VR: Mucho cerdo sabroso

Viernes de Reseña: Mucho cerdo sabroso (y puerquita sexy), JIS (Ediciones B, 2005)

Hoy por la mañana pensé que despertaba a un jueves en lugar de un viernes. Pero fue hasta más tarde que entendí no estar del todo preparado para este post, pues no había escaneado las imágenes que acompañarían este texto: pensé que todavía tenía un día más. Entonces me puse a buscar imágenes en internet y recordé que mi tarea era infructuosa pues, a pesar de la popularidad de JIS y Trino, hay poca información valiosa de ellos en internet y es más raquítica aún la presencia de imágenes de su trabajo.

La verdad, es una lástima que no acompañe estas letras con imágenes del objeto a comentar (bueno, los dejo con un autorretrato de JIS y con la portada que me encontré en barnesandnoble.com ), pero esta circunstancia igualmente me permitirá subir una galería el lunes (si no es que antes), y es que no pude evitar ya las ganas de comentarles sobre Mucho cerdo sabroso (y puerquita sexy), obra del maestro JIS.

Como deben saber, el maestro JIS es conocido a la par del maestro Trino por haber cocreado uno de los baluartes de la historieta nacional: El Santos, genio y figura de la escatología, el desmadre, lo políticamente incorrecto y en resumen representante del acto artístico como desenfreno exquisito.

Deben saber igualmente que cada quien ha continuado su carrera en solitario: Trino haciendo del acto cotidiano momento para la burla más incisiva y reflexiva (Fábulas de policías y ladrones, El rey chiquito), mientras que JIS ha hecho del sinsentido y de la psicodelia algo actual, impresionante y comprensible hasta para el lector menos pacheco (Paso sin ver, Sepa la bola).

Varias son las recopilaciones de la obra de estos autores, todas auténticas maravillas (si lo que nos gusta es la originalidad y el talento). Pero hace unos días me volví a topar con mi copia de Mucho cerdo sabroso (y puerquita sexy), y decidí hablar de ella porque –me parece- no es muy conocida y es una auténtica obra de culto (al menos para mí) que merece ser desempolvada continuamente. De hecho, yo me la encontré en un botadero de la feria del libro que arman en el Zócalo no sé cada cuándo, en el mismo año de su publicación (2005) y en la fabulosa cantidad de 30 pesos. Según el sitio virtual de la librería Gandhi, tienen en existencia este libro y al precio de 136 pesos.

Como lo mencioné arriba (y como el mismo autor lo define), su “humor pacheco” es una de las bendiciones de nuestro país (gracias Guadalajara): visualmente puede ser tan extraño como los trazos de Jim Woodring (también vayan corriendo a comprar alguna de sus recopilaciones de Frank) y, a la vez, tan digerible como un taco de carnitas, esto es, sabrosísimo aunque después un tanto pesado, pero sin arrepentimientos y como parte del mismo proceso.

Mucho cerdo sabroso (y puerquita sexy) es precisamente eso. Una manera de presentarlo es la siguiente, con el texto que aparece en la contraportada del mencionado:

“Comer o no comer cerdo, he ahí el dilema. Ningún banquete puede llamarse tal, si no cuenta entre sus viandas con al menos un porcino rozagante de carne, grasa y sabrosura. Mucho cerdo sabroso (y puerquita sexy) es un libro apto para vegetarianos y carnívoros por igual; es una divertida serie de cartones en donde cerdos, cocineros y comensales son los protagonistas. He aquí un pretexto para reír y, cómo no, ¡para disfrutar del cerdo! ¡pura delicia para chuparse los dedos!”.

De verdad que cuando uno gusta de la buena comida mexicana: grasosa y sabrosona, tiene buen humor, gusta de los monos y se encuentra con Mucho cerdo sabroso (y puerquita sexy), puede que las lágrimas se deslicen de la felicidad.

En manos de JIS, y a través de sus trazos, los cerdos tienen voz, para reír y llorar, pueden estar encabronados por su destino infeliz e inminente, pero mayormente presentan un rostro y figura estoica ante la realidad. Si al puerco le debemos mucho por tanta felicidad a partir de lo que nos comemos, los cerdos de JIS llegan a ser heroicos, míticos y, prácticamente, figuras cuasi santas.

