Renee Freak

Algo que vuelve aún más disfrutable la lectura de la obra de Renee French -al menos en lo personal-, es que continúa siendo infranqueable, auténtica y misteriosa.

Conocí el trabajo de esta autora gracias a la recopilación que Dark Horse hizo en 1997 de su novela gráfica The Ninth Gland (serializada meses antes en la antología Dark Horse Presents). En ésta, a través de unos trazos que en principio harían pensar que fueron pensados para ilustrar un cuento infantil, French cuenta la historia de una niña que encuentra un extraño animal, semejante a un caballo o burro con una herida. Este ser, no obstante, revela una naturaleza aún más extraña cuando se descubre que debajo de su herida habita otro ente más; y esta experiencia narrativa se vuelve aún más inaudita y alucinante cuando a la pequeña se le ocurre llevar al animaloide ése con un extraño doctor que trabaja en el sótano de un hospital.

Y es que esa es más o menos la historia. Con French nos encontramos siempre frente a una serie de sucesos bizarros, que arrancan de manera podríamos decir coherente, y terminan en un alucine bendito.

Me gustaría decir que French nació en una villa en la punta de una montaña que se encuentra escondida por nubarrones, y perteneciente a un país que sigue sin localizarse en mapa alguno… pero la realidad es que nació en Estados Unidos, y le gustó la adaptación fílmica de Punisher protagonizada por Thomas Jane. Es decir, French es una verdadera freak que, creo, nunca terminaré de comprender.

Y eso pasa igual con Corny’s Fetish (también de Dark Horse) y más recientemente con The Soap Lady (un cuento para niños azotados), Micrographica (galería compuesta por dibujos microscópicos) y The Ticking, su trabajo más reciente (ambos para Top Shelf Productions).

En The Ticking, vemos la historia de Edison Steelhead, un niño que sufre más por la reclusión que vive junto a su padre en una isla, que por la deforme cabeza que también heredó de él. Las vidas de ambos se consumen en la lejanía hasta que llega la nueva ‘hermana’ de Edison, quien no sólo parece un chimpancé, sino que se trata auténticamente de un chimpancé.

Se trata de una novela gráfica de 216 páginas, que presenta dos viñetas por página y con los diálogos o prosa al calce de cada cuadro.

Cómo podemos ver, las historias de French son crueles, y ese es su atractivo, pues todos sus personajes presentan las mismas inquietudes y pulsiones que vemos a diario en nuestra vida.

Y hasta ahora, French continúa haciendo el mismo tipo de historias, y sin dar una gran explicación… por lo cual, agradezco enormemente ese misterio que ha hecho de su obra.

Creo que a estas alturas, el mismo David Lynch (quien realmente ha decepcionado con su onanismo exacerbado en Inland Empire) quisiera tener la fuerza de French.

Aún recuerdo a Jenifer...

*NOTA: Debido a la carga de trabajo, me veo en la necesidad de hacer rescates electrónicos de la primera etapa de Iconoctlán, cuando era parte de Toquedequeda. De cualquier forma, creo que vale la pena darle un segundo aire a algunos textos renovados.


En 1974, el género del Horror pasaba por un muy buen momento: The Exorcist (William Friedkin, 1973) y The Texas Chainsaw Massacre (Tobe Hooper, 1974), entre otras películas, transformaban el género con un realismo acorde a los tiempos. Esto igualmente podía verse en la nueva tendencia del cómic de horror, caracterizada por una serie de publicaciones que, en formato magazine, accedían a un nivel mayor de libertad discursiva, y la cual era maximizada por el blanco y negro con que se publicaban.

De esta etapa se recuerdan títulos como Dracula Lives!, Vampire Tales y Tales of the Zombie publicados por Marvel; así como Creepy, Eerie y Vampirella, publicados por Warren.

De aquel año se recuerda especialmente una historia publicada en Creepy 63 (julio de 1974), titulada Jenifer.

