colección que publicó Panini en España en 2006, para venderse en conjunto (según lo que he encontrado en la web) con el diario deportivo As, y que aparentemente estuvo compuesta por más de 20 tomos. Cada uno es de cerca de 200 páginas, presentando textos introductorios y varias historias en cada caso. El formato es casi media carta, y retoma el principio de la brillante colección que el diario El Clarín (en Argentina) realizó en 2004. A Gandhi no llegaron ni la mitad, pero aún así lo que llegó resultará de interés para varios: Superman, Batman, Tarzan, Lucky Luke y El Pato Donald. No pude checar todos, pero en el de tomo de Superman encontramos (traducidas, obviamente) Whatever Happened to the Man of Tomorrow? y For the Man Who Has Everything, ambas de Alan Moore, con Dave Gibbons, Curt Swan y George Pérez; además de alguna de John Byrne y varias de las primeras aventuras del hombre de acero. Mientras que el de Batman trae varias clásicas, algunas de Neal Adams, una de Ed Brubaker, The Scottish Connection (por Frank Quitely y Alant Grant) y una en blanco y negro por Eduardo Risso. Como ven, se tratan de banquetes muy variados, con historias que no se habían visto en México traducidas, y todo esto por 79 pesos cada uno.

Lean: The Bulletproof Coffin

2010-06-30T14:38:00.000-07:00

A David Hine, me parece, se le ha desperdiciado un poco. Se trata de un autor británico que ya lleva tres décadas escribiendo y dibujando historietas, y a quien muy pocos lectores lo identifican. En los últimos años, afortunadamente, las ideas de Hine han encontrado buena recepción, tanto en editores como en lectores del cómic de superhéroes, logrando dar la crónica de títulos como District X, Spawn, Daredevil: Redemption, Son of M y The Joker’s Asylum, entre otros. Todos, trabajos que sobresalen considerablemente sobre la mayoría del comic mainstream.

No obstante, estamos en espera de que Hine reanude totalmente su trabajo independiente. Hine ha estado metido en la historieta desde los años 80, pero prácticamente durante dicha década y la de los 90, hizo trabajos muy esporádicos para diversas publicaciones inglesas como 2000 A. D., Warrior, Crisis e, incluso, algunas cosas para Marvel UK. Pero el salto de Hine, me parece, fue con su impresionante novela gráfica Strange Embrace, cuando fue reeditada en 2003 por el sello Active Images (fue originalmente publicada en Inglaterra en 1993, por Atomeka; y apenas hace un par de años rescatada de nueva cuenta por Image Comics, ya con color como extra). Ésta se trata de una compleja historia de maldiciones en la era victoriana, con víctimas y victimarios que muestran al lector la verdadera fuerza del mal. Hine escribió y dibujó esta historia, dejando en claro el gran narrador que se encontraba detrás de tal logro, y para el cual el propio Peter Milligan se quitó el sombrero en la introducción que acompaña dicha edición.

Tras esto ha seguido su brillante paso por el cómic de superhéroes y, afortunadamente, hace cosa de un mes se ha sumado un proyecto que realmente nos ha dejado salivando: The Bulletproof Coffin, publicado por Image Comics, e ilustrada por Shaky Kane, un dibujante amigo de Hine, desde las parrandas de colores e historias alucinógenas que ambos compartieron en publicaciones como Deadline y Escape, a finales de los 80 y principios de los 90.

Esta historia se construye en torno a la nostalgia y la metaficción en un mundo contrahecho y futurista-decadente, en el que el culto a lo muerto y al desencanto parece la forma más común de entender la vida. Protagoniza un tipo que se dedica a limpiar las casas de los difuntos y quien, no extraña, es un coleccionista de parafernalia pop del pasado que da con una colección importante de historietas, entre las que se encuentra el número 198 de la serie The Unforgiving Eye –creado por David Hine y Shaky Kane, versiones de papel de los creadores de The Bulletproof Coffin, y quienes trabajaron para el sello Big 2 (háganme el favor)-, el cual nunca fue publicado. En este trance es que nuestro héroe entra en una especie de realidad tipo Videodrome (en donde ya no se sabe qué es realidad y qué alucinación), y es donde se queda el primer número de esta excitante serie.

Cuando Kane hacia aquellas colaboraciones noventeras mencionadas, la influencia de Kirby y Ditko eran claras; comúnmente se trataba de una o un par de páginas que más que una historia presentaban una idea de referencia. Hine ha dicho que The Bulletproof Coffin se ha hecho en base a ese principio del cromo, realizando entonces todo en base al diseño y las ideas de Kane, y Hine sirviendo como el orden dentro del caos.

El primer número de esta serie se ha agotado y, ante esto, Image ha puesto en la red el contenido de éste para todo aquel que desee leerlo. Vayan aquí, y si cuando salga el número 2 se encuentran una copia, no duden en adquirirla.