Digo, que más podemos opinar de un cerdo que, en smoking y frente a su verdugo, dice: “Buenas tardes, yo soy su alimento. Puede usted devorarme cuando guste”. Pero igualmente encontramos porcinos menos dispuestos, como aquél que dice: “¡No lo entiendo… por más que me empeño en ser inmundo, comer desperdicios y vivir en la podredumbre, les sigo fascinando!”. La verdad, no importa cuál sea el caso, pues los cerdos de JIS son de antología.

Del humor dadaísta de JIS como un todo, por supuesto, hay que resaltar su trazo y línea, pues su estridente uso de ésta, casi convertido en puntillismo, logra un discurso en tinta al que nada se le parece. Es como si se tratara de una obra hecha en una quinta dimensión, en la que podemos ver algo así como las distintas fases del movimiento de un objeto al unísono (según el maestro Alan Moore más o menos me explicó lo que es la quinta dimensión).

En fin, que Mucho cerdo sabroso (y puerquita sexy) es una auténtica maravilla. Ojalá les interese lo suficiente como para irlo a comprar, y si no, espero que ahora en cuanto suba algunas imágenes realmente lo hagan.

Army of Darkness

La historia de las adaptaciones de un medio a otro medio, como sabemos, está llena de malos augurios, críticas y, efectivamente y después de todo, muchos malos ejemplos.

Al cómic se han adaptado muchas novelas y, también, muchas películas. Y es en este medio de imágenes y textos en donde, a pesar de lo malo o cumplidor que puede resultar el texto ya adaptado, muchas veces las ilustraciones pueden resultar más que interesantes por sí solas.

En 1993, en el marco del estreno de Army of Darkness, la tercera parte de la saga de The Evil Dead, realizada por Sam Raimi, el historietista inglés John Bolton llevó a cabo una deslumbrante adaptación a este filme.

Editada por el sello Dark Horse Comics, esta adaptación conformada por tres números resulta en términos narrativos muy fiel al guión original de Raimi y compañía; sin embargo, y a pesar de que no propone nada nuevo en la historia, las ilustraciones de Bolton le dan un nuevo sentido, pues si de inicio tomamos en cuenta que se trata de un dibujante extraordinario, las imágenes de este cómic se encuentran dentro del trabajo pintado de Bolton, quien ha demostrado tener una forma y un ambiente muy particular en este estilo de su obra.

Es así que la mítica presente en esta tercera entrega de la saga de The Evil Dead, encuentra nuevos alcances visuales con Bolton, quien la reviste de un tono dramático –casi excento en el filme de Raimi ante el tono paródico que utiliza- y unas líneas realistas, ausentes totalmente del original.

Tal adaptación permanece como un hito en ese apartado y, durante más de una década, permaneció casi como un objeto de culto que se ha llegado a cotizar entre 10 y 15 dólares por número. Esto, finalmente, ha llegado a su fin (al menos para aquellos lectores que no tengan problema alguno si no cuentan con la edición original), pues desde hace un par de años se publicó una nueva edición de esta historia, ya en libro, bajo el sello de Devil’s Due.

Lo interesante del caso es que la cosa no termina ahí, pues este nuevo sello no solo ha reeditado la adaptación de Bolton, sino que también ha publicado una nueva aventura de Ash, el héroe de la saga The Evil Dead, que continúa la historia finalizada en Army of Darkness.

Hemos de decir que esta historia llamada Army of Darkness: Ashes 2 Ashes, recicla y reacomoda los conceptos y las ideas creadas por Raimi, es decir, no hay gran cosa nueva; pero eso sí, lo hace de una manera muy divertida y muy en línea con el universo creado por el también director de la saga fílmica de Spider Man. El guionista Andy Hartnell ha logrado mimetizar de manera sorprendente el humor de Raimi, mientras que los dibujos de Nick Bradshaw le dan el toque absoluto de humor negro a esta historia que gustará al espectador que le ponga una veladora a la saga de los demonios liberados por el libro Necronomicon.

Después de esta saga inicial, hemos visto ya diversas historias más, por diversos guionistas y dibujantes. A mi juicio, con excepción del crossover entre Army y Re-Animator, la serie ha estado muy mediocre. Sin embargo, creo que para los interesados en este saga estas historias resultarán de interés. Pero, sobre todo, no dejen pasar la miniserie de cuatro números que Dark Horse publicó este año (recienetmente recopilada en libro), en la que John Bolton y Mark Verheiden adaptaron la original de The Evil Dead… esa ya será tema para otro post.

VRF: Renée French

Viernes de Reseña Freak: Renée French

Algo que vuelve aún más disfrutable la lectura de la obra de Renée French, al menos para mí, es que continúa siendo infranqueable, auténtica y misteriosa.