Dibujada por Bernie Wrightson y escrita por Bruce Jones, no sólo fue el acto que catapultó a ambos autores, sino que igualmente se convirtió en una de las historias breves de Horror más célebres de cualquier medio. En ésta, un individuo de caza en un bosque se encuentra con un cuadro digno de Goya: una mujer a punto de ser decapitada con un hacha por un hombre enloquecido. El extraño en la escena decide entonces ayudar a la mujer, y en el acto el casi homicida muere a manos del extraño: ya no podrá conocer la razón detrás de dicha escena. Cuando el extraño ve el rostro de esta mujer, encuentra una deformidad que le produce un horror y una atracción a la vez. El extraño decide llevarse a la mujer llamada Jenifer a su casa, pues muestra signos de discapacidad mental y, finalmente, no sabe con quién llevarla. El caso es que, como Otilia Rauda, la mujer de rostro espantoso muestra un esculpido cuerpo dispuesto a enloquecer al sexo opuesto y eso es lo que no sabía el extraño.

Como enigmas permanecen la horrorosa y atractiva, a la vez, fisonomía y psicología de Jenifer, que de esta historia han hecho ya un clásico. Hace un par de años el maestro del giallo italiano Dario Argento, realizó una adaptación de esta historia para la serie Masters of Horror, y comentó que a su juicio Jenifer se trata de un ser extraterrestre… lo cual ofrece un giro muy interesante a la percepción que se tiene del personaje. Si quieres leer las diez páginas de esta historia dale un clic.

Jones quien, al igual que Wrightson, creció viendo y leyendo las historias clásicas de horror de los 40, 50 y 60, se manifestó como un autor entusiasta del género y a través de los títulos mencionados comenzó a realizar su leyenda. En 1980, en los sellos independientes Pacific y Eclipse Comics, realizó las antologías Twisted Tales y Alien Worlds, que en tan sólo 10 y 9 números, respectivamente, logró un conjunto de historias terroríficas y bellas que, con la ayuda de una gama de dibujantes extraordinarios (como Corben, Wrightson, Liberatore, Bolton, entre otros) permanecen como otro de los momentos importantes en la carrera de Jones.

Desde que inició en los años 70, este guionista y dibujante invariablemente guionizó diversas series, y durante gran parte de los 80 y 90 se dedicó a escribir cuento y novela de horror, así como a escribir diversas series de televisión (tal vez recuerden El caminante). Pero fue a principios del siglo XXI cuando Jones regresó al cómic de la mano de Marvel para escribir alrededor de tres docenas de la serie de Hulk, que lo colocaron nuevamente en el panorama de la historieta.

Por alguna extraña razón -tal vez porque convirtió al título en un intenso estudio de personajes en formato de thriller, que dejó en segundo término a Hulk, y en primero a Bruce Banner-, el Hulk de Jones no recibió la atención pertinente y parece perderse entre los cientos de títulos en las estanterías de comic… una verdadera lástima, pues esta etapa de Hulk fue algo de lo más trascendente de aquellos años.

A diferencia de Jones, Wrightson es un autor bien identificado en la industria, y precisamente por su ejercicio dentro del género. Sus diversas historias realizadas tanto para la Warren, como para DC y Marvel, lo convirtieron prácticamente desde los 70 en un maestro: su versión a Frankenstein (publicado por Marvel en 1980, y rescatado hace un par de años por Dark Horse) es un momento cumbre de la ilustración moderna y el cual, en 2012, será revisitado con una serie ilustrada por el mismo Wrightson, y escrita por Steve Niles, y en la que se cronicarán las desventuras del moderno Prometeo al cierre del clásico de Mary Shelley.

Redescubramos a Jones y a Wrightson.

El fin de los tiempos: Algunos anuncios en la Comic Con.

Y bien, la San Diego Comic Con 2011 ha arrancado y es momento, entonces, para volvernos locos con información y divagar en proyectos que podremos ver en un futuro cercano y otros que nunca serán y sólo se quedarán en los anuncios que se hayan hecho.



-El editor Scott Dunbier ha comenzado en IDW una colección extraordinaria llamada Artist Edition, a través de la cual se publicarán obras clave de autores clave (el primer lanzamiento es una recopilación del Thor de Walt Simonson que, en lo personal, no me resulta muy atractivo, a pesar de reconocer la trascendencia y calidad de la obra de Simonson) en gran formato y muy cercano al tamaño del arte original. Dunbier, quien concibió el formato Absolute para DC, tras la recopilación de Simonson, seguirá con una dedicada a Wally Wood y sus historias para EC, otra dedicada a John Romita y sus historias para Spider Man y la última anunciada (al menos hasta el momento) es una dedicada a The Spirit del maestro Will Eisner… no me cabe tanta felicidad. El problema será guardar los 100 dólares que costará cada ejemplar de 144 páginas.