Conocí el trabajo de esta autora gracias a la recopilación que Dark Horse hizo en 1997 de su novela gráfica The Ninth Gland (serializada meses antes en la antología Dark Horse Presents). En ésta, a través de unos trazos que hacen pensar en los de un niño –aunque con una capacidad fenomenal para el detalle y lo grotesco-, French cuenta la historia de una niña que encuentra un extraño animal que semeja un caballo o burro con una herida. Este ser, no obstante, revela una naturaleza aún más extraña cuando se descubre otro ente debajo de su herida, y esta experiencia narrativa se vuelve aún más inaudita y alucinante cuando a la pequeña se le ocurre llevar al animaloide éste con un extraño doctor que trabaja en el sótano de un hospital.

Y es que esa es más o menos la historia. Con French nos encontramos siempre frente a una serie de sucesos bizarros, que arrancan de manera podríamos decir coherente, y terminan en un alucine bendito.

Y eso pasa igual con Corny’s Fetish (también de Dark Horse) y más recientemente con The Soap Lady (un cuento para niños azotados) y The Ticking, su trabajo más reciente (ambos para Top Shelf Productions).

En The Ticking, vemos la historia de Edison Steelhead, un niño que sufre más por la reclusión en la que su padre lo ha metido en una isla, que por la cabeza deforme que también heredó de él. Las vidas de ambos se consumen en la lejanía hasta que llega la nueva ‘hermana’de Edison, quien no sólo parece un chimpancé, sino auténticamente se trata de un chimpancé.

Se trata de una novela gráfica de 216 páginas, que presenta dos viñetas por página y con los diálogos o prosa al calce de cada cuadro.

Cómo podemos ver, las historias de French son crueles, y ese es su atractivo, pues todos sus personajes presentan las mismas inquietudes y pulsiones que vemos a diario en nuestra vida.

Y hasta ahora, French continúa haciendo el mismo tipo de historias, y sin dar una gran explicación… por lo cual, agradezco enormemente ese misterio que ha hecho de su obra.

Creo que a estas alturas, el mismo David Lynch (quien realmente ha decepcionado con su onanismo exacerbado en Inland Empire) quisiera tener la fuerza de French.

Cuando Ash conoció a los Marvel Zombies

A continuación los dejo con un texto que escribí para la aparición del Marvel Zombies Vs. Army of Darkness Monster Edition.

Una batalla, obviamente, fue el origen de los crossovers.

La primera alianza extrafronteras que Marvel Comics realizó con otra compañía fue, ni más ni menos, con DC Comics en 1975, para la elaboración de una adaptación a El mago de Oz. Y sólo pudo ser así porque ambas compañías se encontraban peleando los derechos para adaptar la versión cinematográfica de la MGM al clásico de la literatura… que mejor solución que producirla en conjunto. La realización de este peculiar proyecto quedó en manos de Roy Thomas, John Buscema y Tony DeZuniga, entonces equipo de Marvel, y fue el inicio de una larga carrera de crossovers con batallas que van desde Superman contra Spider Man, y hasta Punisher contra Archie.

Desde luego que en estas poco más de tres décadas, de crossovers de Marvel con otras compañías, tanto los personajes como los lectores que continúan sosteniendo este mercado han cambiado severamente. Obvio que los lectores y los editores que apoyaron la realización de aquélla historia de El mago de Oz no son los mismos que consumen un crossover como Marvel Zombies Vs. Army of Darkness... por supuesto que no son lo mismo.

¿Se han puesto a pensar lo que ha tenido que cambiar en el cómic norteamericano, y en el mundo, para que una historia de esta naturaleza pueda llegar a sus manos?

Imagínense, hace medio siglo los cómics sufrieron una grave autocensura a partir de lo escrito por el psiquiatra Frederic Wertham en su libro Seduction of the Innocent, en el que se decía que los cómics eran culpables de la delincuencia juvenil. De tal forma que los editores de cómics no pudieron utilizar palabras como “Terror” en los títulos de sus publicaciones y, entre muchos otros elementos, se les impidió presentar zombis entre sus páginas... afortunadamente las cosas han cambiado.

En un tiempo como aquél, tampoco habría sido posible la realización de un filme como The Evil Dead (El despertar del Diablo, 1981), uno de los más salvajes en la historia del cine. Realizado por un joven Sam Raimi, quien entonces tan sólo contaba con 22 años, este filme se ha convertido en un clásico que le llevó a construir una filmografía sobresaliente fincada en la fantasía y la cual en el 2002, 20 años después del debut de este realizador, le permitió comenzar la popular y brillante trilogía de Spider Man.