-De Avatar, se anunció que Crossed, uno de los cómics más interesantes y salvajes de la actualidad creado por Garth Ennis, durante 2012 se convertirá en una serie quincenal. Además de que Stitched, la nueva serie de horror también creada por Ennis (y que es parte de un proyecto fílmico, que ya se ha presentado como un corto durante esta Comic Con) comenzará a publicarse mensualmente a partir de noviembre.

-A partir de diciembre de este año, Dark Horse comics comenzará la publicación de la adaptación en cómic de la saga The Strain (conocida en México como Nocturna), escrita por Guillermo del Toro y Chuck Hogan. La adaptación constará de 24 número, 8 por libro (y de los cuales el tercero aparecerá en octubre en el mercado), y será guionizada por David Lapham y dibujada por Mike Huddleston

- Abrams publicará en 2012: The Art of Daniel Clowes: Modern Cartoonist.



-Robert Rodríguez llegó con la espada desenvainada aventando proyectos al por mayor: Machete Kills, la secuela a la fabulosa Machete, comenzará a filmarse este año, acompañada del tráiler para Machete Kills Again; si la secuela resulta un hit como su predecesora, entonces la producción de la tercera de la serie será una realidad. En nuestras manos está que esta extraordinaria obra del cine Serie B sea una realidad.
Este año también comenzará la producción de Sin City 2, para la cual Frank Miller está escribiendo un episodio original para el filme, además de que se realizará en 3D, con ideas que nunca se habían ejecutado en 3D, según asegura Rodríguez, y a quien yo le creo lo que diga.
Los derechos para la nueva película de Heavy Metal (la publicación gringa de culto que abrevó de la seminal francesa Metal Hurlant) han recaído afortunadamente en manos de Rodríguez (el proyecto en el que también participarían David Fincher, James Cameron y, creo, Ridley Scott, ha fenecido entonces) y planea hacer un largometraje compuesto por diversos episodios inspirados en los temas de la publicación, para lo que invita a los mismos lectores a enviar sus ideas y propuestas, vayan aquí.
Rodríguez, continuando con su extraordinaria tarea que lo está convirtiendo en redentor del fandom, apoyará económicamente al museo del maestro Frank Frazzeta para que permanezca, además de que anunció que se encargará de la producción de Fire & Ice y Deathdealer, obviamente, basados en los conceptos del pintor e historietista.
¿Algo más?

-Y ésta no es de la Comic Con, pero es de importancia para nosotros: Marvel México ha puesto a la venta (en teoría desde ayer ya lo está) el primer ejemplar de la colección Marvel Deluxe, que se trata de ediciones en pasta dura. Esta primera entrega se trata de la recopilación de los números 39 al 50 de Tales of Suspense, es decir, las primeras aventuras de Iron Man. Su costo es de 300 pesos y, sin duda, se trata de todo un suceso en la escena editorial nacional de historietas.

Harvey Pekar y American Splendor

Hace un año, el lunes 12 de julio de 2010 murió a los 70 años Harvey Pekar, protagonista del cómic American Splendor. A Harvey no lo mató la kriptonita ni un supervillano con armamento alienígena, simplemente se lo llevaron durante el sueño las secuelas de dos linfomas y toda la carga del mundo que dejó ver a través de sus historias. A Pekar no lo podrán revivir ningún proceso fantástico ni estrategia editorial y publicitaria alguna. Las páginas de American Splendor, su cómic autobiográfico, se han cerrado para siempre. No hay vuelta de hoja.

Harvey Pekar, no fue tan conocido como Superman, Spider Man o, incluso Fritz, el gato, aunque su número telefónico podía localizarse en la sección amarilla. Aunque se desarrolló en el mismo ambiente del cómic estadounidense y compartió puntos de venta y de discusión. Harvey Pekar no tenía superpoderes, pero sus esfuerzos para sobrevivir día a día eran notables y en ocasiones estrujantes.