En The Evil Dead un grupo de jóvenes son torturados física y psicológicamente al ser poseídos por unos demonios en una cabaña. El desquiciante movimiento de cámara y las grandes cantidades de sangre y violencia que conforman el filme, hicieron de éste un éxito mundial que provocó un par de secuelas, de distintos tonos y presupuestos.

La tercera de ellas, Army of Darkness (1993), la de mayor presupuesto y con mayor cantidad de elementos fantásticos, continúa presentando a Ash (encarnado por el actor Bruce Campbell) en batalla en el medioevo con los deadites, esos cadáveres reanimados que conforman el ejército de las tinieblas en busca del Necronomicón, libro centenario de encantamientos que les permitirá reinar en cualquier lugar y momento. Único sobreviviente desde la primera entrega, Ash, pistola en mano y sierra de motor adecuada a su muñón derecho, se ha convertido en héroe del nuevo milenio que pelea contra hordas de cadáveres, siempre con buen humor y dándose un tiempo para pedirle “algo de azúcar” a las damiselas en peligro.

Tal combinación de géneros y caracteres parecían estar hechos para la historieta, y fue así que desde 2002 la compañía Dynamite Entertainmente le dio su serie al personaje, enfrentándolo a cientos de deadites, a Drácula, al Hombre Lobo, al monstruo de Frankenstein y al mismísimo Dr. Herbert West, mejor conocido como el Re-Animator, junto con su grupo de cadáveres reanimados (y que, igualmente vienen de otras películas de horror y de una serie de cuentos obra del canónico escritor H. P. Lovecraft), pero esa es otra historia...

Y creo que es afortunado para nosotros, los lectores mexicanos, que el primer crossover entre compañías editado por Marvel Televisa, sea Marvel Zombies Vs. Army of Darkness. Quienes hayan gustado de los excesos caníbales, gore y de muertos vivientes de la primera miniserie de los Marvel Zombies, no van a decepcionarse con esta historia, que incluso se ubica antes de los eventos sucedidos en la primera miniserie.

¿Y cómo es eso? Algunos de ustedes preguntarán. Pues no hay nada que temer, porque todo se explica claramente y, además, esta recopilación mexicana incluye el preciado oneshot Marvel Zombies: Dead Days, historia de Kirkman y Phillips (los autores de la primera exitosa miniserie) que revela las circunstancias en las que los héroes de la Tierra-2149 tuvieron su grotesca conversión a zombies, así como la presentación de momentos críticos en la reciente historia de Marvel (que han hecho palidecer a más de mil), y que por víctimas tienen a Mary Jane, la Tía May y al pobre de Jarvis.

Los Marvel Zombies, presentados por primera vez en Ultimate Fantastic Four (recordemos que Mark Millar los creó extrapolando el término “marvel zombie”, que se utilizaba para referirse a los lectores de hueso colorado de Marvel Comics), sin duda han significado una de las vueltas de tuerca más extraordinarias en la historia del cómic de superhéroes. Los ames o los odies, han llegado para quedarse, y más vale que tengas tus quesadillas de sesos a la mano para distraerlos mientras corres.

VR: Black Jack Volume 2

VR: Black Jack Volume 2 (Vertical), de Osamu Tezuka

Joder… qué bueno es Black Jack.

Algunos posts atrás habrán leído un comentario acerca del maestro Osamu Tezuka (considerado en Japón como Dios en la Tierra, y orgulloso comparsa de Alan Moore en el mundo), a propósito de los 80 años de su nacimiento. Y todavía en Toquedequeda.net reseñé el primer volumen de Black Jack hace casi un par de meses (chéquenlo aquí http://www.toquedequeda.net/iconoctlan/2008/09/26/vr-black-jack-volume-1). Está próximo a aparecer el volumen dos y, como amenacé, aquí está mi comentario al respecto.

En donde se encuentre Tezuka (fallecido en 1989), vaya un verdadero agradecimiento y reverencia por Black Jack y muchas otras de sus obras. Esto tal vez tendría que ponerse al final de un texto, pero de verdad que tras leer el mencionado volumen 2 de BJ, no podía esperar más. Siento esa efervescencia interna que queda tras una lectura intensa.