American Splendor fue un cómic neorrealista (de hecho, así lo etiquetó para su venta el sello Dark Horse, cuando se encargó de su publicación durante los años 90), tal vez el primero en la historia de la historieta, al menos en la de la escena anglosajona: Will Eisner realizó importantes ejercicios autobiográficos, pero eran estilizados y cortados por el melodrama; Eddie Campbell, igualmente, posee un trascendente acercamiento, pero en éste se inmiscuye en muchas ocasiones la fantasía y la interpretación; Rick Veitch, durante los últimos tres lustros, ha realizado un intenso diario de sueños, pero entonces aquí estamos hablando de cómic surrealista.

American Splendor fue único precisamente por todo eso: se trataba de una crónica sincera, ausente de cualquier tipo de estilización, aunque variada en la interpretación gráfica, pues Pekar escribía y una multitud de artistas ilustraron sus memorias a través de poco más de treinta años. El recuento de la vida diaria, con American Splendor, logró un registro testimonial desconocido en su momento en el cómic y un hallazgo literario en la riqueza ofrecida por la sencillez de la palabra.

Harvey Pekar nació y murió en Cleveland, y aseguró que desde que tuvo uso de razón fue un coleccionista: inició con cómics y ya en la adolescencia comenzó con su pasión por los vinilos de música jazz. Estudió literatura en la Universidad Case Western, pero se desesperó al año de iniciado el curso y renunció. En los años 60, en una venta de discos, conoció a Robert Crumb (el célebre patrón del cómic underground, y creador de personajes como Mr. Natural y el mencionado Fritz, el gato), momento en el que nació entre ambos una amistad producto de su pasión por el jazz y la búsqueda de nuevos caminos en el cómic. Grandes conocimientos sobre literatura y música lo acompañaban en su vida diaria. Sin posibilidades de sobrevivir a partir de lo que le gustaba, en 1975 decidió tomar un trabajo como archivista en el Hospital de Veteranos en Cleveland, y del cual se jubiló en 2001 (en 1983, David Letterman le preguntaba por qué no dejaba ese trabajo, y vivía simplemente de escribir sus cómics. Harvey le contestó diciendo que no sabía dónde estaba la gente que pudiera hacer de sus cómics el éxito necesario para vivir de eso, además de asegurarle que necesitaba la rutina y el contacto humano que implicaba su trabajo).

En 1976, desesperado por hacer algo que valiera la pena, que dejara huella, y tras sopesarlo durante cerca de diez años, decidió comenzar a transcribir sus vivencias diarias en forma de guión de historieta, con la idea de que alguien más lo ilustrará, y para demostrar que la historieta podía ir mucho más allá de los superhéroes. Le mostró sus guiones a su amigo Crumb para conocer su opinión, y el dibujante se ofreció a ilustrarlos. Así, editándolo con su propio dinero, Harvey lanzó American Splendor como un cómic totalmente independiente y el cual se publicó de esa forma hasta su número 17, aparecido en 1993, tirando 10 mil ejemplares por número. En los años siguientes se publicaron 24 números más de la serie, bajo los sellos de Dark Horse y Vertigo /DC Comics, apareciendo el último en 2008.

American Splendor entonces pronto brilló, por la capacidad de Pekar para hacer interesante lo más arbitrario de la vida y por su misma naturaleza neurótica que, finalmente, parecía imán de personalidades peculiares conformando, en conjunto, un elenco siempre rico en tonalidades. En American Splendor, la batalla diaria de Pekar para conseguir el dinero necesario para subsistir, sus logros y desesperaciones en torno al coleccionismo, su oscura visión de la vida, su complicada forma de relacionarse con el resto de la humanidad y, a pesar de todo, su deseo por vivir, lo convirtieron en un personaje entrañable para miles de lectores.

De esa forma fue que en varias ocasiones se le invitó al programa televisivo Late Night with David Letterman, y provocó tanto una obra de teatro, como un exitoso filme basado en su vida y en su cómic –o viceversa-, llamado también American Splendor (dirigido en 2003 por Robert Pulcini y Shari Springer Berman, y ganando el premio de la crítica en Cannes y el premio del jurado en Sundance), y el cual le permitió salir por primera vez al extranjero.

Su novela gráfica Our Cancer Year (1994), en coautoría con su esposa Joyce Brabner y el dibujante Frack Stack, una detallada y vívida crónica de su tratamiento contra el cáncer, obtuvo dos National Book Awards en Estados Unidos.

La tragicomedia de American Splendor llegó a su fin. Inesperada como -y con- la muerte, e inolvidable como la vida misma. No habrá secuelas ni refritos, pero en los libreros y en las cajas de cómics queda para la posteridad.



*Texto publicado originalmente el 18 de julio de 2010, en el suplemento El Ángel, del diario Reforma.

Black Jack Volume 14

Black Jack Volume 14, por Osamu Tezuka
Publica: Vertical Inc.
17 dólares



Finales fríos y tajantes… una gran cantidad de estos han podido verse en las historias de Black Jack, el cirujano más fenomenal que hemos podido ver en la historieta mundial, ejecutante prácticamente de milagros insospechados y, por ende, catalizador de cambios drásticos en vidas y destinos.

Eso, por supuesto, en muchas ocasiones puede provocar el caos o las diferencias con familiares o allegados de pacientes e, inclusive, con los pacientes mismos. La pericia de BJ es resultado de su carrera en contra de la adversidad biológica humana; es decir, BJ es un agente del caos para con el destino: su máximo objetivo es salvar la vida de sus pacientes, sin importar la dificultad de cada caso (aunque para que proceda, antes de cada operación se le debe pagar una cantidad estratosférica). Esa parece ser una decisión profesional (aunque BJ trabaje sin licencia) y una posición ante la vida y de espaldas, obviamente, a la muerte.

No han sido pocos los finales tajantes en los episodios de Black Jack. Los finales en los que sólo vemos la sombra de BJ alejarse mientras los rostros boquiabiertos de los otros personajes lo miran. Pero sobre todo, los finales en los que el mismo BJ termina con el rostro estupefacto, como preámbulo al del mismo lector, ante las vueltas que da el destino… estos finales son los que más impactan al lector de la serie.

En Black Jack Volume 14 son varios los finales fríos, tajantes, impactantes. Desde luego no se los voy a contar, tan sólo les diré que en A Transient Love, además de curar a una paciente con cáncer, BJ se casa con ella como parte de un acuerdo del cual fue víctima del destino; en Full-Moon Disease, BJ cura a una joven de un padecimiento que la convierte en una rolliza mujer, y con la cual tiene un lazo que ella desconoce; en Captain Satan, BJ no puede impedir operar a un General conocido por las carnicerías humanas que llevó a cabo en Vietnam –pues su compromiso es operar a cualquier tipo de enfermo, sin importar su calidad humana-, aunque la visita de un grupo de niños cambie todo; en Urashima, BJ busca salvar a toda costa a un paciente que durante medio siglo ha estado en coma, pues si no lo hace su némesis, el doctor Kiriko, practicante de la eutanasia, entrará en acción; y, entre otras historias, se encuentran la de un cineasta japonés que busca trascender con un documental sobre Black Jack, en There Were Two Films; y en Black Jack Disease, ¡BJ debe de encontrar la cura a la enfermedad que lleva su nombre!

Conforme la serie de Black Jack se acerca a su fin (tan sólo tres tomos restan en el futuro de esta colección de Vertical Inc.), los finales parecen ser un tanto más onerosos; sus soluciones médicas, aunque efectivas en primera instancia, en muchas ocasiones terminan causando más problemas a los antes enfermos; y, en este volumen al menos, no son pocos los intentos de asesinato (de parte de parientes inconformes con sus destino o con la suerte provocada por BJ) a los que sobrevive BJ. En ocasiones, el drama, la sangre y la muerte es lo que hace interesantes las vidas; al menos en la ficción. Black Jack Volume 14 es prueba de ello.

Gene Colan R.I.P.

Cuando alguien se ausenta, sólo queda extrañarlo y poco que decir. Gene Colan, falleció ayer a los 84 años, tras algunos años de problemas serios de salud y familiares, y no se puede evitar decir algo. Extraordinario dibujante, se mantuvo activo desde los años 40 del pasado siglo en la industria del cómic estadounidense. Tal vez no contó con la popularidad de colegas como John Buscema o John Romita –porque su trazo no era lineal, sino brumoso y sugerente: era una invitación a pensar en cosas que no estaban plasmadas en el papel-, pero para muchos lectores y degustadores de historieta su trabajo fue mucho más trascendente que el de aquellos, sin demeritarlos, obviamente.