Doce capítulos más se suman al recorrido de BJ en Norteamérica vía el sello Vertical. Este segundo volumen permite conocer un poco más sobre el protagonista, así como sorprendernos del enorme talento de Tezuka.

Igualmente, el numeroso elenco reunido en las 303 páginas de este volumen (agreguen 20 más aquellos que tengan la suerte de adquirir la edición en pasta dura, con una historia extra) permite de forma sobresaliente (me parece que mucho más que en otras ocasiones) observar esa interesante técnica de Tezuka para construir un elenco secundario. Es decir, muchos de los personajes secundarios en sus historias presentan los rostros de personajes ya vistos en otras de sus obras: Tezuka no sólo aplicó la influencia de la narrativa del cine expresionista a su obra, sino que igualmente como si se tratase de cine creó una serie de rostros que utilizó en diversas historias y con diversos roles. Tezuka creó un equipo de ‘actores’ a los cuales les dio diversos papeles en sus numerosas obras. ¿Sorprendidos? Creo que no somos pocos los que estamos así.

Quienes hayan leído el primer volumen de BJ, y esperen que para este segundo ya presente cierto resquebrajamiento en su frialdad, sigan esperando porque esto no sucede (ni sucederá en los restantes 15 volúmenes). BJ continúa cargando millonarias cuentas a sus pacientes, aunque su incisivo olfato para detectar seres detestables por otro lado parece afinarse.

Así, en Granny este cirujano se enfrenta a una historia filial estrujante de sacrificio; en Dirtjacked, BJ se enfrasca en un accidente con niños, de esas historias que tanto le gustan a los mangakas (The Drifting Classroom de Kazuo Umezu, y Dragon Head de Minetaro Mochizuki, como ejemplo); en The Ballad of the Killer Whale, presenciamos la extraña relación de BJ con una ballena asesina; y en Assembly Line Care, BJ funciona como sádico deux ex machina, permitiendo a Tezuka demostrar a través de brillantes vueltas de tuerca que la frialdad de BJ es extraordinariamente redentora de la especie humana.

Quiero resaltar que cada una de las historias de BJ es realmente valiosa, pero en este volumen a mi juicio sobresalen tres por distintas razones: en la reseña al primer volumen de BJ se mencionó, por supuesto, el peculiar trazo físico de BJ, dentro del cual la cicatriz que le cruza la cara es fundamental, en Where Are Thou, Friend?, presente en el voumen 2, se nos revela la razón de tal charrasca; en Pinoko’s Challenge, la curiosa pareja de BJ es protagonista de un conflicto altamente cardiaco cuando intenta inscribirse a una universidad (recordemos que Pinoko es una joven de 18 años, cautiva en un cuerpecillo de unos tres años) y, junto con BJ, entendemos que esto es imposible.

Y finalmente, también inscrita dentro de las historias de final nada feliz, se encuentra Stradivarius, en la que BJ es vencido por la naturaleza en el intento por salvar a un violinista. Además de construir una historia de esfuerzo desesperante, en las 23 páginas de este relato Tezuka transmite en breves palabras y unas cuantas viñetas la intensidad del amor que podemos llegar a sentir por algún objeto.

La próxima semana (el miércoles, para ser precisos) se pone a la venta este volumen. Si no quieren esperar y no han leído el primer volumen, creo que ya sabrán qué hacer entonces. Vayan acá para checar la mencionada historia de la ballena asesina: http://www.vertical-inc.com/blackjack/index.html , e igualmente ahí pueden conseguir estos volúmenes si una tienda de cómics cercana a ustedes es aún un espejismo.

Antes de Obama estuvo Washington

Con incredulidad y felicidad, a la vez, hemos visto reproducida la foto de Barack Obama posando frente a la estatua de Superman en Metropolis, Illinois; y aún más impactados nos hemos enterado de que el inminente presidente del vecino país colecciona cómics de Spider Man y Conan… ¿es que acaso esto es el anuncio del fin del mundo en el 2012?

Vaya usté a saber. Por lo pronto rescato y pongo al día este texto (visto en Toquedequeda.net , el 11 de julio de 2007) en el que recordé a la primera presidente de EUA, afroamericana por cierto, según la ficción del maestro Frank Miller, y en vísperas de la muerte de ésta.

El 11 de julio de 2007 se puso a la venta en Estados Unidos Martha Washington Dies, continuación y epílogo de una obra brillante y que, definitivamente, queda por redescubrir.

Escrita por Frank Miller y dibujada por Dave Gibbons, Give Me Liberty fue uno de dos proyectos que Miller realizó para Dark Horse (el otro es el impresionante Hard Boiled, con Geof Darrow) a principios de los 90, cuando el historietista salió echando chispas de DC y Marvel Comics en busca de mayor libertad creativa y respeto a sus derechos como autor.

Esta obra, que tal vez será oro molido para productores de cine en no poco tiempo, permite ver el lado más político y subversivo de Miller quien decidió darle el nombre de la Primera Dama de ‘América’ (obviamente, el de la esposa de George Washinton) a una joven afroamericana que sale de un ghetto para combatir al Estado y formar parte de sus filas de soldados en algún momento; aunque invariablemente termina, de nueva cuenta, como enemiga de un Estados Unidos alternativo. Y se dice alternativo, porque la historia comienza con el nacimiento de Martha en 1995 (cuando Edwin Rexall, el presidente electo de esta historia, decide agrupar lo más pobre del país en una colonia-prisión) y termina en 2097, cuando Martha carga 101 años de vida y, nuevamente, compone una de las figuras de oposición al gobierno.

La saga de Martha Washington se compone de tres miniseries y tres números especiales, contando el Martha Washington Dies.

Este trabajo, como vemos, precede a Sin City y 300, y es tal vez por su tono pesado y de Ciencia Ficción dura que, a pesar de tratarse de un éxito editorial en su momento, no se trata de una obra muy mencionada ni citada.

Es interesante observar que Gibbons participó en dos visiones muy políticas y críticas de autores clave en la historieta: ésta de Miller y el Watchmen de Alan Moore.

Recuerdo que cuando la importación de cómics no era algo común como hoy día, me costó años y trabajo conseguir los cuatro números Prestige de la primera miniserie. Hoy, la recopilación seguramente está esperando en varias tiendas y por internet.

El oneshot que cierra la historia de esta mujer presenta, además bosquejos y notas de Miller y Gibbons.

Sin duda, a Martha Washington no la vamos a olvidar.

Alan Moore y el horror en el 2009

Estimadas iconoctlanas e iconoctlanos, me es grato comunicarles que el 2009 será un año prolífico para Dios en la Tierra, es decir, Alan Moore. Pues no sólo Top Shelf editará el libro 4 de The League of Extraordinary Gentlemen, Century (el grimorio del maese: The Moon & Serpent Boomper Book of Magic, esperará hasta el 2010), sino que el sello Avatar ha anunciado a través del más reciente catálogo de Previews dos nuevas obras del barbado mago de Northhampton: Alan Moore’s Light of Thy Coutenance y Alan Moore’s Neonomicon Hornbook.

El primero (como la mayoría de las obras que Avatar ha publicado de Moore) se trata de un cómic realizado a partir de un relato en prosa, adaptado por Anthony Johnston e ilustrado por Felipe Massafera (a quien hemos conocido a partir de algunos impresionantes covers pintados que ha realizado para Anna Mercury, de Warren Ellis), en el que se desarrolla una historia de apariciones catódicas… o algo así.

Sin embargo, Alan Moore’s Neonomicon Hornbook es el importante –al menos a mi parecer- pues se trata del primer cómic de horror de Moore en muchos años. Este no está adaptado de ninguna fuente previa (cuento corto o poema, como Avatar lo ha hecho), y sí en cambio retoma conceptos creados por él mismo para The Courtyard, un relato de él que la misma Avatar adaptó hace unos años. Por si fuera poco, el buen Jacen Burrows (quien ha ilustrado muy buenos trabajos para Elllis y Ennis en el mismo sello) se encarga de las ilustraciones.

Recordemos que Moore ha estado en una especie de letargo historietístico tras el cierra de su ABC cómics, por lo que un cómic nuevo es un suceso para celebrar en grande. Además, la historia –cómo puede percibirse a partir del título- está influida profundamente por el otro maestro de Providence: H. P. Lovecraft. En enero será presentado un preview, y la serie ya en forma será publicada durante la segunda mitad de 2009.

-Les comento que el número 3 de Comikaze ya ha sido puesto a la venta. Me da gusto ver que los contenidos de esta publicación han mejorado en el corto periodo que lleva, y para no hacerles el cuento largo, entre otros encontrarán entrevista con Rubén Lara (diseñador e ilustrador de Fantomas en México), texto sobre la ciencia en los cómics, un homenaje de Óscar González Loyo al maestro Osamu Tezuka, y hasta un texto de los cómics de zombies de George Romero, por quien esto escribe (por cierto, chequen el número de noviembre de la revista Rolling Stone, para que lean la entrevista que hice con Peter Murphy -de Bauhaus, of course- y vean qué tiene en común con el mismísimo Alan Moore.