Aunque Colan trabajó con personajes tan populares como Namor, Iron Man o Daredevil, sus imágenes más indelebles las compuso con personajes como Doctor Strange, Dracula, Howard, the Duck e, inclusive, en una inolvidable etapa en Detective Comics (y que en agosto comenzará a ser recopilada en libro). Fuera en color o en blanco y negro (como mucho de su trabajo durante los años 60 y 70 en algunas series de Dracula, otras revistas para Marvel y algunas colaboraciones para Creepy y Eerie, de Warren Publishing) su trabajo salía de las viñetas y se expandía en la mente.

Con Colan, las sombras y las manchas encontraron un lenguaje poco transmitido en la historieta, un realismo entre tinieblas que, aunque en principio podría parecer complejo y oscuro, era seductor, absorbente y hermoso.

Ahora, la oscuridad ha perdido un poco de sentido.

El fin de los tiempos: Sups y Morrison, Miller Strikes Back, Comikaze 13, Jodocharla...

-Pues ya comentábamos la semana pasada sobre la muerte de una época con el paso -de afuera hacia dentro- de los calzones de Superman; pues no sólo se trata de una cuestión estética, sino de un cambio de retórica y un esfuerzo por renovar el canon de la figura superheroica.

Esto puede sonar exagerado, pero cuando se ha visto la primera imagen de este Superman (levantando una roca enorme, semejando la portada del número uno original de Action Comics, sólo que ahora vistiendo pantalón de mezclilla, playera y algo que más que capa parece un paliacate: algo muy cercano a las imágenes de la propaganda del socialismo soviético de los años 20 del pasado siglo) y, después, nos enteramos que quien se encargará de escribir la nueva historia es, ni más ni menos, que Grant Morrison (acompañado por Rags Morales en las ilustraciones), podemos esperar indudablemente un cambio de enfoque, energías y discurso.

Sobre este proyecto, Morrison ya lo ha marcado de manera categórica al declarar que Superman es “la idea más grande que hemos tenido como especie humana”… claro que se trata de algo exagerado y, finalmente, es parte de la publicidad. Pero también es cierto que el concepto de Superman es uno que ha estado en un constante movimiento y construcción desde hace más de 70 años, y gracias a una cantidad ingente de escritores y dibujantes. En ese aspecto, este concepto es una suma de tanta energía e ideas que, a decir de Alvin Schwartz (guionistas de cómics de la Edad De Oro y creador, entre otros conceptos para Superman, de Bizarro), se ha convertido en un Tulpa, una idea viviente. Para más información al respecto, googleen a Schwartz o consíganse mi libro de Alan Moore.

De esta forma, Morrison buscará renovar a Superman a partir de sus características primigenias, y como explica a continuación: “cambiando algunos de los conceptos básicos, para reintroducir algunos rostros familiares en formas poco familiares, y para utilizar y refrescar algunas ideas que tal vez se han convertido en algo tan conocido que la gente cree ya conocerlo de memoria. Queremos presentar un acercamiento a Superman tan diferente, que nadie sabrá qué podrá seguir”.
Con Morrison, se vislumbra algo trascendente para este proyecto del cual, podemos esperar, un Superman redescubierto y dialogando, prácticamente, con sus lectores.



-Tras varios años de anunciarse, y otros más tras pensar que ya no se llevaría a cabo, hace unos días se dio la noticia de que Holy Terror, la novela gráfica que inicialmente Frank Miller estaba concibiendo con Batman como protagonista, será publicada en septiembre por Legendary Comics, subsidiaria de la productora de cine. Este cómic ya ha sido salivado por varios de nosotros ante la promesa de que presentaría una historia de venganza en manos de Batman en contra de quienes resulten responsables de la caída y muerte de las Dos Torres neoyorquinas; y aunque ya no veremos a Batman, sino a un tipo llamado Fixer, sin duda se tratará de un banquete de violencia firmado por el maestro Miller. Esta obra, en apariencia, fue víctima de la salida del editor Bob Schreck, quien editó el polémico All Star Batman and Robin The Boy Wonder para DC Comics, título en el que además de que el realizador Sin City se burló de varios personajes de DC, permitió que se publicaran palabrotas que en teoría serían censuradas. Como suele suceder, en DC ya han de estar dándose de topes.



-Y la semana pasada, ante tanto chisme de DC se me pasó comentar que entre tanto cambio editorial en dicho sello, con el paso de Greg Capullo de Image a DC -como dibujante de Detective Comics-, el lugar que dejó vacante como ilustrador de la serie Haunt ahora será ocupado por el extraordinario Nathan Fox, un dibujante poco conocido pero con una fuerza envidiable en su trazo y pincelazo. Además, no sólo entra a esta serie Fox, sino que los guiones ahora correrán a cargo de Joe Casey, un guionista que siempre ha buscado la manera de innovar en sus guiones de superhéroes. Por primera vez, Haunt resultará interesante, y gracias a que sus creadores originales lo han dejado… y aunque creo que lo mejor habría sido que Image les diera carta blanca a Fox y Casey para crear lo que quisieran, de todos modos checaré su Haunt, porque en ocasiones crear con ciertas restricciones arroja buenos resultados.



-En uno de esos actos extraños, el gran dibujante Steve Rude ha comenzado una campaña para pedirle trabajo a DC Comics. Tras varios años de alejarse de la historieta, e intentar levantar de manera independiente su cómic Nexus (cocreado con Mike Baron), Rude desea regresar a la industria por dos motivos: a) porque necesita pagar la renta y b) porque ve que el nivel de ilustración en el medio ha caído. Yo estoy de acuerdo en ambos casos con Rude, quien ha manifestado su deseo por colaborar con DC en proyectos que tengan que ver con Supergirl, Superman, Big Barda y OMAC. Creo que cualquier editor respetable en la industria gringa estaría dispuesto a aceptar cualquier capricho por parte de Rude.



-UPDATE: El sábado 25 de junio, a las 18:30 horas en Fantástico (Félix Cuevas 835, Planta Alta), IBA A LLEVARSE A CABO LA PRESENTACIÓN DEL número 13 de Comikaze. Número cabalístico y de 3er Aniversario, que podrán encontrar en dos portadas distintas: una de Tony Sandoval y otra de Jesús Antonio Hernández y Renato Guerra. Aún no estoy bien enterado de los contenidos, pero puedo adelantarles que en dicho número podrán leer sobre Tom Strong, una de las magníficas reelaboraciones del mito del superhombre a cargo de Alan Moore; y un texto sobre el maestro Alex Toth, de quien se han cumplido 5 años de su fallecimiento, y ese firmado por quien esto escribe. SIN EMBARGO, POR PROBLEMAS DE IMPRENTA, LO QUE ESE DÍA SE OFRECERÁ SERÁ UN PREVIEW/EDICIÓN, EN LA QUE VENDRÁN 16 PÁGINAS DE CONTENIDO (Si ese día adquieres tu edición especila, con tu ticket podrás recoger posteriormente tu número 13 de Comikaze). ADEMÁS, ESE DÍA SE OFRECERÁ UNA SESIÓN DE AUTOGRAFOS CON LOS HISTORIETISTAS: LUIS FERNANDO, JESÚS ANTONIO HERNÁNDEZ, RAÚL VALDÉS, FRIK Y MARIO GUEVARA.



-Alguno de ustedes ha caído en cuenta de que en este año se cumple ya una década de la primera adaptación cinematográfica a una obra de don Alan Moore... no, pues bueno, yo sí me he acordado y en el sitio de la Revista Cinefagia pueden checar un texto al respecto.



- Algunos de ustedes supongo recordarán (y algunos tal vez hasta fueron a) la muestra Gabinete -Gráfico Jodorowsky, que entre septiembre y noviembre de 2010 se presentó en el Museo de Arte Carrillo Gil. Se trató de un interesante mapa creativo de Jodorowsky, a partir de peculiares y no tan conocidos elementos gráficos de su obra: historietas y cine. Ahí pudieron verse una buena cantidad de sus historietas, arte original tanto de Jodorowsky como de otras artistas para su obra y, en general, una reunión de parafernalia pánica que no se había visto reunido ni exhibido en México. Corrí con la suerte de colaborar con material para esta muestra, además de ser parte de una mesa que sobre este artista se ofreció en octubre dentro del marco de esta exposición de objetos. Hace unas semanas me encontré en Youtube con la grabación de dicha mesa, y en el acto onanista de este post les dejó los links por si no asistieron a ésta, y desean checarlas. Aquí está la 1a parte, la 2a parte, la 3a parte, la 4a parte, la 5a parte, y la 6a parte. Gracias a SinArteNoHayVida por subirlo.