Oda a Ennis

Algunos posts atrás, discutíamos la pertinencia y necesidad de la publicación de historietas con temas un poco más complejos y demandantes que los que comúnmente encontramos en cualquier puesto de periódicos mexicano.

Como recordarán, esto se discutía a propósito de la inminente cancelación de The Punisher, escrita por Garth Ennis y acompañado en el dibujo (en el arco que cerrará este ciclo en el país) por el dibujante Leandro Fernández. Aparte de este suceso, algunos de ustedes se habrán enterado ya de que el director inglés de cine Sam Mendes está trabajando en lo que tal vez se convierta, finalmente, en la adaptación de la saga de Preacher al cine.

Preacher, creado por Ennis al lado de Steve Dillon, es uno de los cómics más originales y reverenciados en la última década, y debemos agradecer que el proyecto que Mark Steven Johnson (el carnicero que hizo auténticas basuras para cine como Daredevil y Ghost Rider) trabajaba para televisión finalmente haya fenecido y, en cambio, una nueva luz surja con Mendes, quien hace algunos años sorprendió con su adaptación a Road to Perdition. A continuación, una oda a Garth Ennis, publicado originalmente el 29 de junio de 2007 en Toquedequeda.net.

Hace algunos años, la escena ‘alternativa’ del cómic mainstream resonó con los 66 números de Preacher (más varios oneshoots), serie escrita por el irlandés Garth Ennis y dibujada por el inglés Steve Dillon. Por supuesto no resultó nada raro que esta serie de Vertigo se convirtiera en una de culto, pues la fabulosa imaginación malsana de Ennis, su ojo clínico para el diálogo políticamente incorrecto, apoyados por la línea clara en el trazo de Dillon, convirtieron la historia del reverendo Jessy Custer –poseído por la fuerza ultrapoderosa resultante del encuentro sexual entre una diablesa y un ángel- en un thriller con fuertes elementos de drama, comedia, actos sacrílegos, otros muy sacrílegos y terror por igual.

Esta historia, que retomaba algunos elementos que la dupla Ennis-Dillon explotó unos meses antes durante su etapa como equipo creativo en Hellblazer, en la actualidad es mencionada por los lectores iniciados como uno de los momentos más brillantes del sello Vertigo; y sin duda así es.

Desafortunadamente, para muchos lectores pareciera como si Ennis no hubiese hecho gran cosa en los últimos años… y eso está muy lejos de la realidad.

Aunque ciertamente con dicha obra Ennis parece que llegó a su pináculo –al menos hasta el momento-, no ha dejado de hacer cosas muy recomendables y otra brillantes; como aquél inolvidable momento en The Demon, junto con John McCrea en los dibujos –y con quien, después, continuó en Hitman-, o su importante y en espera de que alguien vea su trascendente trabajo en The Punisher (bueno, en México, hemos visto ya qué sucederá al respecto), personaje cuyas historias lleva cronicando desde el 2000.

El caso es que por alguna razón después de Preacher, como que la obra de Ennis no se menciona mucho. Entre algunos de los trabajos más recientes de este guionista se encuentran los siguientes:

The Boys, serie que ha puesto un poco a Ennis en la boca del fandom gringo pues DC Comics, quien originalmente la publicó a través de Wildstorm hasta su número 7, decidió cancelarla tras el tono subidito de la serie: sólo porque se hablaba de superhéroes con vicios y perversiones mundanos -como traer un cuyo enterrado en el culo. La cosa es que Wildstorm soltó la serie, y ahora la publica con sonado éxito Dynamite Entertainment.

Chronicles of Wormwood, una impagable serie protagonizada por un Anticristo que no desea hacer su tarea: es amigo de Jesucristo –quien es una especie de rastafari totalmente alivianado-, coge por igual con Juana de Arco que con su novia, y está intentando malograr la tarea de su padre en la Tierra. La dibuja Jacen Burrows y la edita Avatar.

Y también de Avatar por estos días se publica Crossed, también por Ennis y Burrows, en la que este autor está construyendo una historia a partir de los actos más crueles e inhumanos, aquellos que a él mismo le causen escozor al leerlos… la extraña epidemia que parece transformar a los personajes de este cómic es realmente espeluznante.

Así que ya saben, en lugar de ir a misa el domingo… mejor pónganse a leer la obra de Garth Ennis.

Tezuka

Ayer se cumplieron 80 años del nacimiento de Osamu Tezuka, autor fundamental en la evolución de la historieta mundial y en el mismo proceso de la narrativa audiovisual japonesa. El siguiente es un texto sobre este autor y una de su más grandes creaciones: Astro Boy.

Fue en 2001 cuando se cumplió medio siglo de que Ozamu Tezuka trazó la primera historia de aquel robotcillo llamado Astro Boy, previendo el devenir tecnológico del futuro incierto a decir de lo puesto por Arthur C. Clark y Stanley Kubrick, en 2001 Space Odissey. No obstante, durante todo 2003 en Japón se realizaron grandes celebraciones en las que este personaje fue el protagonista.

Porque fue en 2003 cuando se cumplió medio siglo de que este personaje apareció por primera vez en la pantalla de la televisión japonesa como una serie animada. Pero, desde luego, estamos conscientes de que este aniversario no podría provocar un festejo nacional. En realidad, lo que sucedió en Japón es que este país celebró su llegada virtual al futuro, según Tezuka, pues la historia de Astro Boy arranca el 7 de abril del 2003.

A decir de Tezuka (en su primera historia de Astro Boy publicada en abril del 1951 y, posteriormente, en una relaboración de la misma en 1975), fue el Dr. Tenma, del Ministerio de Ciencia de Japón quien, tras la muerte de su hijo Tobio en un accidente automovilístico, creó a Astro Boy. El científico construyó al pequeño robot en un intento por remplazar el amor de su hijo; no obstante, no tardó en comprender que este ser artificial no iba a desarrollarse como ser humano, por lo que terminó vendiéndolo. Más tarde, el profesor Ochanimizu lo encontró en un circo, lo compró y le creó una familia cibernética, con la que vivió casi como un ser humano, pues Astro Boy incluso centró sus esfuerzos en pelear por la paz.

Tezuka, nacido en Osaka, Japón, el 3 de noviembre de 1928, creó a este personaje en un intento por opinar sobre la tecnología y el futuro. Matriculado en Física, con una especialización en Medicina, a los 20 años decidió dejar su carrera profesional por el manga (cómic japonés), y aunque no fue el primer creador de éste, sí fue quien le dio distinción a esta historieta haciendo de la misma un género internacional al brindarle efectos dramáticos y psicológicos, tomados directamente del modo del cine francés y el cine alemán expresionista. Desde luego, esos ojazos negros distintivos de los personajes de los manga se le deben a Tezuka.

Fue así que el manga comenzó a definirse por sagas larguísimas que comúnmente llegaban a sobrepasar las mil páginas y que, según su propia nación, convirtió a Tezuka en manga no kamisama, o el ‘Dios del Manga’ y quien, incluso, cuenta con un museo dedicado a toda su obra.

Hay muchas otras trascendentes obras de Tezuka, como Phoenix, Metropolis, Black Jack y Buddha, entre otras (que pueden conseguirse en ediciones espñaolas como de Glenat, o estadounidenses de Dark Horse y Vertical); sin embargo, Astro Boy (que en algún momento Vid anunció su publicación en México...) se ha convertido en la más popular. Por eso no extrañó cuando en 1953 se realizó la primera serie animada de este personaje, producida por el propio Tezuka a través de su compañía Mushi Productions (trasmitida en México durante los años 70, y cuyas ediciones en video para el mercado estadounidense contaron con portadas realizadas por Oscar González Loyo, el mexicano creador de la historieta Karmatrón), y 50 años después fue estrenada una nueva versión en la televisión japonesa, producida por Sony.

Las celebraciones durante 2003 en Takadanobaba (ciudad en la cual Astro Boy fue creado) hicieron de éste un lugar en el que todo fue transformado a partir del mundo idealizado de este personaje; en el que, incluso, se recibía a los visitantes con lel famoso tema musical de la serie.

Dichas celebraciones produjeron billones de yens durante tal año, pues esta recaudación inició con la Expo Robot -con Astro Boy como tema central-, las primeras ediciones en inglés de este manga (bajo el sello de Dark Horse Comics) y parece que continuará hasta el 2009 cuando se estrene el largometraje animado de este personaje.

Sin Tezuka y Astro Boy, de menos, la obra de Hayao Miyasaki (El viaje de Chihiro), Shinya Tsukamoto (Tetsuo) y Katsuhiro Otomo (Akira), entre muchos otros cineasta, sería algo totalmente distinto.